La Transición del Sonido en el Cine
Las primeras películas sonoras fueron un verdadero inconveniente para los cineastas de la época.
Desafíos Técnicos y Soluciones
La cámara, debido al ruido del motor y de los engranajes, fue enclaustrada en una caja de madera. Fue tras el desarrollo del “blimp”, una especie de carcasa adaptada al cuerpo de las cámaras, cuando fue posible colocar esta dentro de los sets de filmación.
La Evolución de la Grabación Sonora
La grabación del sonido para el cine también presentó desafíos porque el proceso inicialmente usado, el Vitaphone, requería la captación directa en el disco (**sound-on-disc**), y la posterior sincronización de un disco de distribución con el proyecto.
El Vitaphone fue sustituido por la grabación de sonido en películas (**sound-on-film**), que impedía la pérdida de la sincronización si la película se rompía o modificaba. El sonido se graba ópticamente en el lateral de la película.
Impacto en la Calidad del Sonido y la Actuación
El establecimiento del sonido óptico en el cine obligó a los estudios a luchar por mejorar los procesos de grabación y transición del sonido para las películas. La respuesta en frecuencia de la llamada **banda óptica** es bastante limitada. Con mucho esfuerzo, los ingenieros de grabación alcanzaron 10 kHz en respuesta de alta frecuencia, y esto, junto con la baja relación **señal/ruido**, comprometió la calidad del sonido cinematográfico.
La integridad de los diálogos careció de la evolución de los micrófonos y su ubicación en los estudios, pero también pasó por la reducción y el entrenamiento de la voz de los actores. Aparecen por primera vez en los estudios los llamados “instructores de diálogos”. El trabajo de estos instructores llevó a muchos actores norteamericanos a hablar con acento británico, que es, a su vez, el inglés más correctamente pronunciado y mucho más fácil de entender.
El Auge de los Musicales
Pero fue la M-G-M la que, una vez descubierto el potencial del sonido, se dio cuenta de la enorme popularidad conseguida con películas musicales, y se convirtió, eventualmente, en el estudio que más invirtió en este campo.
La Importancia del Sonido en el Cine
Componer para escenas es un arte que no todo buen compositor es capaz de realizar. Por el contrario, muchas de las pistas orquestales solo tienen valor junto a la imagen.
El Sonido como Arte y Herramienta Narrativa
La introducción del sonido en el cine provocó malestar en muchos cineastas. Charles Chaplin, por ejemplo, había creado un personaje a través de la pantomima, y temía que él fuese destruido. Pero, en **Luces de la Ciudad**, percibió que el sonido podría serle de gran ayuda en la identificación de una escena. Y de este modo orquestó e introdujo efectos sonoros a una película.
Innovaciones en la Reproducción Sonora
Uno de los aspectos más relevantes sobre la introducción del sonido en el cine fue el de la vanguardia del proceso de grabación y reproducción del contenido musical. Ya en 1940, los estudios Disney introdujeron el Fantasound, y a partir de las pantallas superlargas de 1950, el sonido multicanal se estableció en definitivo, en formato de 4 canales (35 mm) y 6 canales (70 mm) o más (**Cinerama**).
Grandes Compositores y Bandas Sonoras
- Bernard Herrmann: Psicosis y Ciudadano Kane.
- John Williams: Indiana Jones, Jurassic Park, Superman, E.T., Star Wars.
- Jerry Goldsmith: Star Trek y El Planeta de los Simios.
- Alfred Newman: Twentieth Century-Fox Fanfare y Cumbres Borrascosas.
- Nino Rota: El Padrino y La Dolce Vita.
- Alan Menken: La Sirenita, La Bella y la Bestia.
- Hans Zimmer: El Rey León, Gladiator y Piratas del Caribe.
- Danny Elfman: La Fábrica de Chocolate, Alicia en el País de las Maravillas y Los Simpsons.
- Max Steiner: King Kong y Casablanca.
- Henry Mancini: La Pantera Rosa y Moon River.
- Ennio Morricone: El Bueno, el Feo y el Malo, The Mission y Cinema Paradiso.
La Banda Sonora en el Cine Español
- Augusto Algueró: Torrente, el brazo tonto de la ley, Tómbola y Las chicas de la Cruz Roja.
- Roque Baños: 800 Balas, El Otro Lado de la Cama y Las 13 Rosas.
- Bernardo Bonezzi: Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto, Mujeres al borde de un ataque de nervios y Farmacia de guardia.
- Carmelo Bernaola: La Clave, Verano Azul y Mambrú se fue a la guerra.
- Antón García Abril: El Hombre y la Tierra, Fortunata y Jacinta y Ramón y Cajal.
- Alberto Iglesias: El Jardinero Fiel, Cometas en el Cielo y El Topo.
- José Nieto: El Lute: camina o revienta, Celos y Juana la Loca.
- Alfonso Santisteban: Cañas y Barro, Aplauso y Bla, Bla, Bla.
- Adolfo Waitzman: Atraco a las tres, Los chicos con las chicas y Un, dos, tres… responde otra vez.
La Comedia en el Cine: Del Slapstick al Humor Dialogado
1. Características del Slapstick
Tiene tres elementos principales: la violencia física y visual, la espontaneidad (aportada por la improvisación de situaciones) y la pantomima (la exageración del gesto, su máxima expresión).
2. Las Grandes Estrellas del Slapstick
- Charles Chaplin: El personaje de Charlot, el vagabundo con bombín, bastón y pantalones atados con una cuerda, le convirtió en uno de los iconos universales. Cuidó los aspectos formales de sus producciones e incorporó un toque dramático. El Chico es un ejemplo de sensibilidad.
