El Cubismo: La Ruptura Geométrica del Siglo XX

El cubismo comenzó a principios del siglo XX, en 1907, cuando se organizó una exposición de Cézanne en París que influyó en Picasso y Braque. Fue creado por un grupo de amigos en París: dos españoles, Pablo Picasso y Juan Gris, y un francés, Georges Braque. El nombre de este movimiento surgió de forma peyorativa, a raíz de los comentarios de críticos de arte que lo despreciaban, como ya había ocurrido anteriormente con el impresionismo.

Para los cubistas, la pintura consistía en reducir la realidad a formas geométricas esenciales. Otra característica importante era que construían el volumen a través del color. Este movimiento supuso una ruptura con el pasado, ya que los cubistas buscaban representar la realidad desde diferentes puntos de vista. Además, el cubismo servía para pintar una realidad cerebral y pensada, buscando introducir una cuarta dimensión: el tiempo. Para ellos, el volumen y la estructura eran más importantes que el color. También inventaron el collage, pegando objetos y materiales sobre los propios cuadros.

Corrientes del Cubismo

• Cubismo Analítico: Descomponía el objeto en distintos planos, donde el color perdía su importancia. Las formas, en ocasiones, resultaban difícilmente reconocibles. Esta corriente se desarrolló hasta 1912.
• Cubismo Sintético: Permitía distinguir mejor el objeto y recuperaba la importancia del color. Fue en esta etapa donde se inventó el collage, a partir de la obra de Picasso Naturaleza muerta con silla de rejilla.

Pablo Picasso: El Genio Polifacético del Siglo XX

Pablo Picasso fue el pintor más importante del siglo XX. Nació en Málaga en 1881 y tuvo una larga vida (hasta 1973). Se formó en Barcelona y, con solo quince años, pintaba obras al estilo de Velázquez, como Ciencia y Caridad. En este cuadro retrató a su padre, un hombre de fuerte personalidad que marcó su infancia. La rebeldía contra él le hizo evolucionar. Durante su juventud, empezó a relacionarse con los círculos bohemios de Barcelona, frecuentando el café Els Quatre Gats, centro de pintura y tertulias bohemias de la ciudad.

Posteriormente, se trasladó a París para integrarse en los círculos vanguardistas. Su trayectoria se dividió en varias etapas:

Etapas Clave en la Obra de Picasso

• Etapa Azul (1901-1904): Influida por Goya y El Greco, fue figurativa y expresionista, con una paleta casi monocromática de tonos azules. Fue un período de bohemia y pobreza para Picasso, marcado por el suicidio de su amigo Carles Casagemas en 1901, suceso que le impactó profundamente y que reflejó en obras como La tragedia, La vida y Evocación.
• Etapa Rosa (1904-1907): Fue más colorista y vitalista, centrada en el mundo del circo. Las figuras comenzaron a evolucionar hacia el cubismo, como se apreció en Familia de saltimbanquis.
• Etapa Cubista (1907-1920): Picasso pintó Las señoritas de Aviñón en 1907, un cuadro decisivo que marcó el inicio del cubismo. En esta fase, desarrolló primero el cubismo analítico, con obras como Retrato de Ambroise Vollard, su marchante. Posteriormente, dio paso al cubismo sintético, donde el color recuperó protagonismo y apareció el collage, como en Naturaleza muerta con silla de rejilla. Aquí, Picasso buscó representar la realidad desde diferentes puntos de vista.
• Retorno al Clasicismo y Etapa Final (años 20 en adelante): En los años 20, Picasso volvió al clasicismo y a la figuración tradicional. Se casó con Olga Koklova, tuvieron un hijo y comenzó a triunfar. Desde 1936 inició su etapa final, definiendo un estilo propio, coincidiendo con la Guerra Civil Española y la Segunda Guerra Mundial. Creó El Guernica, símbolo de la Guerra Civil Española, y se comprometió con la República y el comunismo. Su vida personal fue agitada, con varias parejas y descendencia, siendo su relación más estable con Jacqueline Roque. En esta etapa llevó el cubismo a formas esenciales y se convirtió en símbolo de paz, con obras como El rapto de las Sabinas y su famosa paloma blanca. En los años 50 y 60 reinterpretó cuadros como Las Meninas y Las Mujeres de Argel.

Picasso como Escultor y Grabador

También fue escultor y grabador. Destacan Cabeza de toro, Dama oferente y los grabados de la Suite Vollard. En escultura cubista mantuvo un estilo primitivo.

Otros Escultores Cubistas Destacados

• Constantin Brâncuși: Destacó por reducir geométricamente la realidad en obras como Madame Pogany y Pájaro en el espacio.
• Pablo Gargallo: Creó un lenguaje cubista propio, destacando El profeta y Retrato de Greta Garbo.

