Anunciación y Visitación — Catedral de Reims

Título: Anunciación y Visitación

Autor: Desconocido

Cronología: 1230–1260

Tipología: Escultura

Materiales: Piedra

Estilo: Gótico

Tema: Religioso

Localización: Catedral de Reims

Descripción formal

Situados en la portada principal de la fachada occidental de la catedral de Reims. Se distinguen dos grupos escultóricos:

La Anunciación

Formada por la figura de un ángel sonriente, con un rostro lleno de dulzura y alegría. Enmarcado por el pelo rizado; destaca el canon esbelto del cuerpo y el ligero contrapposto en la pose. Junto a él, la figura de María exhibe un estilo más severo. El tratamiento de los ropajes es más superficial y vertical que en las figuras de la Visitación.

La Visitación

Formada por la Virgen, a la izquierda, e Isabel, a la derecha. Revela el estilo de otro maestro, fuertemente influenciado por la estatuaria clásica. Destacan los rostros expresivos de la Virgen, representada como una joven doncella, y de su prima Isabel, más madura y digna. El modelado de los ropajes recuerda a togas romanas, con pliegues profundos que refuerzan el contrapposto. Sus cabezas se inclinan y sus manos gesticulan.

Temática

Cobran relevancia los temas relacionados con la Virgen María: el llanto por Cristo, la Piedad, la Anunciación y la Visitación. El Evangelio de Lucas relata estos dos últimos episodios bíblicos que son distintos pero están relacionados cronológicamente. A la izquierda, el ángel anuncia a María que concebirá al Hijo de Dios. A la derecha, pocos meses después de recibir el anuncio, María, embarazada de Jesús, viaja hasta Judea para visitar a su prima santa Isabel, también embarazada a pesar de su presunta esterilidad y avanzada edad.

Antecedentes e influencias

En Reims se aprecia la evolución hacia una nueva concepción de la decoración escultórica: ligada a la arquitectura pero con figuras casi de bulto redondo que se liberan de su condición de soporte arquitectónico. Se percibe un mayor naturalismo y expresividad, como ya anunciaban conjuntos escultóricos del románico —por ejemplo, el Pórtico de la Gloria— y del gótico inicial, como los de la catedral de Chartres.

Tríptico: El jardín de las delicias — El Bosco

Título: Tríptico de El jardín de las delicias

Autor: El Bosco

Cronología: 1500–1505

Técnica: Óleo sobre tabla

Medidas: 195 cm × 220 cm (tabla central); 96 cm (tablas laterales)

Estilo: Gótico flamenco

Tema: Religioso

Localización: Museo del Prado, Madrid

Descripción formal

El espacio escénico del tríptico se divide en tres franjas horizontales superpuestas que permiten una gran profundidad de campo. Cuando permanece cerrado, se contemplan dos paneles que representan el tercer día de la creación. Al abrirlo, la tabla izquierda representa el Paraíso; la tabla central, el jardín de las delicias; y la tabla derecha, el Infierno.

El Bosco supedita los colores y la luz al tema tratado en cada cuerpo: los tonos blancos, verdes y amarillos dominan el Paraíso y perviven en la tabla central; en el Infierno utiliza negros y grises, colores asociados al miedo, al terror y al misterio.

Temática

El tríptico muestra de manera alegórica que los placeres de la vida son efímeros. En la tabla central, el pintor escenifica la lujuria, acompañada de frutos silvestres. En un segundo plano, alrededor del lago de la Juventud, giran los vicios; al fondo se representa el estanque del adulterio. En la tabla de la izquierda figura la creación de Eva contemplada por Adán, y la tabla de la derecha muestra los castigos del Infierno.

Antecedentes e influencias

La minuciosa técnica del Bosco evidencia la herencia de la escuela flamenca. En cuanto a la temática, toma su fuente iconográfica de la cultura popular de la época, mezclada con las fuertes convicciones religiosas del pintor. En el siglo XX, la originalidad de sus composiciones y personajes tuvo gran aceptación en el movimiento surrealista, que lo consideró uno de sus predecesores.

Catedral de León

Edificio: Catedral de León

Autores: Enrique de Burgos y Juan Pérez

Cronología: 1255–1300

Tipología: Catedral

Materiales: Piedra, hormigón y vidrio

Estilo: Gótico

Localización: León

Descripción formal

La fachada occidental que da acceso al recinto consta de una triple portada ojival, un triforio, un gran rosetón y, finalmente, un gablete flanqueado por dos pináculos. Separadas de este cuerpo se levantan dos torres de planta cuadrada de más de 60 m de altura, también coronadas por pináculos. Los muros laterales están seccionados por contrafuertes y arbotantes con pináculos, que recogen el peso de la bóveda de la nave central y permiten abrir numerosos ventanales en los espacios intermedios.

