Arquitectura

El Estilo Internacional

Se caracterizó por su énfasis en la ortogonalidad, el empleo de superficies lisas, pulidas, desprovistas de ornamento, con el aspecto visual de ligereza que permitía la construcción en voladizo. También se dio una homogeneidad de materiales (hormigón armado), con el que se crearon varios amplios espacios interiores con similitudes en diversos edificios.

Factores determinantes:

• En primer lugar, la incomodidad de algunos arquitectos con el eclecticismo y la divergencia de estilos arquitectónicos de finales del siglo XIX, pues se tomaban detalles ornamentales, características y elementos formales de los más diversos estilos y periodos.
• En segundo lugar, la necesidad de nuevos tipos de edificaciones con usos hasta entonces desconocidos (edificios de oficinas, bloques de apartamentos, nuevas fábricas).
• El tercer y decisivo factor fueron los enormes avances técnicos en la ciencia de los materiales y la construcción, que permitieron la invención del hormigón armado y los progresos en las aleaciones de acero. Todo ello conllevaría nuevas posibilidades estructurales que harían realidad edificios más altos, más resistentes y más espaciosos.

El Edificio Seagram, construido por Mies van der Rohe, se ideó con una gran plaza urbana situada entre el edificio y la alineación de las edificaciones de la avenida. Esto permitía tener un punto de observación inmejorable hacia la alta edificación, que muestra su estructura de acero y tiene la sencilla forma de un prisma rectangular desprovisto de toda ornamentación.

Arquitectura Española

Francisco Javier Sáenz de Oiza

Entre sus obras destacan edificios tan emblemáticos como el de las Torres Blancas o el del Banco de Bilbao en el Paseo de la Castellana, ambos en Madrid.

La Basílica de Aránzazu es una iglesia que construyó junto con Luis Laorga y que será de gran importancia no solo por el trabajo arquitectónico (las líneas generales son bastante habituales, no hay gran renovación, aunque la lectura sí es contemporánea), sino porque en la misma colaboraron diferentes artistas vascos, haciendo una apuesta por la plástica contemporánea.

Edificio Torres Blancas: una de las construcciones más imponentes del arquitecto, una de las obras maestras del organicismo extremo español.

Torres del Banco de Bilbao: la antigua sede del Banco de Bilbao es expresión de la conversión orgánica de la arquitectura hacia los rasgos de la modernidad.

En los años 80, su trabajo sufre el influjo de la posmodernidad, que quedará en el aspecto externo, en ciertos detalles decorativos, pero en la planta, materiales, organización o formas no tendrá gran influencia. Esta nueva tendencia le posibilitará ser todavía más expresivo y cuidar más el lado estético.

Ejemplos son: el Museo de Arte Contemporáneo en Las Palmas de Gran Canaria y el conjunto de viviendas que levantó al lado de la autopista M-30.

Miguel Fisac

Logra un estilo de gran personalidad, en el que incorporaba originales soluciones estructurales con hormigón pretensado y sus características vigas-hueso.

Desde sus inicios, responde a las exigencias técnicas y a la necesidad humana. Se vio influido por el arquitecto Frank Lloyd Wright, el empirismo de Erik Gunnar Asplund y el organicismo nórdico. Se interesa por la arquitectura popular, en la que la realidad del paisaje, las características humanas, históricas y geográficas del lugar se funden con el valor plástico o incluso técnico.

Obras destacadas de Miguel Fisac:

Edificio de Laboratorios Jorba, «La Pagoda»

El proyecto original fue una torre de oficinas en la que cada planta se representaba girada 45° respecto a la anterior, característica que le hacía parecer una pagoda. Las transiciones entre las plantas se resolvían con una superficie reglada en forma de hiperboloide.

Iglesia Parroquial de Nuestra Señora del Pilar en Huesca

Está presidida por el volumen del templo dispuesto en forma de abanico, cerrado por un muro frontal sinuoso y con cubierta paralela a la ladera. Se reinterpreta la arquitectura pirenaica utilizando en su construcción elementos locales y materiales modernos fáciles de transportar.

