Obra: La Balsa de la Medusa

Autor: Jean-Louis André Théodore Géricault 

Tipología: Pintura

Cronología: 1818-1819

Técnica: óleo sobre lienzo

Medidas: 716 x 491 cm

Estilo: Romanticismo francés 

Tema: Pintura de historia.

Localización: Museo de Louvre (París)

La siguiente obra recibe el título de la balsa de la medusa y pertenece al autor
 Jean-Louis André Théodore Géricault. Se trata de una pintura que pertenece al Romanticismo francés y fue creada en óleo sobre lienzo entre los años 1818 y 1819. Actualmente la encontramos en el Museo del Louvre en París. Se trata de un hecho real del naufragio ocurrido en la balsa de la medusa. Los protagonistas de la obra son los supervivientes, de los 150 que iban a bordo sólo 15 sobrevivieron. La escena es terrorífica y transmite el sufrimiento y la muerte de los pasajeros. Para transmitir mayor Realismo el autor acudíó a cadáveres existentes para recrear mejor dramatismo. La composición de la obra es triangular, una de las pirámides la compone el vértice superior de la vela y otra el personaje de la derecha que sujeta una tela. Al fondo nos encontramos con un paisaje triste que representa el mar. Destaca la anatomía de los modelos, el estudio de los cadáveres, la muerte y la vida en la imagen…  Los tonos dominantes son los cálidos. La luz destaca un fuerte claroscuro y en la obra refleja el atardecer. La escena expresa esperanza y un gran simbolismo de dolor. Se busca la exaltación de los sentimientos de lo trágico de la libertad. 

Conclusión

Título: El 3 de Mayo en Madrid (“Los fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío”)

Autor: Francisco de Goya y Lucientes

Tipología: Pintura

Cronología: 1814

Técnica: óleo sobre tela

Medidas: 3.47 x 2.68m

Estilo:  ROMántico, con reminiscencias del neoclasicismo.

Tema: Histórico/ alegórico

Localización: Museo del Prado (Madrid)

Esta obra titulada Los fusilamientos del 3 de Mayo fue pintada con la técnica del óleo por Francisco de Goya en el año 1814. Actualmente podemos encontrarla en el museo del Prado en Madrid. Es uno de los primeros cuadros cuya temática es histórica. Los protagonistas son el pueblo y representan el sufrimiento del pueblo de Madrid tras el levantamiento del 2 de Mayo de 1808. La composición de manera horizontal divide en la línea recta el paisaje del fondo cuya luz es oscura de los personajes iluminados en la parte inferior del cuadro.  La escena que transmiten es una muerte casi inmediata ya que los soldados apuntan hacia los españoles. Además en el suelo podemos observar los cuerpos muertos. El resto de prisioneros esperan frente a un muro lo que será una horrible escena.  Reconocemos que es una obra de Goya gracias a la manera en la que aplica el color. Recurre a la gama del color negro, al rojo de la sangre, a una gama cromática cálida que se oscurecerá a favor del claroscuro. A pesar de utilizar una pincelada suelta los rostros de los personajes presentan gran expresividad como refleja el hombre de camisa blanca quien claramente resalta sobre los demás gracias a la luz. 

Conclusión: Goya nos ofrece bajo una visión personal un tema de guerra como nunca antes se había retratado. Utiliza el horror de la guerra de la independencia española para denunciar los asesinatos de aquel entonces siempre es necesario recordar nuestra historia y a los que sufrieron las consecuencias. 

Título: La catedral de Rouen

Autor: Claude Monet

Tipología: Pintura.

Época: Finales S XIX (1890-1893)

Técnica: óleo sobre lienzo

Medidas: 65 x 100cm

Estilo: impresionismo

Tema: paisaje urbano.

Localización: Museo Pushkin (Moscú)

El siguiente cuadro pertenece a una serie de varios cuadros de la catedral  de Growing. Su artista fue Claude Monet y los realizó en 1892. Actualmente podemos ver algunos en el museo de Órsay  de París. 

Uno de los intereses del autor fue la captación de la luz y los cambios que ocurrían según la hora del día y los efectos atmosféricos. Esto afectará al color de manera directa por lo tanto la naturaleza forma parte de la naturaleza de la composición. En la composición el artista ha decidido mostrar la fachada, la parte frontal, el pórtico como elemento principal. En el encuadre intuimos que la parte superior es más alta de lo que se muestra ya que las torres de los extremos no aparecen completas. La luz incide desde la izquierda proyectando sombras a la derecha. Vemos ausencia de negro frente a los colores puros y luminosos que se aplican con pinceladas sueltas. 