El interior: presenta una planta basilical cruciforme de tres naves con una cabecera formada por el transepto, también de tres naves, y un ábside con deambulatorio, donde se abren cinco capillas radiales. Debido a la escasa longitud de los tramos de la nave central, la catedral presenta una cabecera muy grande (macrocefalia).

El interior acoge 230 ventanales apuntados que, junto a los rosetones de las portadas, suman más de 1.200 m² de vidrieras policromadas que aportan una gran luminosidad. El techo, a 30 m de altura, se cierra con una bóveda de crucería.

Entorno, función y significado

La catedral domina con autoridad todo el espacio urbano. Esta independencia visual se consiguió derribando hacia 1880 una serie de edificaciones coetáneas. La majestuosidad y la magnificencia que conserva el conjunto debían causar un gran impacto en la época. Bajo la advocación de la Virgen de Regla, la catedral de León se encuentra en la ruta del Camino de Santiago y es un importante centro de peregrinación.

Antecedentes e influencias

La catedral de León es, junto a la catedral de Burgos, el modelo más representativo de la arquitectura gótica afrancesada en Castilla. Su planta es, prácticamente, una versión reducida de la planta de la catedral de Reims. La fachada principal presenta una clara influencia de la catedral de Chartres, evidente en la decoración escultórica —donde sobresale la Virgen Blanca en el parteluz de la puerta central de la portada sur del transepto—. También muestra la herencia del estilo septentrional francés en lo relativo al arte de la vidriera (por ejemplo, las vidrieras de la Sainte-Chapelle).

Contexto histórico y social

1. Desarrollo económico europeo: auge de las ciudades

Hacia el siglo XIII, Europa entra en un ciclo económico de prosperidad.

Florece el comercio: en el interior surgen ferias y mercados locales; en el exterior prosperan las rutas comerciales. Se desarrollan las ciudades y los burgos. Sus habitantes —los burgueses— dan lugar a una sociedad emprendedora. Surgen los gremios. Gracias a las rutas de peregrinación, los estilos artísticos van evolucionando y se unifican.

Mediados del siglo XIV: Europa sufre una gran crisis marcada por las guerras, las epidemias, el descenso demográfico y la escasez de cosechas. La crisis de la Baja Edad Media provoca, en la península:

• Se detiene la conquista de tierras musulmanas.
• Los campesinos abandonan las tierras y se trasladan a los burgos.
• Rebeliones campesinas (por ejemplo, los payeses de remensa en Cataluña).
• Pugnas por el poder entre nobleza y monarquía; guerras.
• Inestabilidad social.
• Gran descenso de la población: peste negra.

Como consecuencia:

• La monarquía se consolida; se institucionalizan las Cortes. Los burgos (las ciudades) afianzan su poder, y los gremios artesanales y las corporaciones de comerciantes se convierten en un importante motor de la economía y del arte (el arte deja de ser exclusivamente cristiano y se convierte también en un arte urbano).
• El cristianismo se interioriza y se humaniza, dando lugar a las órdenes mendicantes, que buscan una espiritualidad más pura y humana. La escultura y la pintura se tornarán más humanas, emotivas y espirituales.

El gótico surge en la Île-de-France (París) y se extiende por toda Europa gracias a:

• Las órdenes religiosas.
• Rutas comerciales y ferias.

Tres principios simbólicos: altura/verticalidad, luz y utilidad. Se establecen escuelas regionales. Aparecen los primeros donantes: ya no es sólo la iglesia la principal promotora del arte.

Principales ámbitos de influencia:

• Sur: París, países hispanos, islas y sur de Italia.
• Norte: París, Inglaterra (estilo nacional).
• Este: París, Flandes, Alemania (ámbito religioso y civil).

Arquitectura gótica: iglesia y catedral

Se continúa construyendo en piedra. Los muros son más esbeltos y de mayor altura, con grandes vanos y vidrieras. Aparecen grandes rosetones en las fachadas, portadas abocinadas, torres monumentales con chapiteles. La luz juega un papel simbólico.

Nuevos sistemas constructivos: bóvedas de crucería, arcos apuntados (ojivales), arbotantes, pináculos, agujas en vez de cimborrios, etc. Destaca el pilar fasciculado, evolución del cruciforme, construido a modo de haz de nervios (baquetones). Se decoran capiteles, pináculos, desagües y ventanales con tracerías (adornos geométricos que nacen del propio arco), gabletes y gárgolas.