Centro de Estudios Hidrográficos y Laboratorio de Hidráulica en Madrid

Introdujo nuevas técnicas y soluciones constructivas con las vigas-hueso, llamadas así por él mismo por su semejanza con los huesos de animales. Son vigas huecas de gran luz realizadas en hormigón pretensado y apoyadas sobre muros lisos sin huecos.

Pintura

Expresionismo Abstracto

El Expresionismo Abstracto es un movimiento que nace en Estados Unidos hacia 1947, fecha en la que la mayor parte de los artistas más importantes se apartan del lenguaje figurativo y crean un nuevo estilo donde fusionan abstracción y surrealismo. De este último toman el automatismo; además de experimentar con nuevas técnicas, practican un arte marcadamente individualizado en el que prima la expresión de la personalidad del artista.

La época de mayor auge coincide con el momento en el que el arte americano logra alcanzar su propia identidad y desvincularse de la influencia del arte europeo. La presencia de importantes artistas de las vanguardias europeas en Nueva York tras la Segunda Guerra Mundial influye de manera decisiva.

En el Expresionismo Abstracto se pueden distinguir dos grandes vías: la pintura gestual o pintura de acción (Action Painting) y la pintura de superficie-color (Color Field Painting). En la pintura de acción, los artistas conciben la creación pictórica como un verdadero ritual y utilizan la pintura para dar rienda suelta a sus estados de ánimo.

Características Formales

• Preferencia por grandes formatos. Trabajaban normally con óleo sobre lienzo.
• Generalmente son abstractos, en el sentido de que eliminan la figuración. No obstante, hay excepciones y algunos emplean trazos figurativos.
• El espacio pictórico se trata con frontalidad y no hay jerarquía entre las distintas partes.
• El cromatismo suele ser muy limitado: blanco y negro, así como los colores primarios.
• Algunos pintores redujeron la obra prácticamente a un solo color, anticipando el Arte Minimalista (Minimal Art).
• Este tipo de cuadros, con violentos trazos de color en grandes formatos, presenta como rasgos distintivos la angustia y el conflicto.

Jackson Pollock

Creador de un nuevo modo de pintura: el dripping. El artista sitúa el lienzo en el suelo y, moviéndose alrededor del mismo (en ocasiones por dentro del lienzo), deja caer finos hilos de pintura que se desprenden del pincel recién cargado en el bote. El resultado es una trama compleja de hilos que forman una urdimbre muy atractiva visualmente. El artista se interesa por el azar, por lo que no es controlable. Este nuevo modo de pintura lo empieza a utilizar alrededor de 1947. También utilizará una técnica que consiste en agujerear un bote metálico de pintura y desplazarse con él por el lienzo, previamente puesto en el suelo, dejando caer la pintura.

Lo importante para Pollock será esa acción, el momento y el cómo el artista realiza su obra siguiendo sus impulsos. Por eso, este tipo de pintura será Action Painting.

Mark Rothko

Creador del Color Field Painting, fue un artista de dedicación plena y obsesiva a su obra. Alcanzó una técnica exquisita a la hora de fundir tonos y obtener colores expresivos.

Pintor de grandes formatos, reivindica la identidad de la abstracción y la expresividad de grandes superficies de color.

El Color Field Painting consiste en superficies llenas de color en las que las manchas se superponen a modo de veladuras, aumentando así la gama cromática de la obra. Se trata de una plasmación del mundo interior del artista, algo que debe hacer meditar al espectador, totalmente basado en la expresividad.

Desarrollo Posterior

El Expresionismo Abstracto se desarrolló en Estados Unidos a lo largo de unos 20 años. Después se divulgó por Europa, Japón y Sudamérica. La llamada segunda generación expresionista está formada por una serie de artistas que alcanzaron su madurez en la década de los 50. La mayor parte de ellos sienten la influencia de Jackson Pollock.

