Fundamentos: De la Persistencia Retiniana al Kinetoscopio

Persistencia retiniana

Es la capacidad del ser humano de captar imágenes durante una fracción de segundo. Se trata de la estimulación y la relajación de las células del ojo por un impulso luminoso. Es lo que nos permite ver cine. Este fenómeno da lugar a numerosos juguetes ópticos.

Daguerrotipo

Procedimiento novedoso que aparece a mediados del siglo XIX; es un nuevo procedimiento fotográfico. Consigue que, sobre una superficie de plata pulida, los vapores del mercurio reflejen las formas.

Eadweard Muybridge

Inventor del fusil fotográfico, que realiza una gran cantidad de fotos en un corto espacio de tiempo. Descompuso el galope de un caballo en 24 fotografías, acercándose al cine, aunque no fue el inventor del cine. La descomposición del galope de un caballo fue la primera “película” en 1878; todavía no era cine.

Kinetoscopio

Aparato destinado a la visión individual de bandas de imágenes sin fin, pero que no permitía su proyección sobre una pantalla. Fue utilizado por Thomas Edison para mostrar imágenes en movimiento.

El Lenguaje del Cine: Planos, Encuadre y Técnicas Esenciales

Plano

Unidad mínima cinematográfica. Proceso de captura cinematográfica desde su inicio hasta el final.

Plano-contraplano

Se alternan planos opuestos, normalmente con una función narrativa, usualmente en un diálogo. Nunca planos directamente opuestos.

Profundidad de campo

Espacio longitudinal que se divisa nítidamente en el plano. Se consigue colocando objetos geométricos a lo largo del eje Z y también con la superposición de sujetos u objetos.

Eje

El eje escénico o de acción es la trayectoria que sigue en pantalla cualquier elemento móvil. El eje de cámara es la línea imaginaria que coincide con el objetivo de la cámara. El eje es un concepto necesario para mantener la ubicación y una geografía concreta en los espacios de realización cinematográficos y audiovisuales.

Regla de los tercios

Esta regla divide el encuadre en nueve secciones iguales mediante dos líneas horizontales y dos verticales equidistantes. Los puntos de intersección de estas líneas son considerados puntos fuertes donde se recomienda situar los elementos importantes de la composición. Los objetos se disponen de forma equilibrada, y el espacio asignado a un objeto se relaciona con su importancia en la historia.

Encuadre

Elemento común a la pintura y la fotografía. Es el cuadro limitador, el rectángulo interpuesto entre el ojo humano y lo que capta la cámara. Tiene puntos de referencia y ejes de simetría. En la fotografía y el cine, para que haya encuadre tiene que haber cámara; si no hay cámara, no hay encuadre. Está ligado al punto de vista, dado que cada uno tiene una visión distinta de la realidad. El encuadre capta una porción de la realidad, no la realidad completa. En función de lo que queramos que transmita la imagen, introducimos o extraemos determinados elementos del encuadre en el campo visual. El encuadre es la capacidad para seleccionar y poner límites al mundo imaginario encerrado en el plano. “El lugar donde se coloca la cámara no es una cuestión estética, sino moral”.

Stop motion

Técnica cinematográfica que consiste en la creación de la ilusión de movimiento a través de una sucesión de imágenes fijas.

Pioneros del cine (o Primitivos del cine)

Aquellos que crearon el cine en su etapa inicial: finales del siglo XIX y principios del XX.

Georges Méliès

Representa el encuentro entre el fotógrafo y el ilusionista de teatro, dando lugar a obras maravillosas como El hombre orquesta (1900) y El hombre de la cabeza de goma (1901). Sus primeras obras seguían la fórmula de los Lumière: “escenas naturales”. Pero Méliès pronto descubrió accidentalmente el paso de manivela (o truco de parada), que permitía el trucaje por sustitución (escenas de transformación), un precursor de lo que hoy se conoce como efectos especiales y ciertas técnicas de montaje. También exploró las fantasmagorías: el arte de representar figuras por medio de una ilusión óptica. Ejemplo: Le Manoir du Diable (The Haunted Castle) (1896). En 1897, construyó uno de los primeros estudios cinematográficos, el Star Film, en Montreuil, diseñado para aprovechar la luz natural y los espacios escénicos. Entre 1896 y 1913 rodó más de 500 películas, de las cuales se conserva aproximadamente una décima parte. Aplicó la técnica de sobreimpresión, que consiste en superponer fotogramas. También realizó aportaciones fantasiosas al género de actualidades con sus “actualidades reconstruidas”, que consistían en recrear hechos históricos o contemporáneos. Ejemplos: la reconstrucción de la explosión del USS Maine y su famosa Viaje a la Luna (1902).

Segundo de Chomón

Fue un pionero en la técnica de animación paso a paso (o imagen por imagen), fundamental para el stop motion, logrando el movimiento de objetos inertes. Ejemplo: El hotel eléctrico (1908).