• Planta basilical o cruz latina; aparece la planta de salón (sin crucero) con tres naves de igual altura.
• Se amplían los espacios y las naves alcanzan mayor altura.
• El transepto se acorta.
• La girola se amplía.
• Los absidiolos se transforman en capillas radiales que forman un continuo.
• En el crucero suele habilitarse un espacio cerrado y reservado a los clérigos: el coro.

Interior

Las catedrales posteriores tienden a una disposición tripartita: arquería, triforio y claristorio (amplios ventanales con vidrieras). Las catedrales más antiguas presentan una disposición cuatripartita: (de abajo a arriba) arquería, tribuna, triforio y claristorio.

Los edificios se cubren con bóvedas de nervios (crucería u ojiva), estrelladas o de abanico, y se soportan mediante arcos apuntados, aunque al exterior presentan cubiertas a dos aguas con tejas de pizarra o metal en el norte de Europa y cerámica (a veces policromada) en el sur.

Arquitectura civil

Ayuntamientos

Espacio propio para el máximo exponente del poder municipal. A finales del siglo XIII solía ser una atalaya o torre alta cuadrangular que servía de arsenal, archivo y lugar de reunión (palazzo del Comune o Palazzo Vecchio). En Flandes y Alemania destacan los tejados empinados y las galerías porticadas en la planta baja (ayuntamiento de Lovaina y de Bruselas).

Universidades

En el siglo XIII las ciudades europeas establecen estudios generales de Teología, Medicina, Derecho, etc. Bolonia, París, Oxford y Salamanca llevaron a las universidades el liderazgo del conocimiento, hasta entonces concentrado en las abadías.

Lonjas

En los puertos mediterráneos de la Corona de Aragón se conservan ejemplares destacados: la Lonja de Barcelona (siglo XIII) y las de Palma de Mallorca y Valencia (siglo XV).

Palacios

Suntuosas mansiones urbanas adaptadas a los negocios y a la vida doméstica. Son viviendas con almacenes, oficinas y dependencias para la servidumbre y habitaciones confortables: la Ca’ d’Oro veneciana, el Hôtel de Jacques Cœur, el Palacio del Infantado en Guadalajara.

Etapas y evolución del gótico

• Gótico inicial (preclásico) — siglos XII–XIII

  Triforio sobre la tribuna. Bóvedas de crucería. Arcos ojivales.

  Ejemplos: iglesia gótica abacial de Saint-Denis (s. XII), catedrales de Ávila, Salisbury, Magdeburgo y el monasterio de Poblet.

• Gótico pleno (clásico) — siglos XIII–XIV

  Desaparece la tribuna. Amplios vanos. Torres campanario flanqueando la entrada. En Francia, gótico radiante; en Castilla, modelo francés; en Aragón, plantas de salón.

  Ejemplos: Chartres, Reims o Notre-Dame (Francia); Burgos, Toledo o León (Castilla); Metz (Alemania); Gloucester (Inglaterra); Sainte-Chapelle (París, gótico radiante).

• Gótico tardío — siglos XV–XVI

  Arco conopial, arco carpanel, bóvedas estrelladas, terceletes y tracerías curvas. Variantes por regiones: Francia: gótico radiante; Castilla: gótico florido; Inglaterra: gótico perpendicular.

  Ejemplos: ayuntamiento de Amberes o de Brujas (Alemania/Países Bajos); en España: catedrales de Sevilla, Segovia y Salamanca; iglesia de Talavera de la Reina. Gótico florido: monasterio de San Juan de los Reyes.

Catedral de Sevilla

Periodo: 1403–1507

La Catedral de Sevilla, también conocida como la Catedral de Santa María de la Sede, es la catedral gótica más grande del mundo, con una superficie total de 11.520 m². Fue realizada por Alonso Martínez, Pedro Dancart y Charles Gautier de Ruan (Carlín) sobre la antigua mezquita almohade, de la que se aprovechó el minarete.

Desde la conquista de Sevilla en 1248 se había utilizado la mezquita como catedral, en la que se enterró a varios reyes de Castilla. Tiene 116 m de longitud y 76 m de ancho, que coinciden con las dimensiones de la antigua mezquita sevillana; el cimborrio supera los 40 m de altura (el actual es posterior, ya que el original se derrumbó en 1511).

Planta basilical de cinco naves, de la que sobresale la «Capilla de Carlos V» en forma de falso ábside. La nave central y el crucero son más altos que el resto. No tiene girola y se abren capillas rectas entre los contrafuertes.