Conclusión: Llama la atención como el artista refleja de múltiples formas un mismo monumento religioso, donde Monet pensó darle mayor importancia a la parte delantera. Es novedoso como la sensación de estar difuminado no afecta en el detalle por qué se compone la obra. Existen hasta 40 versiones de la catedral. Y resaltaría la obsesión y la observación del artista por plasmarla

Título “El beso” (Paolo y Francesca)

Autor Auguste Rodin (1840-1917)

Tipología Escultura en bulto redondo

Época Finales S XIX (Encargada en 1888, expuesta en 1898).

Técnica Mármol tallado

Medidas 181,5 cms de alto, 112 cms ancho, 117 cms fondo.

Estilo Impresionista

Tema Literario

Localización París, Museo Rodin

La siguiente escultura recibe el título de “El beso” (cuyos protagonistas son Paolo y Francesca). Su autor Auguste Rodin (1840-1917) optó por realizar una pieza de bulto redondo sobre mármol y sus grandes dimensiones (181,5 cms de alto, 112 cms ancho, 117 cms fondo) nos permiten apreciar de un modo mas sencillo el estilo impresionista del final del Siglo XIX. Actualmente la encontramos en el Museo Rodin (París). La temática de la obra de El Beso consiste en la representación de una escena procedente de La Divina Comedia de Dante Alighieri. Los personajes son Paolo Malatesta y Francesca, dos amantes que acabaron asesinados por el marido de Francesca tras este descubrir su amor escondido. Referente al tema de la composición, El beso, se trata de una escultura exenta/bulto redondo que muestra a los dos amantes de cuerpo entero sobre una forma rugosa, lo que permite de esa manera contemplarla desde todos los puntos de vista y encontrar así en ella multitud de detalles. Los cuerpos han sido esculpidos de forma realista, aunque con idealización en el tratamiento de la anatomía. Él está representado con un espíritu protector mientras que ella es la parte más apasionada de la pareja. Rodin cree que la belleza en el arte consiste en la representación del estado interior; para lograr este fin a menudo distorsionaba sutilmente la anatomía. 

{El beso parte 2} El conjunto fue muy criticado por ser un desnudo, pero esa fue la forma que eligió Rodin para transmitir el erotismo del amor prohibido.  Vemos como el artista para llevar a cabo la realización de El beso, sorprendido quizás por la fugacidad del momento, decide capturar ese instante tan fugaz como efímero, como lo es un beso. Además, la expresividad de sus gestos es meramente suficiente como para que una simple parte del cuerpo humano sea capaz de transmitir el placer que quiso reflejar con ellos. Igualmente es apreciable ese Naturalismo tan típico de Rodin juntos a determinados rasgos de idealización propios de otro artista al cual admiraba, Miguel Ángel, presente en el soporte donde los amantes aparecen sedentes. Todo lo contrario, ocurre con las figuras que muestran un pulido trabajado. Es precisamente ese contraste de la piedra sin devastar frente a las formas suaves de sus cuerpos, la que hace resaltar ese Naturalismo, que como ya hemos dicho es un rasgo común en la mayoría de las obras del artista. El beso tiene fuerza y dulzura por igual. Los cuerpos desnudos y entrelazados de los dos amantes se funden como si fueran uno y la pasión del beso hace al espectador partícipe de ese íntimo momento. Conclusión: En la obra Rodin sacrificó la exactitud anatómica para valorizar la expresividad de los protagonistas, de modo que destacó el sentimiento por encima de los demás detalles. El Estado francés encargó una versión de esta pieza en mármol, el autor tardó diez años en realizarla. Cuando Rodin todavía vivía realizó varios ejemplares en distintos materiales y tras su muerte continuaron con la creación de diversas copias, de ahí que las encontremos por todo el mundo.

