Bertolt Brecht, poeta, director teatral y dramaturgo alemán, trató de forma original y distanciada los temas sociales y los experimentos revolucionarios influyendo en la creación y la producción teatral moderna. La preocupación por la justicia, tema fundamental en su obra. En  periodo inicial de su carrera,  empezó a desarrollar una técnica dramática conocida como teatro épico.
Rechazó los métodos del teatro realista tradicional y prefería una forma narrativa más libre en la que usaba mecanismos de distanciamiento. Consideraba la técnica de alienación, la –

Distanciación

, como elemento esencial para  proceso de aprendizaje del público (reducía su respuesta emocional y le obligaba a pensar) . “La toma de medidas” . 
Escribíó Madre Coraje ( drama mujer que encuentra en la guerra un medio para conseguir fortuna al mismo tiempo que para perder a sus hijos), en pleno apogeo del nazismo.
El teatro de planteamientos aristotélicos presenta la sociedad como algo inmutable y muestra una acción que parezca real para emocionar al público, Brecht cree que espectador puede influir sobre los principios sociales, por lo que,  el teatro debe descubrir aspectos de la realidad para provocar la reflexión en el espectador.
Las formas épicas buscan relatar la acción de forma que el público sea consciente de que asiste a una ficción y pueda adoptar postura crítica respecto al contenido de la representación.
 Se utilizan técnicas para “distanciar” de la representación tanto al espectador como al intérprete.

A. Representación distanciadora

El “extrañamiento“,  inventado por Brecht,  mostrar algo conocido de una forma para que llame la atención hacia la idea o la emoción que expresa. Muestra situaciones conocidas pero utiliza  elementos para romper la ilusión teatral y recordar al público que está viendo una ficción.
Para convertir ciertas escenas en algo extraño al mundo de lo cotidiano y lo evidente:

• Se recurre a la música, iluminación, proyecciones, etc.
• Se interrumpen los diálogos personajes con discursos al público.
 • Se hacen los cambios de escenografía ante los ojos del público.

Interpretación distanciadora:

 Actor  mantiene  actitud distanciada de su personaje, que llega al público como alguien lejano, “extrañado”.El actor se sirve de recursos como:
*Máscaras 
*Una interpretación gestual, “mostrativa.
*Hablar en tercera persona de su personaje.
*Explicar las acciones que realiza su personaje. 

Brecht expuso su teoría teatral en un breve opúsculo, El pequeño organon,  explica que el teatro debería ser consecuente con el momento histórico que uno vive. El teatro ha de tener sentido político, por ello necesita una forma de interpretación y puesta en escena capaces de captar los nuevos conflictos del hombre en el mundo. Debe evitar la catarsis aristotélica, y producir un efecto de extrañamiento o distanciamiento con el fin de que todo espectador pueda analizar los contenidos más racionalmente. De ahí que se hable de teatro épico.

 Obras más reconocidas:  Terror y miseria en el III Reich, La resistible ascensión de Arturo Uly,  Madre Coraje y sus hijos.

1. Contexto y definición:

Desde  punto de vista social y político, la 2° Guerra Mundial marca  cambio radical en S. XX.  96 millones de muertos y países enteros arrasados, reconocimiemto de que Humanidad había hecho importantes avances técnicos y científicos. La propia lógica del sistema había hecho caer a los seres humanos en lo ilógico y lo irracional y se acentuó la sensación de angustia, perplejidad y desesperación en la gente y en los artistas. La desconfianza en la razón y en la lógica social fue recogida por el  teatro del absurdo.
El Teatro del absurdo abarca  conjunto de obras escritas por ciertos dramaturgos estadounidenses y europeos en décadas de 1940, 50 y 60.  Caracterizada porque renuncian al discurso lógico y a las reglas tradicionales de la escena para expresar el sinsentido de la existencia, mediante situaciones dramáticas absurdas y parlamentos incoherentes (las respuestas no corresponden a las preguntas). El escenario se convierte en  espacio desolado, de incomprensión, oscuridad y desconcierto conceptual, que provoca en el espectador angustia y vacío emocional.
El término «absurdo» proviene del uso de la misma palabra por los pensadores existencialistas  para explicar “el abismo permanente entre el yo y el mundo”.