Expresionismo Figurativo

El Expresionismo fue un movimiento artístico alemán que reflejó la amargura que invadió los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania prebélica, así como de la Primera Guerra Mundial y del periodo de entreguerras. Se dividía en dos corrientes: Die Brücke (El Puente) y Der Blaue Reiter (El Jinete Azul).

Francis Bacon

Pintor inglés de origen irlandés, figura destacada de la Nueva Figuración, tendencia que se desarrolla a lo largo de los años 60, tras el agotamiento del informalismo. Toda su trayectoria pictórica se caracteriza por una profunda independencia, que hace de su pintura un referente inconfundible del arte europeo de la segunda mitad del siglo XX.

Bacon elige la figura humana como motivo central de sus cuadros, y la somete a deformaciones y alteraciones hasta un nivel no conocido con anterioridad en la historia del expresionismo.

Obras destacadas:

Estudio del retrato del Papa Inocencio X de Velázquez.

Lucian Freud

Especializado en retratos, estos suelen excluir la expresión de sentimientos, y los personajes representados aparecen bajo una fuerte luz y con una carnalidad muy perceptible, en el caso de los desnudos. A partir de 1950 empezó a realizar retratos, muy a menudo desnudos, «sin nada más», utilizando la técnica del empasto. Los colores son a menudo neutros.

Los temas son personas y sus vidas: amistades, familia, colegas, amantes y niños. En contadas ocasiones acepta retratos por encargo. Pinta a la gente «no por lo que quieran ser, sino por lo que son». Sus retratos se centran principalmente en las personas de su entorno próximo.

Arte Pop (Pop Art)

El Arte Pop (Pop Art) es interpretado como una reacción a los entonces dominantes ideales del Expresionismo Abstracto.

Orígenes y Referencias

El Arte Pop tiene como referencia el Dadaísmo, pero reemplaza los impulsos destructivos, satíricos y anárquicos del movimiento dadá. Las pinturas de Robert Rauschenberg tienen relación con los trabajos anteriores de otros dadaístas y demuestran una preocupación por las cuestiones sociales del momento. Su método consistía en crear arte con materiales efímeros, con los que representaba acontecimientos de actualidad, lo que dotó a sus obras de una calidad única. Jasper Johns.

Pop Art en Gran Bretaña

Aunque también utilizaban la ironía y la parodia, era más académico y se enfocaba en la imaginería dinámica y paradójica de la cultura popular estadounidense, formada por un conjunto de mecanismos fuertes y manipuladores que estaban afectando los patrones de vida.

El Arte Pop temprano de Inglaterra se puede considerar como una serie de ideas alimentadas por la cultura popular estadounidense vista desde lejos.

Richard Hamilton

En 1956, se organizó una exposición para la Whitechapel Art Gallery, bajo el título This Is Tomorrow. Hamilton organizó la contribución del Independent Group a la muestra, en la cual presentaría su collage Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing?, el cual se convertiría en el manifiesto del Arte Pop británico, movimiento en el que interpretaría un papel esencial.

En esta obra aparece multitud de elementos de la cultura de masas estadounidense: una chica de revista, un fisioculturista, un televisor, un logotipo de Ford, una portada de historieta, una aspiradora, un cartel de cine, un retrato de un antepasado.

David Hockney

Sus obras de la década de los 60, como la serie sobre piscinas de Los Ángeles, están pintadas en un estilo deliberadamente ingenuo y colorista, con una temática extraída de la cultura popular. A Bigger Splash es una de sus pinturas más conocidas. La ironía y el ingenio de Hockney, junto con su talento para las composiciones y diseños de fuerte expresividad, le llevaron a un estilo más naturalista a finales de los 60.

Pop Art en Norteamérica

Estas pinturas comparten un vínculo directo con la imagen habitual de la cultura popular estadounidense y también tratan el tema de una manera impersonal, ilustrando claramente la idealización de la producción en masa.

