Obra y Biografía de Wassily Kandinsky

Wassily Kandinsky es la figura más importante del **arte abstracto**. Nació en Moscú en 1866 y falleció en Francia, en 1944. Compaginó sus estudios con el dibujo y la pintura. Con 30 años abandonó su carrera como docente para ir a estudiar pintura a Múnich. Asistió a las clases de F. Stuck y allí conoció a **Paul Klee**. Realizó viajes por Francia, Países Bajos, Túnez, Italia y Rusia, entrando en contacto con el postimpresionismo, el *Jugendstil* alemán, el fauvismo y el cubismo.

La influencia del color *fauve* se percibe en los paisajes alpinos que pintó en Murnau entre 1908 y 1909. La representación del objeto en sus pinturas era secundaria, ya que la belleza reside en la **riqueza cromática** y en la **simplificación formal**. Obras como *Casas de Murnau*, *Calle de Murnau* y *La montaña azul* fueron realizadas con grandes manchas de color intenso, en las que los elementos van desapareciendo progresivamente. Este descubrimiento culmina con la conquista de la abstracción en una acuarela de 1910. En *Composición IV* (1910), las figuras son simplificadas, el color es arbitrario y el espacio confuso, siendo imposible distinguir el tema sin referencia.

Kandinsky fundó la Asociación de Artistas de Múnich (NKVM). El despojamiento progresivo de la representación no fue bien aceptado en la NKVM, por lo que Kandinsky y **Franz Marc** se retiraron de la asociación y sentaron las bases del grupo **Der Blaue Reiter** (El Jinete Azul). Organizaron diversas exposiciones en Berlín y Múnich, y Kandinsky escribió ***De lo espiritual en el arte*** y el *Almanaque de Der Blaue Reiter*.

De lo Espiritual en el Arte

En ***De lo espiritual en el arte***, Kandinsky habla de una nueva época de gran espiritualidad y establece las pautas sobre las propiedades emocionales de cada tono y de cada color. Pintó numerosas obras en tres categorías diferentes:

• Impresiones: Inspiradas en la naturaleza y orientadas hacia la realidad exterior. Los subtítulos que llevan son la clave para interpretarlas. En *Impresión VI*, las formas y los colores tienden a desvincularse.
• Improvisaciones: Expresión de emociones interiores. Son espontáneas, de carácter espiritual, y no reproducen nada material. Representan una ruptura con las formas. Son un antecedente del expresionismo abstracto o pintura informal que se desarrolló en 1945. En *Improvisación soñada*, no existe un soporte estructural; concibe la realidad con imágenes parciales y débiles, y no con forma de objetos definidos.
• Composiciones: Aúnan lo intuitivo con el rigor compositivo. Son construcciones calculadas, con líneas y colores trazados instintivamente. *Composición VII*, la tela más famosa y más grande, es un armónico conjunto de líneas, círculos, arcos y otras formas geométricas simples. Tienen la finalidad de establecer un idioma simbólico entre formas y colores.

Al primer grupo pertenecen sus realizaciones datadas hasta 1910; al segundo, las abstracciones expresionistas de 1910-1921; y al tercero, las abstracciones constructivas posteriores a 1921.

Últimos Años y Transición Constructiva

Durante la Primera Guerra Mundial, Kandinsky volvió a Moscú y ocupó un cargo en la administración artística y cultural, participando en la creación de museos por toda Rusia y en programas de enseñanza. En 1925, surgió su segundo tratado importante, ***Punto y línea en el plano***. Durante estos años, su obra se disciplina; al color se añade la **geometría** y la interacción de la forma, y su pintura se aprovecha de las múltiples tendencias. Su obra experimenta una transición hacia una mayor estructuración, denominada el **período arquitectural** de su pintura, con trazos circulares y concéntricos.

En 1933, tras la clausura de la Bauhaus por los nazis, se instaló en París. Continuó con la búsqueda de formas inventadas, que plasmó por medio de colores combinados de manera compleja e inspirándose en signos geométricos y en motivos eslavos. Se alejó de la geometría y optó por **formas orgánicas y biomórficas**. *Círculo y cuadrado* es una obra más elegante y compleja. Podemos considerarle como un precedente del **expresionismo abstracto**.