Significado y Construcción: Semiótica y Montaje Cinematográfico

Semiótica

Teoría general que estudia los signos. Dentro del cine, cada plano tiene un significado y puede considerarse un signo. La unión de los distintos planos generará diferentes significados y producirá diversas sensaciones; por lo tanto, la semiótica juega un papel importante en la selección de los planos y en la interpretación del significado de cada plano o secuencia.

Encadenado (Dissolve)

Transición en la que dos planos conviven en el mismo tiempo; uno se está desvaneciendo mientras el otro está apareciendo.

Corte (Cut) o Edición (Editing)

Montaje (unir y separar planos). Crea linealidad, elipsis o continuidad narrativa.

Signo cinematográfico

Un signo es toda imagen o elemento que representa o sustituye a otro (referente). Es decir, es una imagen que nos remite a otra idea, concepto u objeto. El cine, por tanto, está repleto de signos, denominados signos cinematográficos. Por ejemplo, la utilización de un tipo de plano u otro tendrá un significado distinto según lo que se quiera transmitir. Como, por ejemplo, los planos picados, que pueden transmitir una sensación de inferioridad del sujeto, y los planos contrapicados, que pueden sugerir superioridad o poder.

Creación de Mundos: Caracterización, Ambientación y Punto de Vista

Caracterización

Definición: “Determinar los atributos peculiares de algo o alguien de modo que sea claramente distinguible de los demás”.

• Caracterización externa: “Adecuación de un actor en cuanto a rasgos físicos, el uso del maquillaje y el vestuario del personaje que debe interpretar”.
• Caracterización interna: Elementos psicológicos, el comportamiento o las actitudes que nos indican la forma de ser de los personajes.

Ambientación

Espacio donde se desarrolla la escena. Puede ser fundamental para caracterizar a un personaje y, por lo tanto, al episodio que ocurre. Los escenarios pueden ser:

• Naturales (sin modificar).
• Híbridos (paisaje natural intervenido).
• Artificiales (construidos: plató, estudio de rodaje, transformación digital de imágenes).

Punto de vista

Se trata de cómo se narran las historias. Influye en el encuadre. Son técnicas de narración empleadas para crear situaciones, como la cámara subjetiva, el campo-contracampo, los ángulos de visión y los planos detalle. “El lugar donde colocas la cámara no es una cuestión estética, sino moral”. Punto de vista literal: Cuando el punto de vista de la cámara coincide con la mirada de un personaje.

La Mirada Técnica: Composición, Fotografía y Sonido

Ejes (en la composición)

El encuadre viene definido por dos ejes: el eje horizontal (X) y el eje vertical (Y). Mediante el uso de elementos visuales se puede crear un tercer eje: el eje Z o eje de profundidad. Es habitual que los directores creen composiciones en profundidad, enfatizando el eje Z. Los ejes también definen los espacios en los que se divide el encuadre (ver Regla de los tercios).

Campo

Espacio visual contenido dentro de los límites del encuadre. Lo que la cámara muestra.

Regla de Hitchcock

El tamaño de los objetos en el plano estará directamente relacionado con su valor narrativo. Sirve especialmente para planos detalle y primeros planos.

Director de fotografía

Responsable de toda la parte visual (esencia visual, estética visual) de la película, también desde el punto de vista conceptual (portador de significado), determinando la tonalidad general de la imagen y la atmósfera óptica de la película.

Marcas visuales (para la profundidad)

Son una estrategia visual para generar el eje Z y la sensación de profundidad. Se utilizan para superar la bidimensionalidad del plano. Existen varias técnicas para añadir profundidad:

• Marcas visuales relativas: Si dos objetos son del mismo tamaño aparente, el que parece más pequeño se percibe como más lejano. Los cineastas logran esto colocando objetos y sujetos a lo largo del eje Z.
• Superposición de objetos: Cuando un objeto oculta parcialmente a otro, percibimos que el objeto que oculta está más cerca de nosotros.

Foquista o Primer Asistente de Cámara

Es responsable de mantener el enfoque de la lente según el movimiento de la cámara, los actores, la distancia focal y las indicaciones del director.

Música diegética

Aquella cuya fuente sonora está presente en la escena y es audible para los personajes. Forma parte del mundo narrativo de la película. Puede ayudar a avanzar la narración, establecer el ambiente o caracterizar personajes.

Explorando Universos Narrativos: Géneros y Subgéneros Cinematográficos

Ciencia ficción

Género cinematográfico de raíces literarias que se basa en elementos de carácter extraordinario, a menudo especulativos y basados en avances científicos o tecnológicos. La ciencia ficción tiene un importantísimo componente visual y puede ambientarse en el pasado (real o imaginario), el presente (real o imaginario) o el futuro. Suele incluir elementos técnicos, científicos o pseudocientíficos. Toda temática de ciencia ficción requiere una ambientación muy bien realizada, además de una caracterización detallada, diseño de maquinaria, etc. Las combinaciones temáticas de la ciencia ficción son inagotables. Este género da lugar a subgéneros como la política ficción o el terror científico.

