Fuentes Musicales y de Danza

Las fuentes son los documentos que sirven de información e inspiración a un autor. En el caso de la música y de la danza pueden ser:

• Iconográficas: Todas aquellas fuentes que nos proporcionan imágenes relacionadas con la música y la danza. Entre ellas nos encontramos con el patrimonio pictórico y escultórico de Oriente y Occidente que podemos ver en museos, libros, etc. En ellos debemos capturar lo que es propio de la época y todo lo que nos ayude en nuestra búsqueda de información.
• Escritos musicales: Las fuentes escritas nos ayudan a interpretar la música. Desde el Medievo y sus neumas, hay toda una evolución hasta la escritura del siglo XX.
  • Escritura para danza: Va desde la descripción verbal de determinados pasos y evoluciones en el espacio. Se desarrolla desde el Medievo en cartas informativas y en el Renacimiento.
• Audiovisuales:
  • Fonografía: Nos permite escuchar la música sin tener que ir a un lugar concreto. La música se reproduce en un disco u otros soportes. Se recibe la información de forma auditiva.
  • Del cine mudo a Internet: Es una sucesión de imágenes que permite la creación de documentos sobre la música y la danza. Se recibe la información de forma visual y, posteriormente, también auditiva.

Antigua Grecia

La Antigua Grecia se desarrolla antes del siglo X a.C., pero su máximo esplendor tuvo lugar en los siglos V-IV a.C.

Mousiké

Término que servía para designar la unión de música, poesía y danza. Fue tratado por filósofos como Platón y Aristóteles en sus escritos.

La función de la música griega

Estaba presente en todo tipo de acontecimientos religiosos y sociales, como en ceremonias religiosas, representaciones teatrales, banquetes, competiciones deportivas, etc.

La música en la educación

Era muy importante para la educación de los jóvenes (paideia). Según Aristóteles y Platón (Teoría del Ethos), la música actúa sobre la voluntad humana al imitar o representar las pasiones y los estados del alma. El carácter y comportamiento de una persona podía estar influenciado por la música que escuchaba. Los gobiernos legislaban sobre la música y decidían cuál era más beneficiosa (promotora de la virtud) y cuál perjudicial.

Fundamento numérico de la música

Pitágoras y sus seguidores investigaron con el monocordio las relaciones numéricas de los intervalos musicales fundamentales (octava, quinta, cuarta), estableciendo las bases matemáticas de la armonía.

Edad Media

Monodia litúrgica

Los cantos eran esencialmente los mismos en toda Europa, pero los ritos (liturgias locales como la mozárabe, ambrosiana, etc.) variaban. Para unificar la liturgia en gran parte de Occidente, se promovió el canto gregoriano como canto oficial de la Iglesia católica.

Características del Canto Gregoriano:

• Es un canto religioso, interpretado en latín.
• Es vocal (a capella), tradicionalmente cantado solo por hombres.
• Es monódico: una sola línea melódica, interpretada por un solista o un coro al unísono, sin acompañamiento instrumental.
• Posee un ritmo libre, supeditado al texto litúrgico. La melodía se adapta a la prosodia y acentuación del latín.
• Es un canto modal, basado en ocho modos eclesiásticos (o gregorianos).
  • Estos se agrupan en cuatro finales (finalis), cada uno con una forma auténtica y otra plagal.
  • Los modos se identifican por su nota final (finalis) y su ámbito. Las cuatro finales son:
    • Protus (Modos I y II): Final en Re
    • Deuterus (Modos III y IV): Final en Mi
    • Tritus (Modos V y VI): Final en Fa
    • Tetrardus (Modos VII y VIII): Final en Sol
  • Además de la finalis, otra nota importante es la tenor o nota de recitación.

Estilos de Canto:

• Silábico: Una nota por sílaba.
• Neumático: Generalmente, dos a cuatro notas por sílaba.
• Melismático: Muchas notas por sílaba (largos melismas).

Formas de Interpretación:

• Antifonal: Alternancia entre dos coros o secciones del coro.
• Responsorial: Alternancia entre un solista y el coro.
• Directa: Sin alternancia, cantado de principio a fin por el solista o el coro.

Notación Musical

Los primeros intentos de notación escrita (notación neumática adiastemática) datan del siglo IX. El sistema evolucionó hacia neumas sobre líneas y, finalmente, la aparición del tetragrama (pauta de cuatro líneas) en el siglo XI, desarrollo atribuido a Guido d’Arezzo, quien también sistematizó el uso de las claves (Do y Fa) y la solmisación.

Repertorio Gregoriano

Comprende el conjunto de cantos destinados a los rituales de la Misa y el Oficio Divino.

• Misa: Contiene cantos del Ordinario (textos fijos: Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Agnus Dei) y del Propio (textos variables según la festividad: Introito, Gradual, Aleluya/Tracto, Ofertorio, Comunión).
• Oficio Divino: Son los cantos de las horas canónicas (Maitines, Laudes, Prima, Tercia, Sexta, Nona, Vísperas, Completas), rezados y cantados principalmente por comunidades monásticas.

Desarrollos Posteriores y Formas Paralitúrgicas

Surgieron nuevas formas y adiciones al canto gregoriano, especialmente entre los siglos IX y XII:

• Tropos: Textos y/o melodías añadidas a cantos litúrgicos preexistentes, para embellecerlos, explicarlos o facilitar la memorización.
• Secuencias: Originalmente, textos silábicos añadidos a los largos melismas sobre la última sílaba del Aleluya (jubilus). Más tarde se convirtieron en piezas poético-musicales independientes.
• Dramas litúrgicos: Representaciones dialogadas de pasajes bíblicos o vidas de santos, integradas en la liturgia, especialmente en Pascua o Navidad.