Futurismo

El **Futurismo** es un movimiento artístico que apareció en Italia hacia 1909, que proclama el **rechazo frontal al pasado y a la tradición**, orientado al futuro. Presenta el movimiento y las formas desde diferentes puntos de vista, rechazando lo estático. Sus temas preferidos se centran en la vida urbana.

Surgió en Milán, de la mano de **Filippo Tommaso Marinetti**, quien redactó el ***Manifiesto del Futurismo*** en 1909. Rompía con la tradición, el pasado, el academicismo y los signos de la historia del arte. Se basó en dos temas principales: la **máquina y el movimiento**. El poeta italiano recopiló y publicó los principios del futurismo en 1909. Después, artistas como **Giacomo Balla**, **Umberto Boccioni** y **Carlo Carrá**, entre otros, firmaron el manifiesto. El movimiento se caracteriza por la exaltación de lo sensual, nacional y guerrero, y el retrato de la realidad en movimiento. Esta vanguardia busca reflejar el **dinamismo, la velocidad y la fuerza** de las cosas.

En 1914, Antonio Sant’Elia presentó los primeros dibujos sobre una ciudad moderna en el ***Manifiesto de la arquitectura futurista***, un proyecto utópico que apostaba por las nuevas tipologías. Proponía un nuevo mundo vertical y mecánico, conectado a través de redes de ascensores de hierro y cristal. En la fotografía, destacan los hermanos Bragaglia y sus imágenes movidas, como *Carpintero serrando* o *Joven meciéndose*. El llamado teatro sintético del futurismo es el espacio en el cual las acciones ocurren a una velocidad vertiginosa, donde se ocultan presencias humanas, y solo se ven los pies. Hasta 1944, su influencia se aprecia en las obras de Marcel Duchamp, Fernand Léger, así como en el Constructivismo ruso.

Características del Futurismo

• Exaltación de la **originalidad**.
• Temática relacionada con el mundo moderno, las ciudades y los automóviles, su bullicio y dinamismo, máquinas, deportes y guerras.
• Estructuras del movimiento, tiempo, velocidad, energía, fuerza, etc.
• Utilización de formas y colores para generar ritmos.
• Transparencias y colores resplandecientes.
• Multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un caleidoscopio o una película.

Artistas Destacados del Futurismo

Carlo Carrá

Pintor italiano del movimiento futurista. En 1916 se adhirió a las premisas de la **pintura metafísica**, hasta 1921. Se interesó por la búsqueda de una imagen clásico-arcaica que lo condujo a la simplificación formal. En 1921, inició una nueva etapa artística, llamada **realismo lírico**. Sus temas preferidos son una síntesis entre la idea y la naturaleza, y los paisajes. Obras destacadas incluyen *Los funerales del anarquista Galli*, *La habitación encantada* y *Óvalo de las apariciones*.

Giacomo Balla

Adoptó las premisas futuristas de Marinetti. Indagó en sus lienzos la representación de la **velocidad y el desplazamiento**. En *Actividad de un perro con correa*, el efecto de desplazamiento de los cuerpos se conseguía mediante la representación simultánea, así como en el vaivén de la correa del animal. Esta técnica influyó en los dibujos animados y los cómics. Sus estudios sobre la dinámica de la composición y sus experimentos pictóricos fueron de gran influencia en los sucesivos avances de principios del siglo XX. En sus últimos años, regresó a la figuración. Obras: *La mano del violinista*, *Niña corriendo en el balcón* y *Vuelo de golondrinas*.