Roy Lichtenstein

Su trabajo probablemente define la premisa básica del Arte Pop mejor que cualquier otro a través de la parodia. Seleccionando la tira cómica antigua como materia prima, produce composiciones de filo duro y preciso que documentan, mientras parodian de una manera suave. A partir de 1961 se dedicó por completo a producir arte mediante imágenes comerciales de producción masiva.

Sus historietas de cómics, como Good Morning, Darling, son ampliaciones de los personajes de dibujos animados, reproducidas a mano, con la técnica de puntos Benday y los mismos colores primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos.

Andy Warhol

Es probablemente la figura más famosa del Arte Pop. Intentó llevar el Pop más allá de un estilo artístico, a un estilo de vida, y su obra a menudo muestra la falta de afectación humana.

Destaca por sus obras: Díptico de Marilyn, 100 latas de sopa Campbell, 100 botellas de Coca-Cola y 100 billetes de dólar. Fundó su estudio, The Factory, por donde pasaron artistas, escritores, modelos, músicos y celebridades.

Hiperrealismo

Es una tendencia de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. También es aplicable a la escultura.

Pero es innegable que el Arte Pop sigue siendo el precursor inmediato del Hiperrealismo, pues toma la iconografía de lo cotidiano, se mantiene fiel a la distancia de su enfoque y produce las mismas imágenes neutras y estáticas.

En esa época, la abstracción era la tendencia dominante y el realismo estaba mal visto; se consideraba un arte que copiaba de fotografías o de la realidad sin ningún interés.

Chuck Close

Utiliza la fotografía como medio para hacer sus retratos, que se apartan totalmente del retrato tradicional y se acercan más al estilo cartelístico y a su sugestivo principio cinematográfico del primer plano en súper pantalla. Trata problemas como la percepción del espectador y la focalidad. No parte de la realidad, sino que la aborda indirectamente a través de la fotografía que proyecta sobre el lienzo. No hay huellas de pinceladas y el artista parece estar ausente.

Richard Estes

Conocido por sus cuadros de escaparates y escenas urbanas, utiliza varias diapositivas del mismo objeto, de modo que en sus cuadros se ve no solo el escaparate, sino también lo que hay dentro de la tienda y lo que se refleja en el cristal. Sus lugares públicos están desiertos, en un modo de abstraer la funcionalidad de lo representado que es típico del fotorrealismo.

Antonio López

Sus cuadros se desarrollan a lo largo de varios años, décadas en ocasiones, con una plasmación lenta y meditada, destilando con cada pincelada la esencia del objeto o paisaje, hasta que el artista consigue plasmar dicha esencia. Busca entre la realidad que le rodea aquellos aspectos cotidianos, que él recoge con un tratamiento pleno de detallismo.

Sus preferencias van desde las vistas de Madrid hasta los retratos de sus familiares, pasando por los objetos más cotidianos y cercanos.

Eduardo Naranjo

Posee un hiperrealismo onírico; fractura de forma fantasmagórica las figuras que evocan sueños. Es un artista al margen de las modas y de escasísimas muestras personales; en cambio, participa en innumerables colectivas junto a otros grandes contemporáneos. Su obra es muy seguida en China.

Escultura

Escultura Expresionista Española

Julio González

Es quizá el principal escultor del periodo de entreguerras. Catalán, de familia de orfebres y herreros, familiarizado con la forja y los diseños ornamentales de joyería modernista, reside en París desde 1900, donde realiza dibujos, pinturas, trabajos de orfebrería y escultura en bronce. En 1937 presenta en la Exposición Internacional de París su Montserrat, de tremendo dramatismo, reflejo del dolor de la situación de una España desgarrada por la guerra. Es el primero en utilizar el hierro de forma sistemática.

La cabeza de la Montserrat

Es la culminación de este proceso. La obra quedó inacabada. Muestra el rostro de una mujer sencilla, fuerte y humilde, con el pañuelo en la cabeza, llena de fuerza, de rabia y de dolor por la situación de angustia que padece.

Victorio Macho

Recoge los innovadores latidos neocubistas y expresionistas del modelado, sin olvidarse del gran aprendizaje que le supuso el realismo plástico. Supo fundir en el mejor crisol lo viejo con lo nuevo.