Monodia Profana y Danza Medieval

La música monódica fuera del ámbito religioso (profana) floreció en lenguas vernáculas a partir del siglo XI-XII.

Los Goliardos

Eran clérigos o estudiantes errantes que componían canciones en latín (a veces con mezcla de lengua vulgar) con temáticas variadas: el vino, el amor terrenal, el juego y la sátira social y eclesiástica. La colección más famosa es Carmina Burana (siglo XIII).

Los Juglares

Eran artistas itinerantes de origen generalmente humilde, con múltiples talentos (músicos, acróbatas, recitadores, domadores). Interpretaban canciones y poemas (a menudo compuestos por trovadores), además de realizar otras actividades de entretenimiento en cortes y plazas.

Trovadores, Troveros y Minnesänger

Eran poetas-músicos, generalmente de origen noble o culto, que componían y a menudo interpretaban sus propias obras.

• Los trovadores (trobadours) surgieron en el sur de Francia (Langue d’Oc) en el siglo XI.
• Los troveros (trouvères) aparecieron algo más tarde en el norte de Francia (Langue d’Oïl).
• Su música era monódica, aunque frecuentemente se interpretaba con acompañamiento instrumental improvisado.
• El tema principal era el amor cortés (fin’amors), pero también trataron temas políticos, morales y religiosos.
• El equivalente en los territorios de habla alemana fueron los Minnesänger.

Monodia Profana en la Península Ibérica

Se componía poesía lírica en lenguas vernáculas (galaico-portugués, castellano, catalán). Destacan las Cantigas:

• Las Cantigas de Santa María, compiladas bajo el patrocinio del rey Alfonso X el Sabio (siglo XIII), son la colección más importante de monodia medieval de la península. Aunque de temática religiosa mariana, su estilo musical y estructura las emparentan con la lírica profana.
• Se dividen principalmente en Cantigas de Miragre (narran milagros de la Virgen) y Cantigas de Loor (alabanzas a la Virgen).
• Presentan una estructura estrófica, a menudo con estribillo (forma virelai/zéjel).

La Danza en el Medievo

La danza estaba presente en celebraciones populares y cortesanas. Las formas coreográficas más comunes eran en círculo (carola, rondó), en fila (estampie, ductia) y, más tardíamente, en parejas. La música solía ser instrumental (viella, flautas, percusión) y a menudo improvisada o basada en melodías populares. Se conoce la existencia iconográfica y literaria de la llamada Danza de la Muerte, de carácter alegórico y moralizante, que representaba a la Muerte llamando a bailar a personajes de todas las clases sociales.

Polifonía Medieval: Ars Antiqua y Ars Nova

Inicios de la Polifonía

La polifonía es la técnica musical que combina simultáneamente varias líneas melódicas independientes.

Las primeras formas de polifonía escrita surgieron alrededor del siglo IX:

• Organum paralelo: Consistía en añadir una voz (vox organalis) que duplicaba la melodía gregoriana preexistente (vox principalis) a distancia de octava, quinta o cuarta paralelas.
• Posteriormente, el organum evolucionó (organum libre, organum melismático), permitiendo movimientos contrarios y mayor independencia rítmica y melódica de las voces añadidas sobre las notas largas del canto original (llamado tenor).

El Ars Antiqua (c. 1160 – c. 1320)

Se refiere al estilo polifónico desarrollado principalmente en París, asociado a la Escuela de Notre Dame (con compositores como Léonin y Pérotin). Las formas principales fueron:

• Organum: Alcanzó gran complejidad, especialmente con Pérotin (organum triplum y quadruplum, a tres y cuatro voces).
• Conductus: Canción polifónica (de dos a cuatro voces) de nueva composición, no basada necesariamente en canto gregoriano, con texto en latín (generalmente sacro o paralitúrgico) y ritmo silábico y medido similar en todas las voces.
• Motete: Surgió al añadir textos diferentes (incluso en lenguas distintas y de carácter profano) a las voces superiores de las cláusulas (secciones melismáticas) de organum. Se independizó y se convirtió en la forma polifónica experimental más importante.

Durante este período se desarrolló el sistema de notación modal rítmica, que utilizaba patrones de ligaduras para indicar seis modos rítmicos basados en pies métricos clásicos.

El Ars Nova (siglo XIV)

Término acuñado por el teórico y compositor Philippe de Vitry en su tratado Ars Nova (c. 1322), se refiere a un período de profunda renovación estilística y teórica en la música, principalmente en Francia e Italia.

Las principales novedades fueron:

• Notación Mensural Franconiana y del Ars Nova: Se perfeccionó la notación (introducida por Franco de Colonia a finales del Ars Antiqua), permitiendo una mayor precisión rítmica, la independencia de cada nota y la clara distinción entre subdivisión binaria (imperfecta) y ternaria (perfecta) en varios niveles (modo, tiempo, prolación).
• Ritmo: Mayor complejidad y flexibilidad rítmica, incluyendo el uso de la isorritmia (sofisticada técnica que aplica patrones rítmicos –talea– y a veces melódicos –color– repetidos en el tenor), especialmente en el motete.
• Armonía y Sonoridad: Se buscó una mayor expresividad y un efecto sonoro más lleno y consonante, con un uso más frecuente de terceras y sextas.

El organum y el conductus cayeron en desuso. Las formas predominantes fueron el motete isorrítmico (con compositores como Vitry y Guillaume de Machaut) y las formas fijas de canción polifónica profana (rondeau, virelai, ballade), cultivadas magistralmente por Machaut.