André Bazin: Ontología de la Imagen

La religión egipcia hacía depender la duración material del cuerpo de la necesidad humana de escapar de la inexorabilidad del tiempo. Con esta creencia, se descubre la función de la escultura: salvar al ser a través de las apariencias. La fotografía y el cine explican la crisis espiritual y técnica de la pintura moderna. Pero el acontecimiento decisivo fue la invención de la perspectiva, que permitió al artista crear un espacio en el que los objetos se sitúan de la misma manera en que son vistos.

A partir de ese descubrimiento, la pintura quedó dividida en dos tendencias:

• Estética: el simbolismo de las formas sobrepasa el modelo.
• Psicológica: reemplazar el mundo exterior por una representación igual (fotos).

¿Qué Aporta la Fotografía?

• Objetividad: afirmada por el conjunto de lentes que sustituyen al ojo humano, conocido como “objetivo”. Este carácter objetivo confiere a la fotografía una credibilidad ausente en la pintura, ya que está situada en un tiempo y espacio concretos. Revela lo real.
• Una imagen del mundo exterior se forma automáticamente sin la intervención humana.
• La personalidad del artista solo entra en juego en la elección y orientación de la cámara.
• Solo en la fotografía gozamos de la ausencia de la intervención humana directa.

El descubrimiento de la fotografía supuso la liberación de la pintura del realismo y le devolvió su autonomía estética, ya que dejó de hacer referencia directa a la naturaleza. Además, la fotografía sentó las bases para que el cine se convirtiera en un lenguaje propio.

Carlos Benet: La Cultura del Cine y el Montaje

La idea de montaje se entiende desde tres puntos de vista:

1. El Montaje y la Cultura Moderna

Entender el poder constructivo del montaje: cómo de él depende el sentido de una película. El aspecto cultural nos conduce a su relación con el desarrollo de la vida moderna. El cine, al igual que en la cadena de montaje de una fábrica, reúne la fragmentación del contenido y lo ensambla para que pase a través de otra máquina. Reconstruye estímulos para provocar una reacción en el espectador. Esta dimensión va unida a las polémicas estéticas de las vanguardias de los años 20. La fascinación por las máquinas, la vida en las metrópolis y el ritmo moderno derivaron en un enfrentamiento: si la vida y la realidad se fragmentaban, también el arte debía mostrar su proceso constructivo y perder su unidad orgánica. El montaje pasó a ser un elemento habitual en la sociedad de masas: carteles publicitarios, prensa, revistas o prensa política.

2. El Montaje como Tarea Técnica

Editing: cortar y pegar los trozos de una película y ajustarlos siguiendo unos parámetros que afectan a la continuidad o discontinuidad de las imágenes. Sus tareas incluyen: seleccionar, organizar y ordenar. La sala de montaje es el lugar donde los productores componían la película o la volvían a rehacer. Muchos cineastas, como Jean-Luc Godard, la reivindicaban como el lugar más importante para explorar su creatividad. El montaje como tarea técnica es un espacio constructivo a través del cual, mediante la combinación de planos, se construye la base del sentido que ha de ser completado por el espectador.

3. El Montaje como Concepto Teórico

El montador, el director, los actores, el técnico y el espectador conforman el concepto de autor. A través de nociones como el conflicto, el concepto de montaje se amplía a nuevos espacios: el encuadre, la iluminación, la profundidad, los sonidos, los silencios… Todos estos son elementos que constituyen la imagen y el sonido cinematográficos y que pueden ser aislados para su análisis.

Análisis Fílmico: Espacio y Movimiento (Casetti y Chio)

Los Tres Ejes del Espacio

• Definido por la oposición in/off: estar presente en el interior de los bordes del cuadro frente a estar fuera de ese recinto.
• Definido por la oposición estático/dinámico: estar inmóvil frente a estar en movimiento.
• Definido por la oposición orgánico/disorgánico: ser conexo y unitario frente a estar desconectado y disperso.

Los Bordes de la Imagen: Campo y Fuera de Campo

En Cuanto al Sonido

• Se extiende más allá de los límites de la imagen.
• Contribuye a la apertura hacia el espacio no visible.
• Determina el espacio en escena.
• Hace más fluido el espacio (voz en off, ruido ambiente, etc.).

El Espacio y el Movimiento

Para definir cómo se articula el espacio fílmico, se presentan varias situaciones:

• Espacio estático fijo: la cámara y los personajes dentro del encuadre permanecen quietos (frame-stop).
• Espacio estático móvil: la cámara permanece quieta y solo se mueven los personajes dentro del encuadre. Es un espacio vivo en su interior, limitado por los márgenes.
• Espacio dinámico descriptivo: la cámara se mueve para representar el movimiento de los personajes. Si se gira por el eje vertical, ofrece una visión de derecha a izquierda; si gira en el eje horizontal, se observa más de arriba y abajo (dolly, grúa, steadycam, etc.).
• Espacio dinámico expresivo: es la cámara la que decide qué se ve y qué no.