Umberto Boccioni

Pintor y escultor italiano, figura central del movimiento futurista. Se inició en el divisionismo de la mano de Giacomo Balla. Se instaló en Milán y se interesó por la sociedad industrial moderna. Desarrolló conceptos clave para el movimiento como el de **líneas-fuerza**, **simultaneidad**, **compenetración de planos** y expansión de los cuerpos. Su idea fundamental era la reciprocidad de relaciones entre los objetos y el ambiente que los circunda. A pesar de su escasísima obra escultórica, se le considera uno de los grandes. Destacan *La ciudad que surge* y *La calle ante la casa*, que hacen referencia al tema de la ciudad como símbolo de la modernidad, el movimiento y la velocidad. Para lograr la interrelación de formas entre el objeto y lo que le rodea, fundó la representación dinámica, haciendo necesario materializar la atmósfera. Obras escultóricas notables son *Desarrollo de una botella en el espacio* y ***Formas únicas de la continuidad del espacio***. No pretende representar un cuerpo, sino transmitir la acción a partir de la musculatura y el movimiento humano. En 1910, escribió el ***Manifiesto de la escultura futurista***, proponiendo el uso de materiales no tradicionales como crin, cuero y espejos, además de madera, cartón o vidrio.

Pintura Metafísica

Giorgio De Chirico

Giorgio De Chirico es el fundador de la escuela metafísica, uno de los pintores que plasma el mundo de lo irracional con objetos cotidianos, consiguiendo una **realidad ilógica** pero verosímil. Muestra sueños en plazas típicas de ciudades italianas, siendo un **precursor del movimiento surrealista**. Su familia emigró a Alemania, y en ese momento se empapó de las ideas de Freud, el expresionismo, Nietzsche y Schopenhauer, que influyeron en su obra.

Entre 1909 y 1914, pintó ambientes sombríos y abrumadores, con perspectivas hacia el infinito, maniquíes y estatuas. Creó un mundo enigmático que es reflejo de la desolación provocada por la guerra, que se percibe inquietante y desolador. *Héctor y Andrómaca* representa la despedida de Héctor y su esposa de la *Ilíada* de Homero, simbolizando el amor roto por la guerra.

Características de las Obras de De Chirico

• Al comienzo, predominan paisajes urbanos junto a elementos de la Revolución Industrial, llenos de maniquíes y artilugios diversos.
• Profundas **perspectivas lineales**.
• Representación de espacios urbanos en los que predominan elementos arquitectónicos, la proyección de sombras y en los que la presencia humana suele estar casi ausente.
• Se pueden encontrar representaciones de interiores con una abertura hacia el exterior, donde sitúa maniquíes y objetos inanimados.
• Crea espacios pictóricos sugerentes en los que el receptor contribuye a crear el sentido definitivo de lo que se representa.
• Las imágenes representadas en el espacio pictórico se sacan de contexto y se representan con un **tamaño antinatural y desproporcionado**.
• El detallismo es llevado a un extremo cada vez más pulido, lo que lo fue alejando de la expresividad metafísica.
• Perfecto dibujo. Recupera las formas.
• Utilizó la representación de unas obras dentro de otras, característica propia de la pintura surrealista.
• Su obra es un espacio donde confluye lo extraño y atemporal con una atmósfera sugerente y cargada de silencio.
• Crea un mundo misterioso e inquietante donde solo hay maniquíes desnudos. Enfatiza la soledad y la búsqueda de la tranquilidad perdida.
• Representa elementos como edificios griegos y ferrocarriles. Está obsesionado con el tiempo, como Dalí. Es una **pintura onírica**.

En algunas de las obras de Chirico, la realidad se transforma en una composición distanciada: *El enigma de una tarde de otoño*, *El encuentro de dos sombras en una plaza*, *El enigma de la llegada de la tarde*, *El enigma de la hora*, *Plaza* y *La gran torre*. A partir de 1925, su obra cambió hacia un carácter más convencional, en un contexto de posguerra, adoptando un carácter realista. El detallismo lo alejó de la metafísica. En 1925, publicó la novela *Hebdomeros*, una de las obras literarias del surrealismo. En 1958, realizó la obra *Caballos de carrera*. Artistas como Max Ernst, **Salvador Dalí** y **René Magritte** han reconocido la influencia que recibieron de Giorgio De Chirico.

