El Cómic Europeo y la Influencia de Hergé: Las Aventuras de Tintín

Las aventuras de Tintín es una de las series de historieta europeas más influyentes del siglo XX. Creada por el autor belga Georges Remi (Hergé), y característica del estilo gráfico y narrativo conocido como “línea clara”, está constituida por un total de 24 álbumes. El primero de ellos se publicó en 1930 y el penúltimo en 1976 (el último, Tintín y el Arte-Alfa, no llegó a terminarse, aunque se publicaron posteriormente los bocetos realizados por el autor).

En la serie, junto a Tintín, un intrépido reportero de aspecto juvenil y edad nunca aclarada que viaja por todo el mundo con su perro Milú, hay una serie de personajes secundarios que han alcanzado tanta o más celebridad que el protagonista; entre ellos, el capitán Haddock. Las aventuras de estos personajes están cuidadosamente ambientadas en escenarios reales de los cinco continentes, y en lugares imaginarios creados por Hergé.

Claves Sociológicas y Personales de los Superhéroes del Cómic

En 1938 nace Superman, el primer superhéroe de cómics que ha permanecido hasta nuestros días y que ha sido llevado a la televisión y al cine. En junio de ese año, el editor Max Gaines aprobó su publicación en la revista Action Comics, al precio de diez centavos. El éxito fue instantáneo; en dos semanas, la edición #1 de la revista Action Comics, en la que se publicó la primera aventura de Superman, se agotó. Este fue el inicio de la avalancha de superhéroes que coparon el mercado de los magazines de cómics o revistas de historietas de los años 30 y 40. Se le conoce como un superhombre proveniente de otro planeta que hacía el bien.

Batman: El Caballero de la Noche

Batman es una serie de cómics con el héroe homónimo de DC Comics, creada en 1939. En 1940, un mes después de la primera aparición de Batman, apareció su nuevo compañero, Robin el Chico Maravilla. Sus autores son Bob Kane y Bill Finger. El Caballero de la Noche es un emblema de DC. A diferencia de muchos otros superhéroes, Batman no posee superpoderes, por lo que hace uso de sus conocimientos científicos, habilidades detectivescas y una gran destreza física. Así como tampoco utiliza armas de fuego, ya que manifiesta un rechazo a las mismas debido al asesinato de sus padres perpetrado con un arma de fuego. Es conocido como uno de los mejores detectives del planeta y es temido por no matar, pero sí hacer daño de manera eficaz.

Captain America: El Supersoldado Patriota

Captain America, creado por Joe Simon y Jack Kirby, es el superpatriota supersoldado de los Estados Unidos. Steve Rogers fue inoculado con un misterioso suero del supersoldado desarrollado por el profesor Reinstein para el gobierno estadounidense, lo que le permitió “aumentar su físico y mejorar sus tejidos cerebrales hasta alcanzar una estatura e inteligencia sorprendentes”. Además de sus habilidades de combate, Rogers tiene una gran habilidad arrojando su escudo, pudiendo impactar contra varios blancos con un solo lanzamiento. Debutó en 1941 en Captain America Comics #1, número que en la portada mostraba al Capi metiéndole un sonoro puñetazo al mismísimo Hitler. El número vendió un millón de copias.

La Comedia Ácida y Amarga en el Cine

Las claves de la comedia se dividieron en dos grupos:

1. Sátira Cómica: El Gran Dictador de Charlie Chaplin

   La sátira cómica se refleja en El Gran Dictador de Charlie Chaplin. La película logra un balance casi imposible: una sátira cómica de Hitler, al tiempo que una contundente denuncia pública sobre el Holocausto de los judíos, erigiéndose como el primer largometraje antinazi de la historia. Chaplin, quien fuera la leyenda del cine mudo, realizó uno de los discursos más memorables de la historia del cine, un manifiesto humanista en su máxima expresión.

2. Comedia Sofisticada: To Be or Not to Be de Ernst Lubitsch

   Por otro lado, tenemos la comedia sofisticada, que se desarrolla en ambientes aristocráticos o entre la alta sociedad y tiene como principal objetivo la evasión. Son esas comedias plagadas de diálogos brillantes, repletas de situaciones equívocas y todo tipo de confusiones que, a pesar de su cariz ingenuo o amable, solían destacar la hipocresía latente en la sociedad. To Be or Not to Be de Ernst Lubitsch, también llamada Ser o no ser, es una parodia más divertida e inspirada que ha hecho el cine sobre Hitler y el nazismo. Lubitsch utiliza la comedia no como un género ligero, sino como un arma magistral y afilada contra el apogeo nazi. A través de la caricaturización del opresor, consigue desautorizar sus actos y su ideología. A pesar de las innumerables críticas que recibió por este enfoque, su atrevimiento es indudable y solo el paso del tiempo le dio el lugar que merecía. En España, por ejemplo, no se estrenó hasta 1971, casi treinta años después de ser filmada.

