Cubismo

El Cubismo es considerado la primera vanguardia, ya que rompe con la perspectiva; así, un objeto puede ser visto desde diferentes puntos de vista, se descompone la figura en sus partes mínimas. Desaparecen las gradaciones de luz y sombra y no se utilizan los colores de la realidad. Las formas geométricas invaden las composiciones (cubos, cilindros, esferas). Los principales temas son los retratos y las naturalezas muertas urbanas.

Protocubismo (1906-1908)

Es el periodo en el que Pablo Picasso comienza a romper con el realismo de sus épocas Azul y Rosa. Aparecen en sus obras influencias africanas y de Paul Cézanne, además de una desvinculación de lo establecido en el arte hasta ese momento. Se utilizan planos angulares sin fondo ni perspectiva.

Cubismo Analítico (1909-1912)

Fue practicado tanto por Braque como por Picasso, caracterizado por el análisis estructural de las formas. Las figuras se descomponen en múltiples partes, todas ellas geométricas. El objetivo era examinarlas y ordenarlas por separado. Se perdió el interés por el color y la luz.

Cubismo Sintético (1912-1919)

El objeto ya no fue analizado y desmembrado en todas sus partes, sino que se resumía su fisonomía esencial. Las formas se reconocían con más facilidad, y se volvió a usar el color de una manera más variada. Muchos otros artistas como Juan Gris y María Blanchard se unieron al estilo.

Surrealismo

André Breton, 1924.

Cine Expresionista Alemán

El Cine Expresionista Alemán surgió principalmente en Alemania. Mostró una temática variada que va desde el pasado medieval a recreaciones del futuro. Su técnica se caracterizó por el uso de ángulos extravagantes, decorados irreales y cercanos a la pesadilla; para ello, emplearon la técnica del claroscuro. Tuvo como fin que el espectador tuviera la sensación de estar en ambientes extraños o grotescos. Fue un movimiento cinematográfico que significó un antes y un después para la historia del cine. En la interpretación se emplearon movimientos brutos y duros. Los personajes se caracterizaron por aparentar ser misteriosos o siniestros.

Etapas en la Obra de Pablo Picasso

El pintor y escultor español Pablo Picasso (1881-1973) destacó por su importante aporte para la creación y desarrollo del Cubismo. Además, es considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX.

Años de Formación (1896-1901)

Primero bajo la tutela de su padre, profesor de Bellas Artes, continuando su formación artística en Barcelona, donde empezó a tomar contacto con los artistas modernistas y el ambiente bohemio.

Época Azul (1901-1904)

Se desarrolló entre Barcelona y París. Comenzó a partir del suicidio de su amigo Carlos Casagemas, hecho que lo conmovió profundamente y lo llevó a producir una serie de obras en las que predominaron los colores azules y el carácter melancólico y deprimente.

Época Rosa (1904-1906)

Picasso ya estaba establecido en París; allí realizó pinturas que mostraban tonos más cálidos, rosados o rojizos, escenas cotidianas de artistas de circo, u otras figuras con carácter más vivo y amable, aunque en general los rostros seguían expresando distanciamiento y frialdad.

Periodo Cubista (1909-1916)

Fue la etapa siguiente y la más representativa de Pablo Picasso. Picasso buscaba poner en valor los elementos básicos de una pintura pura, inspirándose en los objetos desde una perspectiva intelectual. Durante este periodo, Picasso decidió volver a la figuración realista.

Periodo Surrealista (1927-1934)

Presentó formas distorsionadas herederas de la figuración cubista, pero realizando composiciones que hacían referencia a monstruos o seres mitológicos y otras figuras extraídas de sueños o figuraciones oníricas.

Etapa Clasicista (1916-1925)

También llamada “período grecorromano”, que abarca desde 1916 a 1925. En esta etapa, Picasso estudió los modelos, las formas, los recursos de representación clásicos.

Periodo Expresionista (desde 1936)

Con el comienzo de la Guerra Civil Española (1936), Picasso inició un periodo caracterizado por rostros llenos de horror, una gama de colores sombría y temas relacionados con la guerra, el sufrimiento y la angustia.