El Expresionismo: La Emoción Interior en el Arte

Este movimiento nació en 1905 en Alemania, antes de la Primera Guerra Mundial. Surgió como una corriente artística centrada en plasmar y expresar los sentimientos desde el interior del artista hacia el exterior, en contraposición al impresionismo, que partía de lo externo para llegar al interior.

El expresionismo buscaba provocar sensaciones de angustia y hacer una crítica social. Los artistas deformaban las figuras, utilizaban líneas ondulantes y colores agresivos.

Grupos y Artistas Clave del Expresionismo

• El Puente (Die Brücke): Uno de los pintores representativos de este grupo fue Kirchner, con su obra Mujeres en la calle. También Emil Nolde, con Máscaras.
• George Grosz: En Metrópolis, denunció la locura de las ciudades modernas, con la gente corriendo y evitando mirarse, reflejando la deshumanización urbana. Esta obra se puede ver actualmente en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid.
• Edvard Munch: El artista más conocido del expresionismo fue Edvard Munch, autor de El grito, posiblemente la imagen más emblemática del movimiento. Aunque Munch era noruego, participó activamente en los círculos expresionistas alemanes, especialmente en El Puente. Fue además considerado el pintor más filosófico del grupo.
• El Jinete Azul (Der Blaue Reiter): La última tendencia del expresionismo fue El Jinete Azul, que pretendía captar lo espiritual de la realidad. Algunos de sus miembros, como Vasili Kandinsky, evolucionaron hacia la abstracción. Otro integrante destacado fue Paul Klee, pintor suizo que también formó parte de este grupo y ejerció como profesor en la Bauhaus. Klee evolucionó desde el expresionismo hasta la abstracción, como se apreció en obras como Superajedrez.

Tras la Primera Guerra Mundial, el expresionismo se hizo más sombrío, abordando temas como la muerte, la miseria y las secuelas de la guerra. Esto quedó reflejado en el Tríptico de la Guerra de Otto Dix, obra cruda y desgarradora que denunció los horrores del conflicto.

El Expresionismo Abstracto: La Emoción en el Gesto

Fue un movimiento que surgió en Estados Unidos a partir de 1940. Se ha señalado que, en el contexto de la Guerra Fría, probablemente fue promocionado por la CIA como una alternativa moderna y desideologizada al realismo socialista.

Características del Expresionismo Abstracto

• Preferencia por los grandes formatos, normalmente trabajados con óleo sobre lienzo.
• Eliminación de la figuración.
• Las telas presentaban un aspecto geométrico y se concebían como all over, es decir, una cobertura completa de la superficie sin límites, tratando el espacio pictórico con frontalidad y sin jerarquía entre las distintas partes de la tela.
• Los colores solían estar limitados al blanco, el negro y los colores primarios: magenta, amarillo y cian.
• Se caracterizaba por violentos trazos de color sobre grandes formatos, donde se percibían angustia y conflicto, reflejo de la sociedad en la que surgieron estas obras.
• Tomaron del surrealismo el automatismo psíquico, un proceso en el que el acto de pintar no estaba dirigido por la razón, sino por una acción espontánea y corporal, dejando aflorar símbolos y emociones universales.

Action Painting: La Pintura Gestual

La corriente principal dentro del expresionismo abstracto fue el Action Painting, cuyo centro de interés fue el gesto o movimiento de pintar, por lo que también se conoció como pintura gestual. En este estilo, el acto de pintar se convirtió en un gesto espontáneo que plasmó el estado físico y psíquico del artista, eliminando los límites tradicionales entre pintor y pintura. La acción de pintar quedó así ligada a la biografía del creador.

El máximo exponente del Action Painting fue Jackson Pollock (1912-1956). Pollock extendía la tela sin tratar sobre el suelo y se movía alrededor y dentro de ella, derramando pintura de forma uniforme. No usaba pincel ni espátula, sino la técnica del dripping, que consistía en dejar gotear o chorrear la pintura desde un recipiente con el fondo agujereado, o bien utilizando un palo o una espátula. Pintar se convertía así en un acto físico de todo el cuerpo. Sobre la tela, la pintura se distribuía en forma de manchas e hilos que se mezclaban, y el artista añadía detalles más finos con bastoncillos mojados en pintura. Lo que Pollock mostraba en la tela no era una imagen, sino una acción. En esta misma línea trabajaron también Willem de Kooning y Franz Kline.

Pop Art: El Arte de lo Cotidiano y la Cultura de Masas

Este movimiento artístico surgió en Reino Unido y Estados Unidos a mediados del siglo XX, inspirado en la vida cotidiana y los bienes de consumo de la época, como los anuncios, los cómics o el cine. Al igual que la música pop, propuso una forma de hacer arte para todos, utilizando imágenes populares en oposición a la cultura elitista de las Bellas Artes. Estas imágenes se separaron de su contexto y se aislaron o combinaron con otras, resaltando el aspecto banal o kitsch de los elementos culturales, a menudo mediante el uso de la ironía.

