Características y Evolución del Arte Romano

El arte romano se desarrolló desde el 753 a. C. hasta el 456 d. C. Se extendió por el sur de Europa (Península Ibérica, Francia, Italia) y el norte de África. La evolución del arte romano se desarrolló a lo largo de varios periodos clave: la Monarquía, la República (especialmente entre los siglos II y I a. C.), el Alto Imperio (siglos I a. C. y I d. C.), el Imperio de los Antoninos y Severos (siglos II y III), y la Baja Romanidad (siglo IV).

La arquitectura romana utilizó una gran variedad de materiales y técnicas, y también creó construcciones útiles con apariencia bella y pragmática. Aplicó el concepto de espacio interior. Se emplearon distintos materiales constructivos, como el hormigón (opus caementicium), el cual estaba formado por una mezcla de agua, cal, arena y guijarros. El hormigón permitía crear superficies curvas, utilizando cimbras, permitiendo al arte romano utilizar el sistema abovedado, además del arquitrabado. Las superficies se revestían con mármol de diferentes colores (contraplacado), con una capa de yeso y pintura mural, o con mosaicos.

Gracias al hormigón se construyeron arcos, bóvedas de cañón, cúpulas hemisféricas y exedras de gran altura. Estas características estuvieron al servicio de la megalomanía constructiva y de la propaganda política de la grandeza de Roma. Copiaron los órdenes griegos, adaptándolos: al dórico le añadieron basa y el fuste lo hicieron liso, dando origen al orden toscano. A estos se sumó el orden compuesto, cuyo capitel combina volutas jónicas y hojas de acanto corintias. La superposición de órdenes seguía una jerarquía de ‘peso óptico’: el toscano en la parte inferior, el jónico en el piso siguiente, y el corintio en el superior. En caso de más alturas, se repetía la secuencia con pilastras. La ciudad era el centro de la vida pública, donde se ejercía la justicia y el derecho. Solían tener un plano ortogonal.

Dentro de las ciudades destacaban los templos, con planta rectangular o circular. La escultura se realizaba en mármol, bronce y terracota, combinando la idealización griega con la influencia realista etrusca. La escultura romana se divide principalmente en dos grupos: el retrato y el relieve histórico. La pintura mural y el mosaico alcanzaron un desarrollo muy brillante para recubrir y embellecer los edificios construidos con materiales menos nobles.

Aportaciones de la Arquitectura Romana y su Relación con el Arte Griego

Se emplearon diversos materiales constructivos, como el aparejo de mampostería (opus incertum), de sillar (opus quadratum) o de ladrillo (opus latericium). Destacó, sobre todo, el hormigón, una mezcla de cal, arena y guijarros. (Para estructuras subacuáticas, se añadía ceniza volcánica, conocida como puzolana). El hormigón romano se vertía entre paredes de ladrillo o piedra, o en un encofrado de madera, y permitía crear superficies curvas y formas plásticas. Muchas veces se combinaban varios materiales para lograr edificios más resistentes. Cuando la fábrica era de materiales baratos (hormigón o ladrillo), recibía una capa de planchas de mármol de diferentes colores, o una capa de yeso y pintura, lo que camuflaba su estructura. Gracias al hormigón se construyeron bóvedas de cañón, cúpulas hemisféricas y estructuras de un tamaño y altura impensables hasta entonces. Las mayores construcciones romanas utilizaron el sistema abovedado, de gran capacidad y resistencia. También el arquitrabado se mantuvo en las construcciones más reducidas y tradicionales, como los templos dedicados al culto imperial. Se combinaron ambos sistemas constructivos y se levantaron edificios con estructura abovedada, aunque los muros estaban articulados con elementos de la construcción arquitrabada. Así se creó un modelo de fachada formada por columnas, pilastras y dinteles enmarcando los arcos de medio punto. La tendencia fue utilizar elementos constructivos como decoración (frontoncillos, ménsulas y ventanas ciegas) y adoptar variaciones en los órdenes griegos, como el orden compuesto, cuyo capitel combina volutas jónicas y hojas de acanto corintias. En ocasiones, se imprimió un gran dinamismo a las fachadas mediante su decoración.

El David de Donatello

El David de Donatello es una de las esculturas más importantes del primer Renacimiento. Es la primera vez que se realiza una escultura de bulto redondo completamente desnuda desde la Antigüedad clásica; y marca el inicio de la búsqueda del artista por liberar la escultura de su marco arquitectónico y de sus limitaciones.