Barroco

-Causo reformas en el catolicismo (arte eclesiástico [arte religioso] que deseaba propagar la fé católica)

-Extravagante detalle y exceso de ornamentación (decoración)

-Confusión (en la temática {temáticas contrapuestas como lo celestial y lo terrenal, la vida y la muerte}) 

-Claro-oscuro (la luz sirve para destacar la figura principal y el tenebrismo {oscuridad} para opacar el resto de personajes, espacios o figuras) 

-Las curvas (de mayor sentido de movimiento {Realismo}) 

-Causó el crecimiento en la construcción del numero de iglesias, capillas, santos…Etc

EJEMPLO: “Las 3 gracias”

CRISIS DEL ANTIGUO RÉGIMEN 

-Se produce una guerra de la independencia y revolución política (revolución francesa). Las cortes de cádiz y la constitución. 

Rococó

-Nacíó en Francia

-Utiliza colores luminosos, suaves y claros 

-Su estilo es alegre y provocador

-Decoración excesiva

NEOCLÁSICO

-Es un movimiento artístico que recupera las normas y gustos de la antigüedad clásica griega. 

-Se desarrolla en Europa. 

-Surge en el Siglo XVIII hasta el Siglo XIX

-Surge después del Barroco (fue junto al rococó reemplazado y criticado por el neoclasicismo)

ARQUITECTURA 

-Aparece la figura de Napoleón (fue un militar y emperador de los franceses) quiso hacer de París la nueva Roms (a nivel de importancia) 

-Los principales arquitectos de la época y los últimos de la época neoclasicista y los últimos del Barroco en España fueron: 

• Ventura Rodríguez

• Juan Villanueva 

ARQUITECTURA UTÓPICA (creen en ideales imposibles)

-Se define así misma como sublime (algo muy bello)

• Diseño de interiores (neoclasicismo)

-Decoración rica en cincelados (hacer incisiones en la madera) o con plata incrustada y metales preciosos

-Se hizo común el uso de telas y tapices llegados desde pueblos más lejanos 

-Regency: significa elegancia y claridad relacionada con la arquitectura neoclásica 

ESCULTURA NEOCLÁSICA 

-Busca lo ideal

-El material más usado es el mármol (no tiene color, aporta claroscuro, es uniforme)

-Como temática aparecen: los retratos, mitología, escultura funeraria, conmemorativa…

-Como máximo representante de la escultura neoclásica destaca Antonio Canova 

PINTURA NEOCLÁSICA  

-Referentes de la pintura antigua Grecia

-Los colores que usaban eran principalmente los básicos (blanco, negro, azul, verde, purpura, marrón, rojo y amarillo) 

-Su canon de composición era determinado a la época y al lugar. Se adapta 

-La base de la belleza es armónía de las proporciones y las luces 

-La temática mitológica, retratos y cuadros de historia (hechos, hazañas…)

-La perspectiva lineal: el punto de fuga, las líneas que conducen al punto de fuga

CarácterÍSTICAS DEL Romanticismo 

-Surge como respuesta revolucionaria al neoclasicismo

-Surge en toda Europa a final del Siglo XVIII y principios del Siglo XIX 

-En España provoca la aparición del genero literario de la novela

-Es abstracto en algunos lugares, lo contrario es figurativo (lo figurativo acompañaba al neoclasicismo)

-Propone una nueva realidad

-El estilo ROMántico es sentimental y hace referencia a lo amoroso 

-Rousseau era un filósofo suizo cuyas ideas políticas se anticipaban a la revolución francesa 

(Racionalismo = forma de pensar)  

• INDIVIDUALISMO: el artista va más allá del retrato buscando representar aspectos de la personalidad del retratado. La figura humana es protagonista. Amplia los personajes hacia un público diferente, común

• NACIONALISMO: dependiendo del lugar tendremos unas tradiciones y diferencias entre países

• HISTORICISMO: busca las raíces nacionales en el pasado de manera gloriosa

• EMOTIVIDAD: aparecen los sentimientos, pasiones y deseos del individuo. Destacan la libertad, el patriotismo, la religión… 

EJEMPLO: Delacroix: ”La libertad guiando al pueblo”

• DESCUBRIMIENTO DE LA NATURALEZA: el paisaje será el gran protagonista de la pintura, ya sea real o ficticio 

• IDEALIDAD: busca por medio del Romanticismo la felicidad, el amor, la paz  y la justicia. Para ello recurren al escapismo y a la melancolía

LORD BYRON: a los 18 años publicó su primer libro. Es el ideal de héroe ROMántico tanto en su obra como en su vida. Como referente tuvo a Gustavo Adolfo Beker