Dadaísmo

El **Dadaísmo** fue un movimiento cultural surgido en Europa y posteriormente en Estados Unidos. Fue creado en el **Cabaret Voltaire** en Zúrich entre 1916 y 1922, con **Hugo Ball** como fundador, cuando una serie de artistas de distintas nacionalidades se encontraron como refugiados en esa ciudad durante la Primera Guerra Mundial. Fue adoptado por **Tristán Tzara**, la figura más representativa del Dadaísmo. Expresa el primitivismo y la necesidad de empezar de cero. El Dadaísmo surgió del desencanto que sentían esos artistas al vivir en la Europa de la Primera Guerra Mundial. Se distingue por la inclinación hacia lo dudoso, el terrorismo, la muerte y lo fantasioso. Busca renovar la expresión mediante el empleo de materiales inusuales o manejando planos con una tónica general de rebeldía o destrucción. Se caracterizó por gestos y manifestaciones provocadoras en las que los artistas pretendían destruir todas las convenciones con respecto al arte, creando un **antiarte**.

Características y Postulados del Dadaísmo

• Se manifiesta contra la belleza eterna, la eternidad, las leyes, la inmovilidad, la pureza de conceptos abstractos y contra lo universal.
• Propugna la **libertad del individuo**, la espontaneidad, lo inmediato, lo actual y lo aleatorio, la crónica contra la intemporalidad y la contradicción.
• Defiende el **caos contra el orden** y la imperfección contra la perfección.
• Está contra el modernismo y demás vanguardias.
• La estética dadaísta niega la razón. Sus formas expresivas son el gesto, el escándalo y la provocación. Gran parte de lo que el arte actual tiene de provocación viene del Dadaísmo.
• Los dadaístas recurrían con frecuencia a la utilización de métodos artísticos y literarios deliberadamente incomprensibles, que se apoyaban en lo **absurdo e irracional**.
• Utilizaban nuevos materiales. **Marcel Duchamp** expuso como obras de arte productos cotidianos, como un secador de botellas y un urinario, a los que denominó **ready-made**.

Artistas Dadaístas

Marcel Duchamp (1887-1968)

Compaginó la pintura con la caricatura. Pasó por todas las tendencias artísticas. Ese afán experimentador e inquieto fue una de sus constantes en su trayectoria artística. Ejerció una fuerte influencia en la evolución del movimiento *Pop Art* en el siglo XX. Sus primeras obras tienen influencias cubistas, entre ellas *Retrato de jugadores de ajedrez*. En 1912, presentó *Desnudo bajando una escalera*, obra que aunó elementos cubistas y futuristas. La pintura fue rechazada por el Salón de los Independientes y tuvo que esperar para ser expuesta en Nueva York. Tras *Transición de virgen a novia*, abandonó la pintura, lo cual provocó un giro permanente en su trayectoria.

En 1913, inició los estudios preparativos para la obra *La novia desnudada por sus pretendientes*, conocida como ***El gran vidrio*** (hasta 1923), una especie de síntesis entre pintura y escultura de gran originalidad. Fue pionero en dos de las principales rupturas del siglo XX: el **arte cinético** y el **arte ready-made**. Durante esa época, realizó sus primeros *ready-made*. Uno de ellos fue el urinario firmado con el título de ***La fuente***, obra que constituye uno de los iconos más significativos del arte del siglo XX. Otras obras son *Portabotellas* y *Rueda de bicicleta*. Esta última es uno de los primeros ejemplos del arte cinético.

En 1917, se encontró con Francis Picabia en Nueva York, participando en la creación de revistas para dar a conocer el movimiento Dadá en Estados Unidos. En 1934, estableció fuertes lazos con el movimiento surrealista. Su periodo creativo fue corto, pero crucial como influencia para el desarrollo del surrealismo, el *Pop Art* y fundamental para comprender la posmodernidad.

Jean Arp

Artista francoalemán, fundamental para la historia del Dadaísmo. Su obra evoluciona hacia el Surrealismo y con sus **esculturas Biomórficas** anuncia la Abstracción. Es uno de los mejores representantes de la Escultura Surrealista. Estudió Bellas Artes en París y entró en contacto con los ambientes vanguardistas y con artistas como Picasso y Kandinsky. Gran parte de su obra son relieves y esculturas. Su técnica dadaísta y surrealista se define en las formas y motivos. Se exilió en Zúrich durante la Primera Guerra Mundial, utilizando la protesta contra la guerra como forma de arte. Su obra contiene dos temas fundamentales: el **mundo vegetal y orgánico** y la figura humana. La evolución va desde una figuración surrealista a otra antropomórfica.