2. Carácterísticas:

Las tramas carecen  de significado, se resalta la incongruencia entre el pensamiento y los hechos. Hay falta de secuencia dramática que crean una atmósfera onírica. No hay suspense de los acontecimientos y ni se sabe a dónde conducirá la acción. 
• Los diálogos son repetitivos.  Personajes tienen  gran obstáculo para expresarse y comunicarse entre ellos mismos. Se percibe la desorganización que existía hasta en la manera de comunicarse unos con otros, donde había un abuso de poder, donde ricos y poderosos atropellaban a los más débiles y a los que menos posibilidades tenían para sobrevivir ante tanto caos y confusión.
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Tiene fuertes rasgos existencialistas y cuestiona la sociedad y al hombre. En el teatro  se obténía  una visión imaginativa de la vida. Se producía el efecto de distanciamiento que Brecht había propuesto.
*La incoherencia, el disparate y lo ilógico  también rasgos muy representativos de estas obras, que se consideran muchas veces cómicas, pero en fondo de ellas late gran tristeza, sentido trágico que un público reflexivo capta de inmediato.
*Para dramaturgos teatro del absurdo el lenguaje está anquilosado y hay que destrozarlo. Se incorporan a la acción elementos extraliterarios y antiliterarios. Es un teatro de imágenes. Algunos de sus elementos enlazan con las viejas tradiciones bufonescas, con la farsa clásica. 
*El decorado y las escenografías en un marco de un mundo vacío y con objetos muy pesados que terminan dominando a los personajes.

El teatro del absurdo  no da las respuestas que esperamos, nos deja a nosotros la interpretación y el análisis de cada una de sus obras. En su comienzo,  público no tuvo facilidad para aceptar algo tan diferente. Los propios autores se resistían a dar explicaciones acerca del sentido de sus obras. 

3. Samuel Beckett (1906-1989)

 Considerado la culminación creativa del teatro del absurdo. Su obra dramática no es extensa, la intensidad trágica de los contenidos y su peculiar estética lo han convertido en el autor más influyente del teatro contemporáneo. Dramas muy austeros, donde construcción argumental apenas existe; los personajes están faltos de atributos y prácticamente desaparecen; la acción se reduce hasta el estatismo y la escenografía se desnuda de elementos y efectos. Logra sensación de ausencia: uso de diálogos incompletos, frecuentes repeticiones, silencios prolongados y monólogos faltos de lógica. Emplea lenguaje impersonal, de frase breve y registro coloquial.
Esperando a Godot , es su obra maestra; dos vagabundos bajo un árbol medio seco en un cruce de caminos, esperando a un tal Godot que nunca llega. Entre tanto, un diálogo insustancial los mantiene atrapados en una situación de interminable espera. 

4. Otros autores

 Fernando Arrabal, Harold Pinter o Günter Grass. 

1. EL TEATRO EXPERIMENTAL

 Comenzó en el teatro occidental a finales S. XIX. Este movimiento contra las formas dominantes de escribir y producir obras de teatro, y se opone al teatro burgués. Introducir uso diferente del lenguaje y del cuerpo para cambiar el modo de percibir la obra y crear una nueva y más activa relación con el público.

La relación con el público:

Público considerado como observador pasivo.  La participación del público puede ir desde pedir voluntarios que suban al escenario, hasta tener actores gritando directamente al rostro de algún miembro del público para, por ejemplo, hacer sentir a este, la angustia de la escena.
Los espacios de teatro adquirieron diferentes formas. 

Contextos sociales:

Algunos grupos teatrales han sido influyentes al tratar de impulsar la cara social del teatro. Los artistas han utilizado sus habilidades para participar del activismo cultural. En forma de teatro didáctico, de agitprop, o como medio de activación de la sociedad para impulsar un modo de vida alternativo al de la sociedad en la que se encuentran.