Historia del Cine: Antes y Después del Sonido (Benet)

El sonido había sido una parte esencial en las películas mudas, puesto que siempre había música y silencio. Con la llegada del sonido, no solo hubo música en directo, sino también efectos que acompañaban las acciones de los actores e incluso diálogos. Además, la proyección permitía la combinación de dos elementos integrados: el espectador vivía una experiencia en directo, mientras las imágenes ofrecían una experiencia pasada. Chaplin se posicionó en contra de este avance, ya que afirmaba que era algo que coartaba la imaginación del espectador. En este debate surgieron dos posturas:

• Los que creían que las bases estilísticas del cine estaban establecidas y que el sonido no las modificaría, sino que las consolidaría.
• Los que pensaban que las bases se alteraron y que se observaba un empobrecimiento en el estilismo de la puesta en escena y de las posibilidades narrativas.

Banda Sonora

• Música
• Voz humana
• Efectos sonoros

El Cine como Música

“El arte cinematográfico se parece a la música más que a cualquier otro arte” – Chaplin.

La palabra ‘melodrama’, utilizada tanto en el cine mudo, abarca la necesidad de combinar el material dramático con la música, puesto que con ella se crea un clima emocional. Esta unión se plasmaba en las cue sheets: folletos editados y distribuidos semanalmente para el estreno de cada película, que facilitaban el trabajo de pianistas y directores de sala, ya que informaban de la duración, del clima de cada escena e incluso incluían sugerencias. La música servía para dotar de unidad a la trama, y muchos géneros comenzaron a utilizarla. Los musicales utilizaban canciones populares para caracterizar personajes y para el avance de la trama. Otros géneros marcaban el tono emocional de cada escena y establecían una continuidad sonora, a menudo a través del leitmotiv. Los cineastas soviéticos utilizaron su propia alternativa contra la continuidad y cohesión que aportaba la música: el contrapunto orquestal, que consistía en no hacer coincidir el sonido con la imagen.

Weinnichter: El Cine de No Ficción

Normativas del Documental

John Grierson fue quien ‘fijó’ el concepto del género documental como ‘utilitario, pedagógico e impersonal’. Consideraba el documental como un arma de mejora social. A pesar de que las ideas de Grierson cayeron en desuso, la concepción de documental que él defendía se mantiene hoy en día, puesto que se asocia con un ‘discurso de sobriedad’. A pesar de su evolución, la televisión sigue siendo su principal cauce de exhibición y determina tanto sus contenidos como los formatos que debe adoptar.

Modos del Documental

Bruzzi realiza una crítica sobre los modos que distingue el teórico de cine Bill Nichols. Su crítica se basa en la idea de que un modo sucede al anterior hasta el punto de cancelarlo. Nichols afirma que sus modos no funcionan de esa manera, puesto que el modo expositivo es el que se dirige al espectador, establece juicios y representa la realidad con entrevistas e imágenes. El modo poético se caracteriza por ser relevante para los documentales de la primera vanguardia.

Los Riesgos del Directo

El cine directo prescinde de muchos rasgos utilizados hasta el momento por el cine documental: omite la música, prescinde de entrevistas, de la reconstrucción y, por supuesto, de la voz en off, adoptando una actitud de ‘fly on the wall’ (grado cero de intervención). Es opuesto al cine de ficción. El documentalista del cine directo busca filmar la realidad sin modificarla o ajustarla; es pura observación. El sonido directo y el montaje favorecen una impresión de continuidad espacio-temporal. Filman al personaje en su rutina, sin imponerle ninguna actividad. De esta manera, se logra una impresión en tiempo real. Además, graban sin trípode, lo que aumenta los tirones, desenfoques o bruscos reencuadres, pero todo ello contribuye a mostrar la autenticidad.

Sedeño Valdellós: El Videoclip

El videoclip es una mercancía cultural que experimenta procesos de estandarización de sus formas y socialización de contenidos. Una de las primeras definiciones es la de Peter Weibel, quien lo define como la representación de un desarrollo electrónico del arte del cine y del vídeo, convirtiéndolo en una nueva estética. Otra definición, aportada por la Music Visual Alliance, es que es un arte dinámico en el que lo visual y lo musical se combinan.

Esto lleva a diferenciar tres elementos permanentes:

• Una canción: con música y letra.
• Un repertorio o discurso visual: figuras, motivos visuales móviles o cinéticos.
• Textos escritos: frases o palabras en idiomas naturales.

En resumen, un videoclip es una combinación de música, imagen y lenguaje verbal, junto con otros elementos como el silencio o los ruidos, que buscan asociar una música preexistente con imágenes.

El Videoclip y los Tres Regímenes Audiovisuales

• Régimen clásico: sostiene unas determinadas elecciones visuales, normalmente intermedias, como planos americanos o medios planos. Manifiesta un gran equilibrio expresivo y una coherencia comunicativa, haciendo posible cualquier acto de comunicación. En estos textos se busca esconder las huellas del autor para dejar independencia al narrador.
• Régimen barroco: se define por expresiones lingüístico-expresivas caracterizadas por la marcación, convirtiendo el discurso en un flujo continuo.