Características de las Obras de Jean Arp

• Rebeldía, negación, irracionalidad, inconformismo y la subversión contra el orden preestablecido.
• Utilizó colores limitados: blanco, gris y negro.
• Materiales: escayola, granito, bronce y aluminio en esculturas, la mayoría de pequeño formato; relieves en madera y obras con recortes de papel.
• Es un buen dibujante, grabador y litógrafo.
• Primero hace las obras y después las titula.
• Predominan composiciones arbitrarias, ejecutadas al azar.
• Realiza *collages* tridimensionales con líneas curvas, sin aristas y de formas abstractas.
• Establece equilibrios entre vacíos y volúmenes.
• Sus obras escultóricas recuerdan a las formas que se encuentran en la naturaleza; él las denominó **esculturas biomórficas**. Son obras en bronce, metal y piedra.
• Hace dos tipos de esculturas: las puramente abstractas y las que evocan formas humanas simplificadas.

En 1925, su obra apareció en la primera exposición del grupo surrealista. Arp combina las técnicas del automatismo y las oníricas, desarrollando una iconografía de formas orgánicas. En 1930, se centró en la escultura biomórfica.

Surrealismo

El **Surrealismo** es un movimiento literario y artístico surgido en París, uno de los estilos más representativos del siglo XX. Surgió en 1924 con la publicación del ***Manifiesto Surrealista*** del poeta **André Breton**, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en el ser humano para comprender al hombre en realidad. Los surrealistas representaban ideales diferentes a los academicistas, quebrando las leyes de la pintura tradicional y logrando llamar la atención del espectador de manera directa. El contexto sociopolítico de la época se relaciona con el desarrollo de esta vanguardia artística, ya que se insertó en un periodo histórico de crisis causada por la guerra y complicaciones económicas y sociales. El movimiento se expandió a Europa, llamándose «La Revolución Surrealista» o la **ausencia de pensamiento lógico y racional**. Los precedentes para los artistas surrealistas fueron pintores como Goya (*Los caprichos*), El Bosco, el Dadá y **Giorgio De Chirico**, creador de la pintura metafísica.

Vertientes del Surrealismo

1. El Automatismo: Donde se encontraban los surrealistas abstractos como **Joan Miró**, André Masson y Paul Klee, quienes creaban universos figurativos propios. Las ideas y las asociaciones de imágenes surgen de manera rápida, sin hacer caso a la coherencia y el sentido.
2. La Figuración Naturalista: Los surrealistas figurativos como **Salvador Dalí**, **René Magritte**, Max Ernst e Yves Tanguy, se interesaban por los sueños y el **realismo «mágico»**, alejados de la pintura tradicional.

Premisas y Características del Surrealismo

• Defiende la existencia de otra realidad y el **pensamiento libre**.
• Plasmó un mundo absurdo e ilógico, donde la razón no puede dominar al subconsciente.
• Tomó del Dadaísmo la importancia del azar y la rebeldía, pero rechazó su carácter negativo y destructivo.
• Buscó inspiración en el **inconsciente**, la imaginación, el método de la **escritura automática** y las teorías de **Freud**.
• Fue el movimiento literario y artístico más importante del periodo de entreguerras.
• Su finalidad era transformar la vida a través de la liberación de la mente del hombre de todas las restricciones tradicionales que la esclavizan.
• Adoptó formas muy diversas; fue un proyecto literario, pero en la segunda mitad de los años veinte se fue adaptando a las artes visuales.
• Utilización del **collage** y el **ensamblaje de objetos incongruentes**.
• Uso de técnicas como el *Frottage* y la *Decalcomanía*.
• Uso del **Automatismo**, forma de expresión en la que la mente no ejerce ningún tipo de control.

Artistas Surrealistas

Salvador Dalí

La técnica pictórica de Dalí se caracteriza por un **dibujo meticuloso**. Su obra aborda temas provocadores como la incapacidad de fecundación y orgasmo (*Huevos al plato sin plato*). Utiliza un colorido brillante y luminoso. Su pintura resulta excepcional en sus calidades plásticas por la corrección del dibujo y por la presencia de la luz. Sus composiciones son limpias y ordenadas. Es un gran provocador. Utiliza una paleta suave y perspectivas clásicas para dar profundidad a las obras. Muestra una obsesión por la tridimensionalidad.