Métodos de creación:

En teatro convencional, se utiliza método altamente jerárquico de crear teatro: un escritor escribe un guión, un director lo interpreta para llevarlo a escena junto con actores, y los intérpretes interpretan según visión director y dramaturgo,
En teatro experimental el proceso de creación y escenificación ocurren al mismo tiempo. Los actores pasan a ser vistos cada vez más como artistas creativos, dándoles más libertad interpretativa. Surge el teatro de Improvisación de conjunto el cual no necesitaba de un escritor para desarrollar el material para un espectáculo o “pieza teatral”, los propios actores generan el material que se va a utilizar en el espectáculo.   El  rol del director puede existir como un ojo externo o un facilitador en lugar de la figura de autoridad suprema que asumen en el teatro convencional. 

2. LA PERFORMANCE

 Creación artística en el que el medio es el propio cuerpo del artista y la obra de arte toma forma de acción llevada a cabo por el artista. Espectáculo representado ante un público dentro de contexto de arte, interdisciplinario. Se suelen involucrar 4 elementos básicos: el tiempo, el espacio, el cuerpo del intérprete o su presencia en un medio y una relación entre el intérprete y el público.
Puede ser guionada o no, aleatoria o cuidadosamente preparada; espontánea o planificada, con o sin la participación del público. Puede ser en directo o por medios audiovisuales; el intérprete puede estar presente o ausente. Las acciones de un individuo o un grupo en un lugar particular y en un tiempo determinado constituyen la obra.

1. Introducción

Las formas de representación escénica mixtas son aquellas que combinan diferentes disciplinas artísticas para que completen un espectáculo escénico escénico. Se mezclan disciplinas como el teatro, la música, la danza, la literatura, la poesía, la cinematografía, las artes plásticas, la arquitectura, etc.. Destacan grandes géneros como la ópera, el ballet y el teatro musical.

2. La Ópera

Género de música teatral en el que una acción escénica se armoniza, se canta y tiene acompañamiento instrumental. Las representaciones en teatros de ópera, acompañadas por una orquesta. Forma parte de la tradición de la música clásica occidental.
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Historia

Origen de la opera en Italia durante Renacimiento, como un intento de revivir la tragedia griega clásica.
• Descripción:
La ópera ha tenido desde el principio una estructura fija a lo largo del tiempo. Está dividida en actos que a su vez contienen
distintas partes: 
-Obertura o preludio: pieza musical interpretada por la orquesta, al comienzo de la ópera, a telón cerrado.
-Recitativo: donde la acción avanza. La importancia del texto es mayor que la de la música, que suele ser muy sencilla.
-Aria: parte muy melódica donde la música tiene más protagonismo que el texto.
La acción no avanza, porque profundiza en sentimientos personajes.
-Coros: partes melódicas interpretadas por un coro. Dúos, tríos, cuartetos:son partes melódicas interpretadas por dos, tres o cuatro cantantes al mismo tiempo.

3. El Ballet

Forma concreta de danza. Según las épocas, los países o las corrientes y el espectáculo, esta expresión artística puede incluir: danza, mímica, y teatro. Hay variaciones según el lugar de origen, como el ballet ruso, el ballet francés o el ballet italiano. Características distintivas: uso de las puntas, sus gráciles, fluidos y precisos movimientos y sus cualidades etéreas.
Se originó en Corte del Renacimiento italiano. En S. XVII, la popularidad del ballet comenzó a crecer, y se convierte en arte profesional.

4. El teatro musical

El musical género teatral en el que la acción se desenvuelve con secciones cantadas y bailadas. Forma de teatro que combina música, canción, diálogo y baile, y se representa en grandes escenarios. 
Surge en Estados Unidos, finales S. XIX, y tiene como origen la ópera. El musical se desarrolla como una forma de teatro dirigido a las masas y para un público muy diverso. La temática obras muy diversas pudiendo ser originales o adaptaciones de obras teatrales, novelas, películas, etc.