La cubierta consta de bóvedas de ojiva con nervios combados en forma de estrella; en el crucero hay bóvedas de ojiva cuatripartitas y sexpartitas en las naves y capillas. Los muros aparecen muy calados, llenos de vidrieras que aportan gran luminosidad al interior. El exterior es grandioso, cuajado de pináculos y arbotantes, y destacan sus pórticos.

Vitrales góticos

Proceso técnico

1. Proyecto a escala.
2. Proyecto a medida real.
3. Calcado sobre cartulina.
4. Tallar los patrones.
5. Tallar el vidrio.
6. Pintar el vidrio.
7. Cocerlo en el horno.
8. Perfilar y modelar el plomo.
9. Emplomar.
10. Ajustar el plomo.
11. Soldar con estaño.
12. Plastecido y lijado.
13. Añadir vidrio de protección y refuerzo.

Los vitrales son vidrieras de colores (origen románico). En la Edad Media se ensamblaban a partir de trozos de diversas tonalidades y se pintaban con pigmentos que se fundían con el vidrio. Se ensamblaban con tiras de plomo (listeles) con sección en «hache», lo que permitía sujetar mejor los trozos de vidrio entre sí. Las tiras de plomo se unían con estaño.

Función

La belleza de las vidrieras góticas radica en su estructura colorista y su composición a base de planchas que forman una especie de rompecabezas multicolor —con el mismo protagonismo que tenían los frescos en el románico.

Funciones:

• Divina: cubren los vanos y llenan el espacio con luz multicolor.
• Docente/pedagógica: muestran a los fieles las verdades de la fe.

Temas: el ciclo cristológico, el Árbol de Jesé, escenas del Antiguo y del Nuevo Testamento, etc.

Escultura gótica: evolución desde el románico

• Las figuras son elegantes y de talla suave.
• Mayor naturalismo; las figuras se van liberando del muro hasta hacerse, en ciertos casos, prácticamente exentas.
• Están policromadas.
• Son más humanas y menos estereotipadas: expresiones de sonrisa, gestos humanos o modelos hablantes (sacra conversazione).
• Se abandona la geometrización y se evoluciona hacia la suavidad de las líneas y cierta movilidad, con suaves contrapostos.
• En las fachadas: figuras con coronas o santos bajo doseletes en los tímpanos; se representan escenas tradicionales (Cristo triunfante, el Juicio Final, o temas alusivos a la Virgen María) pero con mayor humanización.
• Nuevas tipologías: imágenes devocionales exentas (vírgenes, cristos y santos), sepulcros y estatuas de nobles y reyes.

S. XII: la escultura se va liberando poco a poco del muro, ganando volumen y expresividad.

S. XIII: aspecto clasicista, proporciones equilibradas, gran dinamismo, naturalismo y expresividad (ejemplo: grupo de la Visitación de la catedral de Reims o las obras de Nicola Pisano).

Ya en el siglo XIV aparecen los primeros artistas con nombre propio; entre ellos destaca Claus Sluter, autor de obras en la Cartuja de Champmol, cuya perfección preludia el Renacimiento.

Exterior de la catedral

Además de las arquivoltas, del tímpano, dinteles, rosetones, tracerías de los vanos y galerías figuradas, hay cuatro soportes arquitectónicos que sirven de soporte escultórico y con rica iconografía:

• Parteluz: sobre la columna que divide la puerta se sitúan el Cristo Salvador, la Virgen o el titular de la iglesia.
• Jambas: corresponden con las arquivoltas e introducen imágenes de bulto redondo con motivos bíblicos.
• Hornacinas: la escultura penetra en la arquitectura pero no siempre se integra en ella, creando su propio marco.
• Gárgolas: desagües que sirven además como soporte de fantasías escultóricas.

Interior de la catedral

La escultura interior se concentra preferentemente alrededor del presbiterio, aunque también aparece adosada a los pilares.

Retablos: Obra situada detrás del altar mayor que representa, en una serie de tallas o pinturas colocadas en calles, un carácter monumental. Destacan los retablos del mundo germánico, de Flandes y de los Países Bajos; su ejecución se convirtió en una auténtica industria. En la península, su máximo esplendor en el s. XV se da con Gil de Siloé (Cartuja de Miraflores) y Pieter Dancart (Catedral de Sevilla).

Sepulcros:

• La escultura funeraria monumental se convierte, a partir del siglo XIII, en una de las manifestaciones escultóricas más importantes.
• Tipologías: exentos en forma de lecho, adosados al muro bajo arco, con el difunto orante o yacente.
• Destaca el famoso Doncel de Sigüenza.