El Artista

Donatello aprendió la técnica de la escultura en bronce trabajando a las órdenes de Ghiberti en las puertas del Baptisterio de Florencia. Pronto rivalizó con su maestro en esta especialidad. También colaboró con Brunelleschi, con quien fue a Roma para estudiar los monumentos de la Antigüedad clásica.

Retorno al Desnudo Clásico

Donatello está considerado como el escultor más influyente del primer Renacimiento. Aunque inicialmente usó técnicas góticas, estudió el cuerpo humano a partir de modelos que posaron para él, como había sido costumbre en la antigüedad clásica. Su escultura David es la culminación de la pugna del artista por liberar la escultura de las ataduras que la supeditaban a la arquitectura. Aun así, su tratamiento de la anatomía masculina difiere de la tipología clásica por el escaso desarrollo muscular y la apariencia andrógina que dota a su David, en contraposición con los atletas griegos. Con el tiempo, Donatello se alejó del clasicismo de sus primeras esculturas para potenciar el dramatismo y el naturalismo.

Composición

La naturalidad del cuerpo grácil y adolescente proviene de una composición muy estudiada. La pierna derecha soporta el peso del cuerpo, mientras la izquierda se apoya sobre la cabeza del gigante Goliat. El ángulo que forma la pierna libre es contrarrestado por el brazo izquierdo que se apoya sobre la cadera. El atrevimiento de su desnudez –solo viste un sombrero y unas botas de piel– realza la inclinación de la cadera y la posición erecta del tórax, creando una curva que imprime movimiento y sensualidad. La superficie está pulida y es casi negra, lo que resalta el bronce.

Contenido

El gigante Goliat desafió a los israelitas para que enviaran a su campeón a luchar contra él; el resultado de la pelea decidiría la victoria en el enfrentamiento entre ambos pueblos. David, un joven pastor de Belén, se ofreció para representar a los israelitas. David mató a su adversario lanzándole una piedra, y después le cortó la cabeza. Para la interpretación de la escultura, el sombrero que lleva se ha interpretado como una señal de que era un campesino de Florencia. La desnudez del héroe puede interpretarse como una referencia al origen clásico de Florencia.

El Gattamelata de Donatello

Se trata de una escultura monumental, realizada en bronce en 1453 para la plaza de la basílica de San Antonio de Padua (Italia), encargada por la familia del condotiero Erasmo de Narni, conocido como Gattamelata, quien había sido una figura de gran poder en Padua. El conjunto fue pensado como monumento-tumba, ocupando la parte central. La escultura se levanta sobre un pedestal de bloques horizontales, cuya unidad con el bronce crea la impresión de que ambas partes nacieron juntas. Donatello se propuso abandonar la típica estatua funeraria veneciana para erigir una obra semejante a las que Roma dedicaba a sus emperadores. El monumento romano sirvió de inspiración al escultor para realizar esta obra, lo que supuso la recuperación no solo de un tipo iconográfico, sino también de un tipo de escultura urbanística, ligada al entorno público y destinada al disfrute de la comunidad de ciudadanos. Las pequeñas repúblicas italianas eran también una especie de ciudades-estado independientes entre sí, en las que existía una marcada conciencia de lo público, lo que llevaba a los gobernantes a tener en cuenta a los ciudadanos, al igual que en el mundo antiguo. En la parte superior del monumento se representa al general en el momento de pasar revista a las tropas, sosteniendo en su mano las riendas de un caballo tratado con un detallismo y realismo equiparable al del jinete. La montura aparece avanzando lentamente, reflejando el movimiento en sus patas. La cabeza, ligeramente girada a un lado, confiere a la composición un efecto pausado y sereno. Su estilo, propio del Renacimiento, aspira a reproducir los principios estéticos del mundo clásico. El retrato representa al general con menos años de los que tendría en ese momento, aunque en él se refleja cierta influencia de la retratística romana, sobre todo en el porte. Su rostro muestra la dignidad del retrato romano, desafiante, adusto, enérgico. Movimiento y tensión contenidos dominan la composición, como si el conjunto quisiera mostrar una mezcla entre la dignidad antigua y un sentido de control, de alguien que supo manejar las riendas de diversas situaciones y guiar firmemente su destino.

