Respuesta de los personajes mortales de la odisea.

LA TRANSICIÓN AL SONIDO EN EL CINE

Las primeras Películas sonoras fueron un verdadero incoveniente para los cineastas de la época.

La cámara, Debido al ruído del motor y de los engranajes, fue enclaustrada en una caja de Madera. Fue después del desarrollo del “blimp”, una especie de carcasa adaptada Al cuerpo de las cámaras, cuando fue posible colocar ésta dentro de los sets de Filmación.

La grabación Del sonido para el cine también presentó desafíos porque el proceso Inicialmente usado, el Vitaphone, requería la captación directa en el disco (“sound-on-disc”), y después la sincronización de un disco de distribución al Proyecto.

El Vitaphone Fue substituido por la grabación de sonido en películas (“sound-on-films”), que Impedía la pérdida de la sincronización después de que la película se rompiese O modificase. El sonido se graba opticamente en el lateral de la película.

El Establecimiento del sonido óptico en el cine obligó a los estudios a luchar por La mejora de los procesos de grabación y transición del sonido para las Películas. La respuesta de la frecuencia de la llamada “banda óptica” es Bastante limitada. Como mucho esfuerzo los ingenieros de grabación alcanzaron 10kHz en respuesta de la alta frecuencia y esto comprometíó, junto con la  baja resolución señal/ ruído, la calidad del Sonido del cine.

La integridad De los diálogos careció de la evolución de los micófonos y su ubicación en los Estudios, pero también pasó a ir la reducción y entretenimiento de la voz de Los actores. Aparecen por primera vez en los estúDios los llamados “instructores de diálogos”. El trabajo de estés instructores llevó a muchos Actores norte-americanos a hablar con acento británico, que es, a su vez, el Inglés más correctamente pronunciado y mucho más fácil de entender.

Pero, fue la M-G-M que, una vez descubierto el potencial del sonido, se dio cuenta de la Enorme popularidad conseguida con películas musicales, y se convirtió, Eventualemente, en el estudio que más invertíó en este campo.

LA IMPORTANCIA DEL SONIDO EN EL CINE

Componer para Escenas es un arte que no todo buen compositor es capas de realizar. Por el Contratrio, muchas de las pistas orquestales solo tienen valor  al lado de la imagen.

La Introducción del sonido en el cine provocó desconfort en muchos cineastas. Charles Chaplin, por ejemplo, había creado un personaje através de la Pantomina, y temía que él fuese destruido. Pero, en “ LUCES DE LA CIUDAD”, Percibe que el sonido podría serle de gran ayuda, en la identificación de una Escena. Y de este modo orquestró y introducíó efectos sonoros a una película.

Uno de los Aspectos más relevantes sobre la introducción del sonido en el cine fue el de La vanguardia del proceso de grabación y reproducción del contenido musical. Ya En 1940, los estudios Disney introducieron el Fantasound, y a partir de las Pantallas súper largas de 1950, el sonido multicanal se establecíó en Definitivo, en formato a 4 canales (35 mm) y 6 canales (70 mm ) o más (cinerama).

LA BANDA SONORA EN EL CINE

-Bernard Herrmann: Psicosis y Ciudadano Kane.

-John Williams: Indiana Jones, Jurassic Park, Supermán, E.T, Star Wars.

-Jerry Goldsmith: Star Trek y El Planeta de los Simios.

-Alfred Newman: Twentieth Century-Fox Fanfare y Cumbres Borrascosas.

-Nino Rota: El Padrino y La Dolce Vita.

-Alán Menken: La Sirenita, La Bella y la Bestia.

-Hans Zimmer: El Rey León, Gladiator y Piratas del Caribe.

-Danny Elfman: La Fábrica de Chocolate, Alicia en el País del las Maravillas y Los Simpsons.

-Max Steiner: King Kong y Casablanca.

-Henry Mancini: La Pantera Rosa y Moon River.

-Ennio Morricone: El Bueno, el Feo y el Malo, The Mission y Cinema Paradiso.

LA BANDA SONORA EN EL CINE ESPAÑOL

-Augusto Algueró: Torrrente, el Brazo tonto de la ley, Tómbola y La chicas de la Cruz Roja.

-Roque Baños: 800 Balas, El Otro Lado de la Cama y Las 13 Rosas.

-Bernardo Bonezzi: Nadie hablará De nosotras cuando hayamos muerto, Mujeres al borde de un ataque de nervios y Farmacia de guardia.

-Carmelo Bernaola: La Clave, Verano Azul y Mambrú se fue a la guerra.

-Antón García Abril: El Hombre y La Tierra, Fortunata y Jacinta y Ramón y Cajal.

-Alberto Iglesias: El Jardinero Fiel, Cometas en el Cielo y El Topo.

-José Nieto: El Lute: camina o Revienta, Celos y Juana la Loca.

-Alfonso Santisteban: Cañas y Barro, Aplauso y Bla, Bla, Bla.

-Adolfo Waitzman: Atraco a las Tres, Los chicos con las chicas y Un, dos tres… responde otra vez.

SLAPSTICK Y GAG VISUAL: LA COMEDIA EN EL CINE MUDO SLAPSTICK

1.LAS CarácterÍSTICAS DEL SLAPSTICK

Tiene tres elementos principales: La violencia física y visual, la spontaneidad (aportada por la improvisación de Situaciones) y la pantomima (la exageración del gesto su máxima forma de Expresión).

2.LAS GRANDES ESTRELLAS

-Charles Chaplin: El personaje de Charlot, el vagabundo con bombín, Bastón y pantalones atados con una cuerda, le convirtió en uno de los iconos Universales. Cuidó los aspectos formales de sus producciones e incorporó un Toque dramático. “El Chico” es un ejemplo de sensibilidad.