Escultura Vasca: Oteiza, Chillida e Ibarrola

Eduardo Chillida

Escultor español conocido por sus trabajos en hierro y en hormigón, destacado continuador de la tradición de Julio González y Pablo Picasso. Sus primeras esculturas son obras figurativas que lo acercan al lenguaje de Henry Moore. En 1949 realizó Metamorfosis, obra que ya puede ser considerada abstracta.

• 1951: Esculturas no imitativas en las que destaca su preocupación por la introducción de espacios abiertos. Huye de la imitación de la naturaleza y va en busca de la creación e invención. Cada una de sus obras plantea un problema espacial que trata de resolver con la ayuda del material.
• 1957: Etapa de experimentación. Hasta entonces, en su lenguaje predominaban las líneas horizontales, verticales y curvas; ahora adoptará ritmos lineales más movidos e inquietos, de difícil comprensión. Ejemplos: Hierros de temblor o Ikaraundi (Gran temblor). También elabora Rumor de límites.

Materiales: Primero hierro; posteriormente introdujo madera, hormigón, acero, piedra, alabastro. En la serie Alrededor del vacío, emplea el acero. Elogio a la luz: trece ensayos de volúmenes ortogonales, cuyas paredes están atravesadas por breves y estrechos corredores que, rectos y curvos, juegan con la luz y la sombra.

Jorge de Oteiza

Estatuaria para el friso y la fachada de la Basílica de Nuestra Señora de Arantzazu (1949-51), obra del arquitecto Francisco Javier Sáenz de Oiza. En esta gran obra, Oteiza pone en práctica sus teorías sobre el debilitamiento de la expresión figurativa, aplicándolas a un tema religioso. La Iglesia prohíbe los trabajos, retrasando su conclusión a 1968, cuando se termina de colocar el friso de apóstoles y se coloca en la fachada una imagen de la Virgen con el hijo muerto a sus pies.

Se embarca en lo que denomina su Propósito Experimental (1955), título con el que se presenta en la Bienal de São Paulo (1957), donde obtiene el premio extraordinario de escultura. En 1959, por entender que había alcanzado su fase conclusiva, decide abandonar la actividad escultórica. En estos cinco años de actividad, Oteiza realiza una operación de gran trascendencia, al situar su obra en la senda de la tradición geométrica europea, reivindicando el Neoplasticismo y el Constructivismo soviético.

La recuperación de las estéticas geométricas europeas y su influencia en la cultura vasca generan las bases de lo que se denomina la Escuela Vasca de Escultura.

Abstracción Geométrica Escultórica

Martín Chirino

Dos principios: el hierro forjado, material mayoritario de sus esculturas; y la espiral, en cuanto símbolo y solución formal recurrente a lo largo de toda su carrera. Ahí se contienen sintetizados los fundamentos de su trabajo: la noción del plegado y desplegado, el desarrollo horizontal y vertical en el espacio y la curvatura de un material que en sus manos, y recuperando la tradición de la forja, se hace dúctil. La producción escultórica de Chirino se extiende y agrupa cronológicamente.

Amadeo Gabino

Pintor, escultor y grabador español. Su obra consiste sobre todo en complejos objetos metálicos abstractos y collages constructivistas. Representando a España, participó en las ediciones de 1956 y 1966 de la Bienal de Venecia. Mostró su obra en varias exposiciones en Alemania y España. En 1998, se erigió su escultura monumental Homenaje a Anton Bruckner.

Pablo Palazuelo

Palazuelo concibe el arte como «un camino para dar salida a los problemas humanos». Sus referencias a la historia de la pintura son continuas, y es especialmente importante la influencia en su trabajo de la noción de línea derivada de la obra de Klee, que supone una auténtica revelación para él. También reivindica en sus inicios su interés por constructivistas rusos como Gabo y Pevsner, aun cuando rehúsa su concepción científica de la geometría.