- Mack Sennett: Hizo historia al colocarse detrás de las cámaras, escribir y producir sus propias películas cómicas. Fundó su propia compañía Keystone.
- Max Linder: Cómico francés que se convierte en la primera gran estrella de la pantalla a través de su personaje en la película Max Patinador, lo que le llevó a ser el actor mejor pagado de Francia.
3. Maestros de la Comedia Visual
- Buster Keaton: Fue capaz de protagonizar las escenas de riesgo más asombrosas sin perturbar el gesto ni la mirada triste. Fue uno de los maestros cómicos que peor llevó la transición del cine mudo al sonoro (**El maquinista de la General**).
- Harold Lloyd: Actor que decidió especializarse en comedia. Alcanzó el éxito encarnando el prototipo de joven americano normal y corriente, sometido a los nuevos peligros de la gran ciudad (**El hombre mosca**).
4. El Ocaso del Género Slapstick
Con la llegada del sonido cambió la técnica y la expresión. El público deseaba que las películas incluyesen chistes o juegos de palabras, ruidos y músicas que subrayasen los momentos más divertidos. Algunos sobrevivieron, otros sucumbieron a la fascinación por las películas sonoras.
5. La Comedia Dialogada: La Obra Cinematográfica de Woody Allen
Inicios y Evolución
Comenzó escribiendo chistes para el periódico; posteriormente, hizo humor para televisión y, después, se lanzó como comediante de stand-up.
Los inicios de Woody Allen en el cine fueron como escritor de un guion y como actor secundario. La cinta What’s New Pussycat, junto con las siguientes en las que trabajó de director de doblaje y guionista, lo dejaron muy desanimado porque se respetó muy poco su trabajo. Se dio cuenta de que la única forma de protegerlo era dirigiendo él mismo sus propios guiones.
En sus primeras películas lo único que le interesa es hacer reír. Allen no tiene conocimientos técnicos y, aunque se apoya en directores experimentados, estas primeras películas dejan mucho que desear: se salta los ejes y se preocupa poco por la continuidad. Sin embargo, los guiones están bien estructurados y cumplen el objetivo, ser graciosos.
Estilo y Temáticas
El personaje que interpreta Allen en este período es tan constante que nos hace pensar que se está interpretando a sí mismo. El tema del psicoanálisis aparece poco y, tal vez, de manera más o menos discreta. Los chistes relacionados con los judíos son constantes desde estos inicios.
Una crítica que se hace a este período del cineasta es que en ocasiones no sabe cuál es la mejor manera de presentar un chiste. Muchas veces, un gag que funcionaría mejor de manera puramente verbal es acompañado por una secuencia de imágenes. Poco a poco, Allen fue aprendiendo a narrar sus historias a través del celuloide.
Madurez Artística
Love and Death aparece en un momento en el que Allen realiza películas técnicamente muy interesantes. Sin embargo, abandona la comedia burlesca y comienza a explorar temas de la psicología humana. Las nuevas películas, dentro de las cuales destacan Annie Hall y Manhattan, se vuelven comedias más sutiles. Los temas comentados antes siguen presentes, pero ahora el humor es distinto.
Allen no tiene miedo de experimentar con la cámara; ejemplos de tomas arriesgadas son aquellas en las que los personajes entran y salen de cuadro sin ningún problema.
Lo más interesante de la obra de Woody Allen son las películas donde mezcla el drama con la comedia en guiones muy sólidos, profundos e interesantes (**Hannah and her Sisters** y **Crimes and Misdemeanors**). Cada una de estas películas consta de varias historias narradas de forma paralela; algunas se entrelazan, otras no. Algunas tienen un tono cómico y otras son absolutamente serias. Allen, por lo regular, protagoniza los segmentos cómicos y permite a grandes actores lucirse con situaciones emocionalmente más complejas.
Sello Personal
Actualmente, Woody Allen realiza películas de muchos estilos. Es indiscutible que tiene un sello personal que él imprime en cualquier trabajo; es un cineasta que no tiene miedo a experimentar.
6. La Comedia Coral
El cine coral es un término que se utiliza para definir un tipo de cine en el que se presentan varias historias y personajes cuya conexión tiene lugar en el clímax de la obra. Se trata de que, a partir de un incidente, varios personajes tomen un camino común, que pueden cruzarse o no al final de la película. Los diálogos de una película coral reflejan el ambiente, pero no avanzan la acción, puesto que apenas posee argumento.
Luis García Berlanga: Maestro del Cine Coral Español
Formó parte de la primera promoción del Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas. Apostó en su cine por abordar situaciones frecuentemente dramáticas desde el humor negro, aunque con una carga de acidez que dota a sus películas de una profundidad pocas veces conseguida en el cine español.
Su primera gran obra fue Bienvenido Mr. Marshall, que plantea como fondo la visita de una delegación estadounidense a un pueblo castellano con motivo de los acuerdos planteados por el histórico Plan Marshall. Se sirve de este hecho histórico para satirizar.
Su estilo, a la vez tierno y descarnado, queda patente en las primeras décadas de su filmografía. Mención especial merecen Plácido (que carga contra la hipocresía de ciertas prácticas caritativas) y El Verdugo (que denuncia la pena de muerte).
Con dificultades para que la censura aprobara sus guiones, aceptó algunos encargos como ¡Vivan los novios!.
Con la Transición, Berlanga inició una fecunda colaboración con el guionista Rafael Azcona, de la que nació su famosa trilogía: La escopeta nacional, Patrimonio nacional y Nacional III.