El Teatro Imposible de Federico García Lorca
Es fundamental abordar el paso de Federico García Lorca por Nueva York, donde asistió a diversas representaciones de arte moderno que le causaron una profunda impresión. Para comprender el concepto de teatro imposible, es necesario establecer una poética común con obras como Poeta en Nueva York y Viaje a la luna. Esta poética se basa en la ruptura con la continuidad lógica y en la adopción de sistemas de asociación irracionales.
Su estancia en Nueva York consolidó esta tendencia hacia lo onírico y lo vanguardista. Las obras que integran el ciclo del teatro imposible son:
- El público
- Así que pasen cinco años
- Comedia sin título (también conocida como El sueño de la vida)
La obra El Público y el recurso del coro
Uno de los recursos más utilizados en la tragedia, y del cual Lorca extrae una gran eficacia dramática, es el coro. Un ejemplo previo se encuentra en La zapatera prodigiosa. Sin embargo, en el teatro imposible, Lorca potencia este elemento típico de la tragedia griega introduciendo variaciones significativas. Lorca no es un heredero directo de la concepción clásica del coro, sino que se apoya en la visión que Friedrich Nietzsche ofrece sobre este elemento.
En el caso de El público, esta influencia se refleja a través de los caballos, que asumen el rol coral en lugar de seres humanos. La tragedia en Lorca se vuelve aquí más subversiva y radical.
La tragedia según Lorca y Nietzsche
La idea de tragedia que Lorca plantea en este periodo se define como la representación de una serie de conflictos que se presentan como un callejón sin salida. El desenlace inevitable es la muerte, una idea que toma tanto de la tragedia griega como del concepto nietzscheano. Lorca plasma los pilares fundamentales de la tragedia según Nietzsche:
- El uso del coro.
- Un conflicto sin opciones de resolución.
- Un desenlace inevitable donde todos los caminos conducen a la muerte.
En esta obra se concilian dos esquemas tradicionalmente contradictorios: la tragedia y el metateatro (el teatro que reflexiona sobre el propio teatro).
- Tragedia: Para ser efectiva, debe lograr que el espectador se identifique con la historia.
- Metateatro: Busca el distanciamiento del espectador respecto a la obra.
Los personajes aparecen como una duplicación; emprenden una búsqueda de sí mismos que se ve reflejada en la lucha por representar el «teatro bajo la arena».
Líneas temáticas fundamentales
En El público encontramos dos ejes temáticos principales:
- La relación entre la identidad, la sexualidad y el amor.
- La representación de la verdad en el teatro.
1. Identidad y sexualidad
En la obra, la incertidumbre sobre la identidad (no solo la sexual) aparece como una modalidad de la incertidumbre sobre la verdad. El conflicto sobre la identidad tiene sus signos más evidentes en el uso del disfraz y la máscara.
2. Verdad e incertidumbre: Disfraz vs. Máscara
Lorca utiliza estos conceptos para hablarnos de la ambigüedad sexual y la simulación teatral. Es vital distinguir que, en El público, el disfraz y la máscara no son equivalentes:
- El disfraz: Está asociado a la copia. La copia es una imagen dotada de semejanza que supone la existencia de un modelo original. El disfraz niega la identidad de la misma forma que la copia depende de un referente.
- La máscara: Está asociada al simulacro. El simulacro es una imagen sin semejanza que niega la existencia de un modelo o de una identidad verdadera.
Por ello, en la obra se afirma que es absurdo despojarse de la máscara si debajo hay otra, y otra más; no existe una identidad estable subyacente. Los personajes «Hombre 2» y «Hombre 3» piden sacar a escena la máscara, lo cual atenta contra la moral de la época, pues la idea de un sujeto único y estable es una mera idealización.
La metamorfosis y el archivo mítico
La obra presenta una cadena de metamorfosis y transformaciones constantes que reflejan un deseo insaciable. Para articular este discurso, Lorca recurre a préstamos culturales y mitos que han reflexionado sobre el amor y la identidad, tales como:
- El banquete de Platón.
- Los mitos de Baco y Narciso.
- Mitos del archivo de Occidente, como Romeo y Julieta.
Teatro al aire libre frente al Teatro bajo la arena
Lorca establece una dicotomía fundamental entre dos formas de entender el arte dramático:
- Teatro al aire libre: Es el teatro burgués, convencional, al que el público acude para distraerse. Está representado por el Director de escena hasta que estalla la revolución.
- Teatro bajo la arena: Es el teatro que pretende mostrar la verdad a la sociedad, enfrentándose a las complicaciones que la propia obra analiza.
El problema del lenguaje
La obra reflexiona sobre cómo el lenguaje puede expresar la incertidumbre sobre la verdad. Si se quiere llevar la máscara a escena, debe hacerse mediante otra máscara, buscando un equivalente en el lenguaje: la poesía. El objetivo es «decir lo indecible», aquello que es silenciado por ser prohibido o escandaloso, o aquello que el lenguaje común es insuficiente para expresar.
Estructura y análisis de los cuadros de El Público
La obra se titula así por la constante interacción y alusión al espectador. Está escrita en prosa y se divide en seis cuadros:
Cuadro 1
Lorca sitúa la obra en la vanguardia. El cuadro termina con la expulsión de los caballos. Se presenta el teatro al aire libre como el convencionalismo burgués, mientras se propone que el teatro debe sacar la verdad de la sepultura. El Director, al pasar tras un biombo, revela su verdadera identidad: la homosexualidad. Los personajes intentan mantener la moral tradicional, pero Lorca utiliza la metáfora sexual («te quiero bordar la carne») para evidenciar la negación de su naturaleza.
Aparece la teoría de Eros y Tánatos (pulsión de vida y muerte). El Director llama a Elena (Helena de Troya), paradigma de la belleza femenina, que funciona como una «tapaderas» de su verdadera orientación. El tercer hombre aparece sin barba (signo de masculinidad) y con un látigo, representando una sexualidad no aceptada por el público burgués.
Cuadro 2
Se produce una metamorfosis que alude al deseo y al inconsciente. Es un diálogo donde el motor es el erotismo unido a la muerte. Aparecen las figuras del Pámpano (Eros) y el Cascabel (Tánatos). La figura del Pámpano se desnuda revelando un «desnudo blanco de yeso», imagen que también aparece en Poeta en Nueva York.
Cuadro 3
Se aborda la homosexualidad como un estigma social. La violencia y la sangre se ligan al erotismo positivo. Se sugiere que los personajes habrían vencido si se hubieran atrevido a seguir sus deseos. Aparece Julieta en un sepulcro; al levantarse, dialoga con los caballos. El caballo blanco le hace una declaración sexual que ella acepta, uniendo amor y sexualidad libre y promiscua.
Cuadro del Pastor Bobo
Aparece el Desnudo Rojo, mito de la pasión. Se describe una revolución en el teatro donde los estudiantes comentan que un caballo ha salido acompañado por el Director de escena, simbolizando el triunfo del teatro bajo la arena.