Principales Edificios Romanos y sus Características

Entre los edificios romanos más importantes se encuentran:

• Las Termas
• La Basílica
• Las Columnas Conmemorativas
• Los Arcos de Triunfo
• Los Templos
• El Teatro Romano
• El Circo Romano
• El Anfiteatro Romano

Los Templos

Los templos son una evolución del Templo Etrusco: se edificaban en lo alto de un podio, con un único acceso frontal mediante una escalinata que comunicaba con un pórtico de columnas. Estas columnas podían extenderse por todo el perímetro (períptero) o incorporarse al muro. La nave interior solía ser rectangular, con un altar para la deidad, y cubierta con un techo interior de madera y exterior a dos aguas. En ocasiones, la planta era circular, como la del Panteón de Roma. Los templos circulares, a menudo más pequeños, contaban con cubierta cónica o cúpula y una abertura central para la salida de humos de los fuegos sagrados.

La Basílica

La basílica era un centro social donde se comerciaba, se realizaban reuniones políticas y se celebraban juicios. Su planta es rectangular y se compone de tres o cinco naves separadas por columnas, siendo la central más ancha. Por lo general, en el caso de cinco naves, la central solía tener dos alturas para permitir la entrada de luz. Esta nave estaba encabezada por un ábside, donde se ubicaba la presidencia, y en el otro extremo, la fauces o entrada. La cubierta, a dos aguas, siendo el techo interior plano, aunque en ocasiones se utilizó la bóveda.

Las Termas

Las termas eran construcciones de grandes proporciones destinadas al uso público. Eran baños distribuidos en piscinas calientes (caldarium), las más pequeñas; templadas (tepidarium), generalmente las más amplias y centro del conjunto termal; y frías (frigidarium). También disponían de vestuarios y edificios anexos con gimnasios y funciones lúdicas. Su función, además de ser baños, era social (centro de reuniones y negocios) y política (expresión de la grandeza de Roma ante la población). Por este motivo, estos complejos eran grandiosos y destacaban por sus materiales de construcción y decoración. Generalmente, su planta presentaba una estructura simétrica.

La Pietà del Vaticano de Miguel Ángel

Composición

Las dos figuras de la Pietà conforman una pirámide cerrada. La Virgen, sentada y erguida, sostiene a Jesucristo yacente en su regazo. El cuerpo de Cristo está encuadrado casi por completo dentro del contorno dibujado por el cuerpo de María, lo que realza la unión entre madre e hijo. La Virgen, que mantiene la mirada baja y evita dirigirse directamente al observador, acoge con una mano a su hijo, mientras que con la otra parece invitarnos a la adoración. Su vestido actúa como base de la pirámide. El conjunto contrapone la desnudez del cuerpo estilizado de Jesús al ropaje de profundos pliegues de María; y la pesadez de la Virgen, fuertemente apegada a la Tierra, a la liviandad del Redentor, que solo toca el suelo con el pie derecho. Sobre los rostros y el cuerpo de Jesús, Giorgio Vasari afirmó: “Es un milagro que una piedra, sin forma alguna, haya tomado tal perfección, que la propia naturaleza a duras penas suele formar en las carnes”.

Contenido

El cardenal encargó la realización de la Pietà a Miguel Ángel. El contrato especificaba claramente que debía representar a “una Virgen María cubierta con un ropaje y con el cuerpo de Cristo muerto en sus brazos”. La composición representa el instante posterior a la crucifixión, en que el hijo muerto descansa en el regazo de su madre. En contra de la tradición, el artista decidió dar aspecto juvenil a la Virgen, más adecuado a la pureza de la Madre de Dios, como el propio artista reconoció: “La madre tenía que ser joven, más joven que el hijo, para mostrarse eternamente virgen; mientras que el hijo, incorporado a nuestra naturaleza humana, debía aparecer como un hombre cualquiera”. La Pietà del Vaticano es la única estatua firmada por Miguel Ángel, quien, al finalizarla, se sintió profundamente orgulloso de su trabajo. Cinceló la inscripción “Michael Angelus Bonarotus florentin faciebat” en la cinta que cruza el pecho de la Virgen. La escultura se instaló inicialmente en la iglesia de Santa Petronila (o Santa Petronella), ya que en ella estaba enterrado el cardenal que la encargó. Más tarde fue trasladada al interior de la Basílica de San Pedro. La Pietà del Vaticano representa la síntesis perfecta entre el Clasicismo y los ideales renacentistas. Este grupo consagró a Miguel Ángel como escultor a sus 23 años, y es un claro ejemplo de lo que él definía como “el arte de sacar y no de añadir”; es decir, el bloque de mármol ya contiene la figura, solo hay que descubrirla.