Al inicio de la Segunda Guerra Mundial, se fue a vivir a Estados Unidos con Gala hasta 1948, año en que regresó a España y se instaló en **Port Lligat**. Su estilo se hizo más clásico, pero siempre inquietante. Pintó obras religiosas con temas de la cristiandad: *Madonna de Port Lligart*, *Leda atómica*, *El Cristo de San Juan de la Cruz* y *La última cena*. La explosión atómica en 1945 en Hiroshima lo conmocionó. El átomo se convirtió en el elemento favorito de su inspiración (*Galatea en las esferas*).

A partir de los años 60, Dalí inició un periodo final en el que restó validez a la mayor parte de su producción artística. Su actividad fue incesante en pintura, en ilustración de libros y en diseño de joyas. Realizó varias películas surrealistas (*Un perro andaluz* y *La edad de oro*), escenografías y vestuarios teatrales, y escribió varios libros autobiográficos. Fue miembro de la Academia Francesa de Bellas Artes desde 1979. En 1974, inauguró el Teatro-Museo Dalí en Figueres, donde está enterrado.

René Magritte

Fue el surrealista belga que más influyó en la pintura de su país en el siglo XX. Sus imágenes no estaban inspiradas al cien por cien en sueños, sino que destilaba la realidad sacando su esencia, consiguiendo, por un lado, imágenes absolutamente sorprendentes e ingeniosas. Fue un **Surrealista conceptual** interesado en la **ambigüedad de las imágenes**, las palabras y en investigar la extraña relación entre lo pintado y lo real. Investiga lo mágico en lo cotidiano, conocido como el **Realismo mágico de Magritte**. En sus cuadros, reprodujo objetos y personas convencionales y los agrupó de manera paradójica. Usa la asociación libre e inesperada de elementos sin ninguna relación. Estas imágenes tienen influencia de la pintura de Max Ernst. Buscó cambiar la relación entre los elementos, por este motivo cambió sus tamaños, sus perspectivas y realizó combinaciones complejas en relación a la naturaleza de los objetos.

Utilizó color aplicado a formas realistas. Combinó paisajes, arquitecturas, esculturas, ambientes externos e internos. Determinó las bases para el desarrollo del *Pop Art* o **arte conceptual**. Pasó por un periodo neoimpresionista y por experiencias futuristas y abstractas (*Movimiento perpetuo*, *Esto no es una pipa* o *Filosofía en el gabinete*). Su pintura reflexionó sobre temas metafísicos. Influido por Chirico, pintó paisajes misteriosos, con significados ocultos. Se mantuvo alejado del surrealismo militante y dogmático de Breton. Su vida y sus rutinarias actividades diarias fueron su máxima inspiración. Logró crear una obra con originalidad, imágenes sencillas y comprensibles. Su obra es más conceptual. Apeló a la inteligencia del espectador, buscando siempre la contradicción intelectual o verbal.

Joan Miró

Su padre logró que se matriculara en una escuela de comercio, aunque simultáneamente frecuentaba «La Escuela de la Lonja», famosa academia artística por la que había pasado Picasso unos años antes. Cursó estudios en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona. Es el máximo representante del **surrealismo abstracto**, aunque fue solamente una fase dentro de su producción.

Características de las Obras de Miró

• Sus cuadros están llenos de poesía.
• Pinta con **colores puros y tintas planas**.
• Crea un mundo propio que se abre paso a la abstracción.
• Sus imágenes son simples, con pocos trazos.
• Rechaza la perspectiva, el modelado, el claroscuro y el acabado minucioso.
• Traza signos abstractos, que no tratan de expresar una idea y son extraídos de lo irracional.
• En sus composiciones, el fondo es poco relevante y toda su dedicación se vuelca en las figuras.
• Utiliza siluetas amorfas junto a líneas muy acentuadas, puntos, estrellas, ojos, etc., que tienen algo humorístico y fantástico, mezclando lo orgánico con lo geométrico para representar la realidad.