El Pop Art fue un arte urbano que pretendió unir arte y vida, mediante el enfriamiento de las emociones. Buscó reflejar la superficialidad de los elementos de la cultura de masas en sus obras, representando productos de consumo accesibles para todos. Así, se destacó la inexpresión y la impersonalidad del objeto, alejándose de cualquier tipo de subjetividad artística.

La repetición fue una característica constante de este movimiento, ya que en los medios de comunicación se utilizó como método para crear iconos o para anestesiar a la sociedad ante problemas importantes. En este momento de la historia del arte, ya no fue la vida la que imitó al arte, sino la imagen la que empezó a reemplazar a la realidad.

Artistas Emblemáticos del Pop Art

• Roy Lichtenstein: Resumió bien la premisa básica del Pop Art a través de la parodia, seleccionando antiguas tiras cómicas como materia y tratándolas de manera impersonal, idealizando así la producción en masa. Su obra Mujer en la bañera es un ejemplo.
• Andy Warhol: Fue, probablemente, la figura más célebre del Pop Art. Warhol intentó llevar este movimiento más allá de un estilo artístico, convirtiéndolo en un estilo de vida. Sus obras solían mostrar una falta de afectación humana, prescindiendo de la ironía y la parodia tan presentes en otros artistas del mismo movimiento. Algunas de sus obras más representativas fueron Marilyn, Lata de Sopa Campbell y Plátano.

El Surrealismo: Explorando el Inconsciente y los Sueños

El surrealismo fue la vanguardia más importante y duradera del siglo XX, llegando a mantenerse viva incluso en el siglo XXI. Surgió alrededor de la figura del poeta André Breton, quien dirigía un grupo cerrado en el que se elegía o expulsaba a los miembros. El surrealismo pretendía ir más allá de la realidad, adentrándose en los sueños, las pesadillas y el inconsciente, asumiendo para el arte los principios del psicoanálisis de Freud.

El movimiento creó el automatismo psíquico, una técnica que buscaba manifestar sin filtros todo lo que el individuo guardaba en su interior, pretendiendo sacar a la luz lo reprimido y lo más oscuro del ser humano. Los temas centrales de esta corriente fueron el sexo, la muerte, los sueños y las obsesiones. El surrealismo fue también un movimiento revolucionario que buscó escandalizar a la sociedad burguesa y evidenciar sus contradicciones.

Salvador Dalí: El Maestro del Surrealismo

Entre los nombres imprescindibles estuvo Salvador Dalí, quien en pintura, Federico García Lorca en literatura y Luis Buñuel en cine compartieron amistad y colaboración. Dalí y Buñuel escandalizaron con su película Un perro andaluz. Dalí, pintor de técnica clásica, introdujo el surrealismo en su obra a partir de los años 20.

Etapas en la Carrera de Dalí

• Primera etapa: Caracterizada por obras convencionales influenciadas por el postimpresionismo, como Muchacha en la ventana (1925).
• Segunda etapa: Dalí creó su propio lenguaje surrealista, destacando El gran masturbador (1929), una obra obsesionada con el sexo, donde se mezclan referencias a órganos sexuales, insectos, piedras inestables y su propio rostro. En esta etapa inventó el método paranoico-crítico, una técnica que permitía representar sueños y delirios conscientes.
• Tercera etapa: Tras romper con Buñuel y vivir con Gala, Dalí se trasladó a Estados Unidos tras la Guerra Civil Española, donde alcanzó reconocimiento mundial. Realizó obras como La persistencia de la memoria (1931) y Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar (1944). Colaboró con Walt Disney y Hollywood y acumuló una considerable fortuna.
• Cuarta etapa: De regreso en España, creó obras de homenaje como Mae West o Lincoln pixelado, y entró en su etapa místico-nuclear, combinando religión, ciencia, el átomo y la imagen digitalizada. Sus últimas obras se encuentran en el Teatro-Museo Dalí de Figueras, donde está enterrado.

Dalí era excéntrico y famoso por frases como: “Picasso es español, yo también; Picasso es un genio, yo también; Picasso es comunista, yo tampoco”. André Breton lo apodó Avida Dollars, anagrama de su nombre, criticando su interés por el dinero.

Otros Artistas Surrealistas Relevantes

• René Magritte: Con obras como El hijo del hombre, La llave de los campos y Esto no es una pipa, donde mezcló sueños y filosofía.
• Joan Miró: Creador del surrealismo abstracto, con un lenguaje propio de símbolos, formas orgánicas y colores planos.