El Arte Cinético

El arte cinético es una corriente artística en la que las obras tienen movimiento o parecen tenerlo.

Esta corriente artística tuvo sus inicios a mediados de los años 60 y se extendió hasta mediados de los 70.

Características Principales del Arte Cinético

• Se basa en la búsqueda del movimiento; en la mayoría de las obras, el movimiento es real, no virtual.
• Para realizar la obra, el artista se plantea y sigue una estructura rigurosamente planificada.
• La mayoría de las obras cinéticas son tridimensionales, despegándose del plano bidimensional.
• Los recursos para crear movimiento son casi infinitos, tales como el viento, el agua, motores, luz y electromagnetismo.
• Busca la integración entre la obra y el espectador.

Tipos de Obras Cinéticas

Estables: Son aquellas obras cuyos elementos son fijos, dispuestos de tal manera que el espectador deba rodearlos para percibir el movimiento.

Móviles: Son obras que producen un movimiento real debido a diferentes causas, cambiando su estructura constantemente.

Penetrables: Generalmente, la obra es un ensamblaje en un espacio real que requiere que el espectador entre en ella para poder percibirla a medida que la recorre.

Eusebio Sempere (1923 – 1985)

Fue un escultor, pintor y artista gráfico español, considerado el pintor más representativo del movimiento cinético en España. La línea, su repetición y un gran dominio del color, que logra hacer vibrar la luz, otorgan profundidad a sus composiciones pictóricas.

Sempere dejó de trabajar lo figurativo para volcarse en la pintura abstracta y en la geometría. Experimentó con el trabajo realizado, buscando cierto dinamismo o movimiento con figuras geométricas. Se percibe en su obra una mayor preocupación tridimensional. Se interesó por la escultura, pues vio en esta grandes posibilidades para trabajar con lo cinético, lo óptico y la luz. Consideraba sus esculturas como pinturas en tres dimensiones o anti-esculturas. Son piezas de hierro o acero de depurada técnica y síntesis geométrica, móviles o giratorias, colgantes o sobre peanas o plataformas.

Legado y Obras Notables

Entre sus obras notables se encuentran las esculturas ubicadas en los jardines de la Universitat Politècnica de València (UPV).

Fotógrafos Relevantes en el Contexto Artístico

David Hamilton (1933)

Nacido en Londres el 15 de abril de 1933, David Hamilton es un fotógrafo inglés autodidacta, famoso desde la década de 1970 por sus series de retratos de mujeres adolescentes desnudas o semidesnudas.

Posee un estilo característico en el que suelen predominar los colores suaves, atmósferas difuminadas y el grano grueso, que acabó llamándose estilo hamiltoniano. Tuvo un tipo muy definido de modelo: ya fuera al inicio de la adolescencia (hacia los 11 años), en plena adolescencia o habiendo salido ya de ella, su modelo debía transmitir perfección, elegancia innata, naturalidad, inocencia y sutil erotismo. El talento de David Hamilton radica en su habilidad para capturar a las jóvenes exactamente en el momento en que descubren la mejor parte de su erotismo ingenuo. Esto lo llevó a escoger casi invariablemente un tipo de joven: el artista recurre siempre al mismo tipo de muchacha escandinava que conserva intacta durante mucho más tiempo esta etapa fugaz de la existencia.

Gyenes (Juan Gyenes) (1912 – 1995)

Gyenes János, conocido como Juan Gyenes, fue un fotógrafo de origen húngaro que desarrolló su carrera en España desde 1940.

Una fotografía suya de Francisco Franco fue seleccionada para la impresión de una popular serie de sellos de Correos con su efigie. Realizó retratos a numerosos personajes, entre los que se encuentran:

• Sara Montiel
• María Félix
• Salvador Dalí
• Pablo Picasso
• Joan Miró
• Andrés Segovia
• Montserrat Caballé
• Jacinto Benavente
• Cayetana Fitz-James Stuart, Duquesa de Alba
• Omar Sharif
• Tsuguharu Foujita
• Herbert von Karajan
• Artur Rubinstein
• Gina Lollobrigida
• Charlton Heston
• Lola Flores
• Julio Iglesias
• Raphael
• Isabel Preysler
• Charles Chaplin
• Marisol (Pepa Flores)

En sus retratos, los personajes se presentan en su espacio habitual, rodeados por sus objetos, que funcionan como una escenografía que ayuda a comprender su personalidad.

Irving Penn (1917 – 2009)

Irving Penn es, junto a Richard Avedon y Helmut Newton, uno de los grandes retratistas y fotógrafos de moda estadounidenses. La carrera de Penn abarcó casi seis décadas y un amplio espectro de trabajos, especialmente para la revista Vogue, pero también retratos, fotografía publicitaria y de tribus.

El clásico ‘menos es más’ se convirtió en su lema. El dominio de la luz en estudio y el fuerte contraste del blanco y negro fueron su marca personal.

Tras largas horas de experimentación con la luz y en el cuarto oscuro, Penn logró un gran dominio técnico. Pero el secreto de su arte partía de una convicción: el ingrediente más importante en la fotografía reside en la captura de un alma –ya sea a través del vuelo de un vestido o un trozo de carne–, como parte de un mismo misterio que no puede ser completamente conocido.

En sus fotografías, el sujeto solía posar ante un sencillo fondo blanco o gris, utilizando la simplicidad de manera más efectiva que otros fotógrafos de la época.