Periodo de Vallauris / Última Etapa (desde los años 50)

A partir de los años 50, última etapa de su vida, en la que se dedicó con preferencia a la cerámica y a la escultura.

Un Perro Andaluz (Cortometraje de Luis Buñuel)

Un Perro Andaluz es un cortometraje de diecisiete minutos, mudo hasta la versión de 1960 a la que se añadió música, escrito, producido, dirigido e interpretado por Luis Buñuel en 1929, con la colaboración en el guion de Salvador Dalí. El rodaje duró quince días. Según Buñuel, se inspiró en dos sueños. Un Perro Andaluz es considerada la película más significativa del cine surrealista. Traspasando los esquemas narrativos canónicos, la película buscaba provocar un impacto moral en el espectador a través de la agresividad de la imagen. Remite constantemente al delirio y al sueño, tanto en las imágenes producidas como en el uso de un tempo no lineal de las secuencias. El nombre fue elegido porque no guardaba relación alguna con los temas del filme. Lorca se sintió aludido por el título, pero Buñuel lo negó, alegando que era el de un libro de poemas que él tenía escrito desde 1927. Tiene muchos planos; hay que resaltar su carácter de poema en imágenes. Buñuel señalaba la importancia que para él tenían los sueños en su vida, en el grupo surrealista de París y en su cine. Toda la cinta puede definirse como una sucesión de sueños encadenados. Una de las secuencias más impactantes de todo el cine es la de la navaja de afeitar que secciona un ojo de mujer. Para rodar la secuencia se utilizó el ojo de una vaca a la que se afeitó el pelo de la piel que lo rodeaba. En varias imágenes se pueden descubrir las obsesiones recurrentes en Buñuel y Dalí: la crítica a la educación impartida por la Iglesia, la represión sexual, la mano con hormigas o el cuerpo femenino, el hombre castigado cara a la pared, los pupitres, la rebelión ante la autoridad, o el deseo carnal. La película se rodó de forma muy artesanal debido a los pocos recursos disponibles por los entonces jóvenes artistas, pero usando al máximo su creatividad y su capacidad innovadora.

De Stijl y Neoplasticismo

Características

• Búsqueda de la renovación estética.
• Lenguaje plástico objetivo y, como consecuencia, universal.
• Eliminación de todo lo superfluo hasta dejar solo lo elemental, intentando llegar a la esencia.
• Depuración de las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales: líneas, planos y cubos.
• Planteamiento totalmente racionalista.
• Estructuración a base de una armonía de líneas y masas coloreadas rectangulares de diversa proporción, siempre verticales, horizontales o formando ángulos rectos.
• Nunca se recurre a la simetría, aunque hay un marcado sentido del equilibrio logrado por la compensación de las formas y los colores.
• Uso de pocos colores.
• Colores planos, de carácter saturado o puros (primarios: amarillo, azul, rojo) y tonales o neutros (blanco, negro y grises).
• Empleo de fondos claros.
• Es una orientación artística antitrágica: el arte no como expresión purgativa de sentimientos trágicos interiores del artista, sino como metáfora visual de armonía espiritual.

Theo Van Doesburg (1883-1931)

De formación autónoma, en sus primeros años realizó obras de ambiente naturalista, pero en 1915-16 su obra empezó un proceso de abstracción y geometrización coincidiendo con los contactos con los primeros miembros del grupo neoplasticista. En 1917, junto a Mondrian fundó la revista De Stijl, órgano de prensa del movimiento. Entre 1921 y 1923 siguió editando la revista desde Weimar, donde organizó unos cursos paralelos a los que se impartían en la escuela de arte Bauhaus sobre el nuevo estilo a los que asistieron muchos de los estudiantes y profesores de la misma. Durante su estancia en Weimar, Van Doesburg también había entablado amistad con los constructivistas rusos, especialmente con László Moholy-Nagy y El Lissitzky. Ambos movimientos tenían un objetivo común: proponer la reconstrucción material y espiritual del mundo. Aunque su estilo evolucionó siguiendo las teorías neoplasticistas, que defendían el uso de la línea recta y de los colores primarios, en 1925 Van Doesburg introdujo la diagonal en sus composiciones, lo que desencadenó la ruptura definitiva con Mondrian.