Gore

Variante del género de terror que busca la repugnancia y el asco a través de la representación explícita de violencia y mutilaciones. Es el perfecto ejemplo de los excesos de sangre y violencia gráfica. En él se representan numerosos sucesos violentos y explícitos.

Subgénero

Variante de un género que comparte con este aspectos de la trama, los personajes, la ambientación y la estética, pero con características distintivas propias. En definitiva, todo género se asienta en un contenido y una forma que, a fuerza de repetición y variación, pueden dar lugar a la creación de subgéneros.

Péplum

Subgénero del cine histórico ambientado en la Antigüedad clásica, principalmente la griega y romana.

Neo-noir

A partir de la década de los 70, el cine negro clásico comienza a evolucionar. Cineastas posteriores rescataron sus elementos esenciales, cambiando o actualizando la ambientación o las temáticas. A menudo es un cine más explícito en su violencia y con una visión más cínica.

Género dramático

Género cinematográfico con raíces literarias. Es aquel en el que se presentan dos o más seres humanos en términos de conflicto o confrontación. Se busca producir emoción en el público mediante intrigas apasionadas o contrastes de personalidades. Los personajes, movidos por sus acciones y emociones, pueden llegar a no ser dueños de su destino. Muchas veces el drama culmina en consecuencias trágicas, incluyendo la muerte. Busca conmovernos, llevarnos a la catarsis. Una variante muy conocida del cine dramático es el cine romántico, y otra variante importante es el melodrama.

Revolución en la Pantalla: Vanguardias del Cine Soviético

Efecto Kuleshov

Lev Kuleshov demostró un efecto que aparecería en todos los manuales de cine posteriores, pues consigue infundir una carga emocional de diverso signo a un único primer plano inexpresivo del actor Iván Mozzhujin (Mosjukin) según el contenido del plano que se le yuxtapone.

FEKS (Fábrica del Actor Excéntrico)

Grupo vanguardista con influencia en el cine soviético temprano. Promovían un excentricismo vanguardista inspirado en movimientos teatrales que incorporaban recursos del circo y del music hall. Sus características principales incluían: caracterización marcada, montaje sincopado y un uso expresivo del foco.

Cine-Ojo (Kino-Glaz) de Dziga Vértov

El Cine-Ojo se basa en la idea de que la cámara puede ser una extensión perfeccionada del ojo humano, capaz de captar la realidad de forma más objetiva. Dziga Vértov argumentaba que la cámara, liberada de las limitaciones humanas y potenciada por el montaje, podía revelar una verdad más profunda que la simple percepción ocular. El objetivo de Vértov era desembarazar las imágenes de su artificiosidad (como guiones, actores profesionales, decorados) para conseguir una “objetividad integral” y capturar la “vida al improviso”. En el Cine-Ojo se empleaban diversas técnicas cinematográficas de forma innovadora: cámara lenta, aceleración, retroceso, manipulación de la relación entre tiempo real y tiempo fílmico, y stop motion.

Vsévolod Pudovkin

Director de cine soviético que utilizó la técnica del montaje paralelo (desarrollada por cineastas como D.W. Griffith, figura clave del cine primitivo norteamericano). Esta técnica presenta de manera alterna lo que está sucediendo en dos o más escenas diferentes, a menudo simultáneas, para aumentar la tensión narrativa o establecer comparaciones. Llegó al cine a través del Laboratorio Experimental dirigido por Lev Kuleshov. Trabajaba con “guiones de hierro”, es decir, guiones minuciosamente preparados que no dejaban espacio para la improvisación. Consideraba que el montaje debía planificarse a priori, es decir, sobre el guion escrito (montaje constructivo). Su teoría del montaje se basaba en la idea de que la combinación de planos podía generar conceptos abstractos (por ejemplo, la yuxtaposición de imágenes como “boca + perro = ladrido” o “ojo + agua = llorar” ilustra cómo se pueden construir significados). Buscaba un realismo implacable en sus imágenes, a menudo con un fuerte contenido emocional y social.

Maestros Pioneros: Ernst Lubitsch y su Legado

Ernst Lubitsch

Cineasta alemán, inicialmente asociado con el cine histórico y la comedia en Alemania. Su cine se caracteriza por la elegancia, la ironía y la insinuación, conocido como el “toque Lubitsch”. Destacó especialmente en el género musical y, sobre todo, en las comedias sofisticadas. En Estados Unidos continuó su brillante carrera a partir de 1922, tanto en el cine mudo como en el sonoro. Algunas de sus obras destacadas son La princesa de las ostras (1919), Madame DuBarry (1919) y Ninotchka (1939).