El Género del Suspense y la Maestría de Alfred Hitchcock

El suspense, según Hitchcock, es la sensación que tiene el espectador de que está en posesión de una información que el actor desconoce, de que algo va a pasar y está esperando que pase. Se dice con frecuencia que más que dirigir películas, Hitchcock dirigía a los propios espectadores. Decía que el público era un gigantesco instrumento que el cineasta podía tocar a su antojo.

Para ello, el genio creativo de Hitchcock se expresa a través de una serie de efectos visuales o auditivos, de trucos sorprendentes destinados a hacer que el público quede sobrecogido o se ría nerviosamente. Empleó medios no utilizados hasta su época, o de manera tan creativa que se pueden considerar a casi todas sus películas como experimentales. Utilizaba montajes sorprendentes de imagen y sonido, fantasías elaboradas a partir de trucos ópticos, de la multiplicación de lentes y la superposición de imágenes. Y mediante otro tipo de efectos provocaba la complicidad del espectador, que quedaba preso en las redes de su montaje.

La Bauhaus y su Legado en el Diseño Industrial y Gráfico

La Bauhaus fue la que sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico. Puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus, estas dos profesiones no existían como tales y fueron concebidas dentro de esta escuela, incorporando una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana.

Siendo director Ludwig Mies van der Rohe, la escuela sufrió por el acosante crecimiento del nacionalsocialismo. Debido a que la ideología Bauhaus era vista como socialista, internacionalista y judía, los nazis cerraron la escuela. Muchos de sus integrantes, refugiados, se instalaron finalmente en Estados Unidos para seguir con sus ideales, donde fundaron la Nueva Bauhaus en 1937 en Chicago. Se considera que esta escuela es la creadora del diseño industrial y gráfico tal y como se conocen hoy en día, y tuvo un profundo impacto en todas las manifestaciones artísticas y arquitectónicas posteriores.

Arquitectura Moderna: La Capilla de Ronchamp de Le Corbusier

Autor:

Le Corbusier

Fecha:

1954

Movimiento:

Origen del movimiento brutalista, donde el hormigón no se encubre bajo capas de pintura y se nos muestra en “bruto”, con potente presencia táctil.

Localización:

Ronchamp, Francia

Soporte:

Hormigón, mampostería y cristal

Análisis Formal

La capilla forma parte de un conjunto arquitectónico que, al estilo de la Acrópolis, requiere un descubrimiento mediante el recorrido al que invita la colina: para acceder a la visión de la capilla es necesario llegar a la cima. Conviene recordar su carácter de lugar de peregrinación y, como consecuencia de ello, la idea del camino espiritual que simboliza el ascenso hasta la capilla.

El edificio se concibe como un hito autónomo de formas libres, con muros blancos, ladeados y aparentemente macizos, y una cubierta, además de tres torres semicilíndricas. La planta se configura a base de muros de diferente grosor, creando un espacio orgánico de base mediterránea. Todos ellos son de color blanco, evidenciando la depuración estética de los postulados arquitectónicos; la cubierta gris otorga el contrapunto cromático. Las zonas curvas recogen diferentes altares para diferenciar los cultos y los diversos oficios, correspondiéndose en el exterior con las torres laterales de hormigón encofrado. Las fachadas son limpias, lisas y blancas, un rasgo característico del Movimiento Moderno y su interés por resaltar los volúmenes en lugar de la decoración.

El muro de la fachada sur es grueso e inclinado, con numerosas perforaciones. El carácter horadado de la pared permite que a través de los vanos penetren haces de luz tamizada mediante vidrieras de motivos abstractos con vivos cromatismos.

Análisis Iconográfico

Este pequeño templo, concebido como un monumento escultórico, es un manifiesto de los postulados de la arquitectura propugnada por el Movimiento Moderno: los edificios no se captan con un golpe de vista, sino que trascienden la simplicidad espacial de modelos anteriores, requiriendo un recorrido, un paseo, para que el espectador se introduzca y comprenda en su totalidad la obra. No basta con contemplarla, como un cuadro: hay que recorrerla, experimentarla, vivirla, y la presencia simbólica de la luz desempeña un papel fundamental.

El Pabellón de Barcelona de Mies van der Rohe: Un Hito del Racionalismo

Autor:

Mies van der Rohe

Fecha:

1929

Movimiento:

Racionalismo

Localización:

Parque de Montjuic (Barcelona)

Soporte:

Vidrio, acero, ónix, granito, mármol

El Pabellón Alemán fue diseñado por el arquitecto Ludwig Mies van der Rohe en 1929 como la obra de representación alemana para la Exposición Internacional de Barcelona celebrada en Montjuic. El Pabellón se concibió como un recinto de modestas dimensiones y refinados materiales. Vidrio, acero y cuatro clases de mármol estaban destinados a albergar la recepción oficial presidida por el rey Alfonso XIII junto a las autoridades alemanas.