Escultura exenta: Cristo, Virgen con el Niño, la Piedad.

Pintura gótica

La pintura se aleja de los murales y opta por soportes portátiles (tabla), excepto en Italia, donde el fresco sigue teniendo importancia.

Características

• Fresco en paredes y pintura sobre madera (temple); en los Países Bajos se generaliza el óleo.
• Más naturalista, con un canon realista, elegante y delicado; uso del claroscuro para modelar volúmenes. Se busca la tridimensionalidad y los personajes se muestran expresivos.
• Temática religiosa o aristocrática. Representan a los donantes o comitentes a menor escala que las figuras religiosas; con un carácter propagandístico: la burguesía asciende socialmente.
• Se siguen pintando temas del románico (Pantocrátor, mandorla mística y Tetramorfos); aparecen nuevas tipologías como la Madonna y prolifera el retrato.
• Colorido explosivo y cargas simbólicas en las imágenes.
• A finales del s. XIV surge el gótico internacional: exquisitez, gusto refinado y decorativo, detallismo y maestría conseguidos a menudo con óleo y efectos perspectivos.
• Prolifera el uso de dorados y efectos como el ilusionismo arquitectónico y la grisalla, asimilando la pintura a los retablos.
• Las figuras ya no se adaptan estrictamente al marco, aunque a menudo se enmarcan con gabletes y doseletes.
• Los pintores siguen perteneciendo a los gremios, pero aparecen los primeros maestros reconocidos: Jan van Eyck, El Bosco, Duccio, Giotto, entre otros.

Pintura sobre tabla

En el gótico, la tabla (madera) fue el soporte por excelencia.

Proceso

1. Montaje del soporte a partir de tablones secos, aplanados y unidos mediante clavijas, uniones en cola de milano, etc., reforzados por el reverso con listones y bandas de tela.
2. Lijado de la madera.
3. Imprimación de la superficie: capa fina de yeso ligada con cola, alisada y pulida hasta obtener una superficie tersa.
4. Cuando el soporte estaba seco, se procedía a pintar con temple (témpera). Se cubría la tabla con una imprimación del color deseado (por ejemplo, el italianismo verdaccio para tonos verdes) y se comenzaba la pintura.

Técnica al temple

En la Edad Media los colores se mezclaban en el taller a partir de óxidos o sustancias orgánicas que se ligaban con un aglutinante proteico, habitualmente la yema de huevo o la caseína (obtenida cortando la leche para extraer una cuajada). La técnica del temple seca rápidamente, por lo que los maestros completaban sus obras con gran destreza y rapidez.

Escuelas y tendencias pictóricas

Escuela francogótica

– Siglos XII–XIII.

– Se centra en la miniatura.

– Mucha importancia a la línea y al dibujo.

– Valoración de los tonos planos, sin volumen ni claroscuro (ej.: miniatura del Salterio de Blanca, Castilla). En España: Antón Sánchez de Segovia (Catedral Vieja de Salamanca).

Escuela italo-gótica

Península italiana y en la Corona de Aragón durante los siglos XIII y XIV.

• Pintura al fresco.
• Gran influencia bizantina; monumentalidad.
• Fondos dorados o claros.
• Simetría e hieratismo de las figuras, aunque se humanizan con gestos y miradas dulces y expresivas.
• Líneas sinuosas, delicadas y elegantes.
• Búsqueda de profundidad espacial con elementos arquitectónicos o paisajísticos.
• Focos: Florencia y Siena.

Escuela internacional

Siglos XIV–XV: ambientes cortesanos europeos (franceses).

• Escenas de rico colorido, abigarradas, con personajes a la moda y fondos dorados o paisajísticos; elegantes y delicadas, con cierto aire «infantil».
• Figuras combinadas y colorido intenso y luminoso.
• Tercera dimensión muy desarrollada, aunque a veces no del todo correcta.
• Extremo detallismo y anécdotas cortesanas.

Escuela flamenca

Evolución del gótico internacional en el siglo XV en los Países Bajos; considerada una antesala del pleno Renacimiento.

• Desarrollo de la tercera dimensión, luminosidad, realismo y detallismo sin parangón.
• La pintura flamenca debe sus logros al uso del óleo.
• Obras de aspecto escultórico, muy detallistas y cargadas de simbolismo, con movimiento contenido.
• Tratamiento sobresaliente de los rostros, fortaleciendo el retrato.

Autores destacados:

• Hubert y Jan van Eyck — Matrimonio Arnolfini, Políptico del Cordero.
• Roger van der Weyden — El descendimiento de la cruz.
• El Bosco — El jardín de las delicias (tríptico).

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