La obra de Palazuelo ha sido clasificada por la historiografía de los últimos treinta años como una abstracción de tipo idealista.

Pablo Serrano

Recupera en su trabajo materiales y técnicas, como las escorias o la forja del hierro. Trabaja la figura humana y el retrato, tanto en su vertiente íntima y expresiva como monumental. Este segundo aspecto enlaza además con su defensa de la función monumental de la escultura.

Su conjunto monumental más importante son dos grandes esculturas que flanquean el Ayuntamiento de Zaragoza (1965), así como el gran relieve de la Venida de la Virgen del Pilar (1969), en la fachada de la Basílica.

Gustavo Torner

Sus primeras obras toman de la naturaleza los temas, y posteriormente encontraremos que el interés por el mundo natural es una constante en toda su obra. En 1956 realiza su primera obra abstracta, Roca. A partir de aquí comienza una etapa artística dentro de la corriente informalista.

En los años 60, busca una mayor expresividad, de modo que la madera o el metal sustituyen al convencional lienzo, y aparecen ya todo tipo de objetos y materiales: nailon, piel sintética, cartón, plástico, etc.

Arte Cinético y Eusebio Sempere

El Arte Cinético es una corriente de arte en que las obras tienen movimiento o parecen tenerlo. Iniciada a mitad de los años 60 hasta mediados de los 70.

• Se basa en la búsqueda de movimiento; en la mayoría de las obras el movimiento es real, no virtual.
• El artista se plantea y sigue una estructura rigurosamente planificada.
• Son tridimensionales.
• Recursos para crear movimiento: viento, agua, motores, luz, electromagnetismo, etc.
• Busca la integración entre obra y espectador.

Diferentes tipos de obras cinéticas según la manera en que producen sensación de movimiento:

1. Estables: Son aquellas obras cuyos elementos son fijos, dispuestos de tal manera que el espectador deba rodearlos para percibir el movimiento.
2. Móviles: Son obras que producen un movimiento real debido a diferentes causas, cambiando su estructura constantemente.
3. Penetrables: La obra es un ensamblaje en un espacio real que requiere que el espectador entre en ella para poder percibirla a medida que la recorre.

Eusebio Sempere

Escultor, pintor y artista gráfico español. Es el artista más representativo del movimiento cinético en su país. La línea, su repetición y un gran dominio del color, que logra hacer vibrar la luz, van a dar profundidad a sus composiciones pictóricas.

1953: Deja de trabajar lo figurativo para dedicarse a la pintura abstracta y la geometría, indagando y utilizando gouaches, cartulinas y acuarelas.

1959: Participa en la Bienal de São Paulo y en 1960 en la Bienal de Venecia.

Años 70: Se dedica a la escultura, pues ve en esta grandes posibilidades para trabajar con lo cinético, lo óptico y la luz.

Fotografía

Fotógrafos Relevantes: Hamilton, Gyenes e Irving Penn

David Hamilton

Fotógrafo inglés autodidacta, famoso desde la década de 1970 por sus series de retratos de mujeres adolescentes desnudas o semidesnudas. Su estilo característico, en el que suelen predominar los colores suaves, atmósferas difuminadas y el grano grueso, acabó llamándose «hamiltoniano». Su modelo busca transmitir perfección, elegancia innata, naturalidad, inocencia y sutil erotismo.

Juan Gyenes

Una foto suya de Francisco Franco fue seleccionada para la impresión de una popular serie de sellos de Correos con su efigie. Realizó retratos a personajes conocidos españoles. Los retratados se presentan en su espacio habitual, rodeados por sus objetos, que funcionan como una escenografía que ayuda a comprender la personalidad del retratado.

Irving Penn

Retratista y fotógrafo de moda estadounidense. Realizó un amplio espectro de trabajos, especialmente para la revista Vogue, pero también retratos, fotografía publicitaria y de tribus. El clásico «menos es más» se convirtió en su lema. El dominio de la luz en estudio y el fuerte contraste del blanco y negro fueron su marca personal.