La originalidad en el uso de los materiales, siempre destacada en la obra, no radica en la novedad de los mismos, sino en el ideal de modernidad que representaban y su aplicación rigurosa en cuanto a su geometría, la precisión de sus piezas y la claridad de su montaje. Conocido como una de las obras más relevantes de la arquitectura moderna, el pabellón se caracteriza por la simpleza radical de su organización espacial y formas, junto con una ostentosa elegancia de los materiales aplicados. Se aprecia el gusto de su creador por la arquitectura tradicional japonesa, el suprematismo y el neoplasticismo. Los muros se disponen de tal modo que generan una absoluta fluidez espacial en el interior del edificio. Amplios ventanales continuos dibujan el límite exterior, declarando así la transparencia y la idea de libertad.

La Casa de la Cascada: Arquitectura Orgánica de Frank Lloyd Wright

Obra:

La Casa de la Cascada

Autor:

Frank Lloyd Wright

Fecha:

1935-1939

Movimiento:

Arquitectura Orgánica

Localización:

Estados Unidos

Materiales:

Hormigón armado, piedra natural, cristal y aluminio

Análisis

Este edificio, construido en tres niveles, se asienta en una roca sobre una cascada natural situada en medio del bosque salvaje de Pensilvania. Se accede por una discreta vía de acceso peatonal.

Su composición es horizontal. El eje vertical queda definido por la chimenea que sobresale por encima de la cubierta. El edificio crece de dentro hacia afuera y se va extendiendo según las necesidades de sus moradores. Por lo tanto, puede modificarse, ya que en la arquitectura orgánica la construcción se concibe como algo vivo y que puede cambiar. Cada piso está marcado por amplios voladizos que se proyectan asimétricamente en varias direcciones. En realidad, son terrazas limitadas por placas lisas de hormigón. Para adoptar esta solución, Wright se inspiró en la arquitectura japonesa.

El exterior de la casa mantiene una íntima relación con la naturaleza que la rodea. El arquitecto procuró emplear materiales naturales (madera, ladrillo, roca), con lo que logró una mayor integración entre el edificio y el bosque que lo envuelve. Con esta obra, Wright consigue la máxima libertad de expresión manteniendo la armonía con el entorno. Con la integración de agua, árboles, roca, cielo y naturaleza en toda la vivienda, se cierra una cierta visión romántica de la casa, pero abre una nueva dimensión espacio-temporal para el refugio del hombre. El diseño de la casa es una clara muestra de la arquitectura naturalista, ya que todas las decisiones tomadas para su construcción van encaminadas a integrar la edificación con el paisaje y hacer que la obra se convierta en un elemento natural más del entorno, en plena armonía con el mismo y el paso del tiempo.

Escultura: “Figura Reclinada” de Henry Moore

Año:

1924/49

Ubicación:

Tate Modern Gallery (Londres)

Técnica:

Talla en piedra

Género:

Abstracción Orgánica

Forma escultórica:

Bulto redondo

Estilo:

Abstracción Orgánica/Figuración Postpicassiana

Análisis

En origen, la obra fue un encargo para que permaneciera a la intemperie en las proximidades de las colinas de Sussex, al sur de Inglaterra, por lo que para su autor era muy importante que la obra se integrara estéticamente en el paisaje que le había de rodear. Para sus grandes obras, en muchas ocasiones partía de pequeños guijarros encontrados por azar para ir ideando la obra definitiva a un formato mucho mayor. Sus preferidas solían ser piedras arrastradas y bañadas por las aguas del mar, en las que era habitual que hubiera alguna oquedad o agujero. Por ejemplo, en el caso de esta escultura vemos que la talla es a partir de suaves curvas similares a las de la erosión marina y en el centro hay un agujero que también imita a esas formas naturales.

Entre 1926 y 1983, Henry Moore realizó gran cantidad de figuras de mujeres reclinadas. Muchas fueron hechas por encargo para decorar espacios públicos y otras se encuentran en el interior de museos. Henry Moore es un artista a veces abstracto y en ocasiones figurativo. De hecho, la figura humana siempre está presente en su concepción artística. Y también suele recurrir a las formas bastante sencillas. Si rodeamos la escultura, somos nosotros los que vamos descifrando esas formas y vamos componiendo esa figura humana, sus miembros y su postura. Todo ello a partir de los elementos básicos del cuerpo que únicamente se plasman desde la visión en un ángulo concreto.