-Mack Sennet: Hizo historia al colocarse detrás de las cámaras y  escribir y producir sus propias películas Cómicas. Fundó su propia compañía Keystone.

-Max Linder: Cómico francés que se convierte en la primera gran Estrella de la pantalla a través de su personaje en la película “Max Patinador”, lo llevó a ser el actor mejor pagado de Francia.

3.COMEDIA VISUAL

-Búster Keaton: Fue capaz de protagonizar las escenas de riesgo más Asombrosas sin perturbar el gesto ni la mirada  Triste. Fue uno de los maestros cómicos que peor llevó el paso del cine Mudo al sonoro (“El maquinista de la General”).

-Harold Lloyd: Actor que decidíó Especializarse en comedia.
Alcanzó el éxito encarnado al prototipo de joven Americano normal y corriente, sometido a los nuevos peligros de la gran ciudad. (“El hombre mosca”).

4.EL OCASO DEL GÉNERO

Con la llegada del sonido cambió La técnica y la expresión. El público deseaba que las películas incluyesen Chistes o juegos de palabras, ruidos y músicas que subrayasen los momentos más Divertidos. Algunos sobrevivieron, otros sucumbieron a las fascinación por las Películas sonoras.

5.COMEDIA DIALOGADA. LA OBRA CINEMATOGRÁFICA DE WOODY Allén

Comenzó escribiendo chistes para el periódico, posteriormente hacía Humor para televisión y después se lanzó como stand up comedían.

Los inicios de Woody Allén en el cine fueron como escritor de un guion Y como actor secundario. La cinta “What’s New Pussy Cat” juntó con las Siguientes en las que trabajó de director de doblaje y guionista lo dejaron muy Desanimado por que se respetó muy poco su trabajo. Se dio cuenta que la única Forma de protegerlo era dirigiendo el mismo sus propios guiones.

En sus primeras cintas lo único que le interesa es hacer reír. Allén No tiene conocimientos técnicos y aunque se apoya en directores experimentados, Estas primeras cintas dejan mucho que desear, se salta los ejes y se preocupa Poco por la continuidad. Sin embargo, los guiones están  bien estructurados y cumplen el objetivo, ser Graciosos.

El personaje que interpreta Allén en este período es tan constante que Nos hace pensar que se está interpretando a sí mismo. El tema del psicoanálisis Aparece poco y tal vez de manera más o menos discreta. Los chistes relacionados Con los judíos son constantes desde estos inicios.

Una crítica que se hace a este período del cineasta es que en Ocasiones no sabe cuál es la mejor manera de presentar un chiste. Muchas veces Un gag que funcionaría mejor de manera puramente verbal es acompañado por una Secuencia de imágenes. Poco a poco Allén fue aprendiendo a narrar sus historias Vía el celuloide.

“Love and Death” aparece en un momento en el que Allén hace cintas Técnicamente muy interesantes. Sin embargo abandona la comedia burla y comienza A explotar temas de la psicología humana. Las nuevas cintas, dentro de las Cuales destacan “Annie Hall” y “Manhattan” se vuelven comedias más sutiles. Los Temas comentados antes siguen presentes pero ahora el humor es distinto.

Allén no tiene miedo de experimentar con la cámara, ejemplos de tomas Arriesgadas son aquellas en las que los personajes  entran y salen de cuadro sin ningún problema.

Lo más interesante de la obra de Woody Allén son las películas donde Mezcla el drama con la comedia en guiones muy sólidos, profundos e interesantes (“Hannah and her Sisters” y “Crimes and Misdemeanors”). Cada una de estas Películas consta de varias historias narradas de forma paralela, algunas se Entrelazan, otras no. Algunas tienen un tono cómico y otras son absolutamente Serias. Allén, por lo regular, protagoniza los segmentos cómicos y permite a Grandes actores lucirse con situaciones emocionalmente más complejas.

Actualmente Woody Allén hace Cintas de muchos estilos. Indiscutible es que tiene un sello personal que él Imprime en cualquier trabajo, es un cineasta que no tiene miedo a experimentar.

6.COMEDIA CORAL

Cine coral es un término que se utiliza para definir un tipo de cine En el que se presentan varias historias y personajes cuya conexión tiene lugar En el clímax de la obra. Se trata de Que a partir de un incidente, varios personajes tomen un camino común, que Pueden cruzarse o no al final de la película. Los diálogos de una película Coral reflejan el ambiente pero no avanzan la acción puesto que apenas posee Argumento.

-Luís García Berlanga

Formó parte de la primera promoción del Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas. Apostó en su cine por abordar situaciones Frecuentemente dramáticas desde el humor negro, aunque con una carga de acidez Que dotan a sus películas de una profundidad pocas veces conseguida en el cine Español.

Su primera gran obra fue “Bienvenido Mr. Marshall”, plantea como Fondo  la visita de una delegación Estadounidense a un pueblo castellano, con motivo de los acuerdos planteados Por el histórico plan Marshall. Se sirve de este hecho histórico para Satirizar.

Su estilo a la vez tierno y descarnado, queda patente en las primeras Décadas de su filmografía. Mención especial merecen “Plácido” (carga contra la Hipocresía de ciertas prácticas caritativas) y “El Verdugo” (denuncia a la pena De muerte).

Con dificultades para que la censura apruebe sus guiones, aceptó Algunos encargos como “Vivan los novios!”.

Con la transición, Berlanga inició una fecundada colaboración con el Guionista Rafael Azcona de la que nacíó su famosa trilogía “La escopeta Nacional”, “Patrimonio nacional” y “Nacional III”.