El Siglo XX: Velocidad, Ruptura y Búsqueda de la Individualidad

En el siglo XX, las ideas avanzan a gran velocidad, provocando que un procedimiento nuevo caduque en pocos años. Mientras figuras como **Debussy** y **Wagner** se consolidaban como clásicos, la rapidez del progreso a menudo mezclaba conceptos. El **siglo XX** se caracteriza por la ruptura con lo anterior en todos los sentidos. Se produjeron saltos drásticos, como el del Arcaísmo al Futurismo, y estos cambios fueron frecuentemente hostiles y contrarios a las tendencias precedentes.

Algunos músicos se nutrieron de diversos movimientos, mientras que otros adoptaron una única tendencia. **Los compositores** buscaron fervientemente la **individualidad** y rechazaron ser agrupados en el mismo saco. **Las tres primeras décadas** fueron las más convulsas, con el surgimiento de una gran cantidad de tendencias en contraposición a lo establecido.

Características Generales de la Música del Siglo XX

Se buscó una música más desnuda, más intelectual, abstracta y objetiva, desprovista de influjos literarios o descriptivos como el **programatismo**.

Cambios Estructurales y Orquestales

• Los géneros musicales se fusionan.
• Las grandes obras sinfónicas pasaron a ser ballets.
• Es la época de las grandes orquestas; aunque los instrumentos no cambiaron, se buscó sacarles el máximo partido. La orquestación se volvió más clara, utilizando a menudo las formas del siglo XIX.
• Estas innovaciones surgieron inicialmente en París y Viena, expandiéndose tras la Primera Guerra Mundial (WW1).
• Surgió la música con narrador y orquesta (ej. Pedro y el Lobo).
• Renació el interés por la música de cámara, como el quinteto de viento.
• El piano se estabilizó, pero surgieron grandes obras y compositores para este instrumento (ej. Debussy, Ravel).

Desarrollos Vocales e Instrumentales

En cuanto a la música coral, surgieron las cantatas modernas (ej. Sinfonía de los Salmos, Carmina Burana). La canción o lied no se cultivó tanto como en el Romanticismo, aunque existen ciclos de canciones como los de Debussy.

La ópera pareció debilitarse al depender de las obras del siglo anterior, si bien se compusieron bastantes operetas y obras importantes. El ballet funcionó como parte de obras o por sí mismo, y surgió la música de cine.

Se comenzó a experimentar con elementos como el ruido, el silencio, el piano preparado y las sordina. La percusión ganó protagonismo con obras como «Ionización» de **Edgar Varèse**, que llegó a utilizar hasta 40 instrumentos de percusión.

Melodía, Ritmo y Armonía

• La melodía ganó mucha más libertad; se dejó a un lado la regularidad, volviéndose más angulosa y lineal, produciendo una sensación puntillista.
• Surgió la melodía hablada y se le dio el trato de un instrumento más a la voz con obras como Living Room Music de **John Cage**.
• Surgió la melodía de timbres.
• El ritmo también se liberó, volviéndose mucho más elástico y libre, rompiendo la regularidad anterior.
• Se desarrolló la polirritmia (ej. Petrushka de Stravinski, El trío para piano de Ravel).
• Aparecieron el Jazz y las danzas exóticas.
• La armonía tradicional estaba agotada, lo que llevó al surgimiento de la poliarmonía o politonalidad. Se volvió a emplear la modalidad y se introdujeron intervalos y disonancias.

Movimientos Vanguardistas Clave

Futurismo

Movimiento surgido en Italia. Su primer manifiesto data de 1908. Uno de sus primeros compositores fue Marinetti, y tuvieron varios manifiestos. Eran artistas muy jóvenes que pensaban que su movimiento duraría poco (unos 10 años). Rechazaban todo lo anterior. El más mediático fue **Pizzetti**.

Adoptaron una estética centrada en la velocidad y el ruido. Le dieron gran importancia al ruido y lo introdujeron junto a la corriente del atonalismo, utilizando mucho las cuatro dimensiones. Para ellos, se podía hacer música con cualquier elemento que produjera sonido. Acuñaron el «bruitismo» e inventaron el «Intonarumori», una máquina para generar ruido. La creó **Luigi Russolo**, quien ofreció unos 12 conciertos.

Expresionismo

Surgió en Alemania en contraposición al Impresionismo, que se había refinado excesivamente. Se plasmó en todos los campos del arte. Es un movimiento muy retorcido, con líneas muy divergentes, y se expandió rápidamente por Europa y EE. UU. Funcionó en los círculos intelectuales alemanes, desarrollándose durante la WW1 y el periodo entre guerras.

Busca deformar la realidad para impactar al espectador. Es apasionado y subjetivo; les preocupa la vida y la muerte, reflejando la realidad histórica de la época. Se alinearon con pensadores como Einstein y Freud, alejándose de la realidad para buscar nuevos lenguajes vanguardistas. Coincidieron con exposiciones universales, lo que propició un gran intercambio cultural.

Etapas del Expresionismo

La primera etapa fue el expresionismo local. Sus antecesores fueron Wagner y Mahler. Surgió en la WW1 con compositores como **Schoenberg**, **Berg** y **Weber**. Sus composiciones eran tonales, pero con ideas expresionistas.

El Camino hacia la Atonalidad y el Dodecafonismo

Entre 1908 y 1921 surge el serialismo temprano, un paso más allá del dodecafonismo al aplicar sus principios a muchos más elementos.

Atonalismo

Lo que más destacó en el siglo XX fue el cambio de la música tonal a la atonal. Desapareció el concepto de una tónica en torno a la cual gravitaban las demás notas, prescindiendo de escalas y acordes tradicionales. El atonalismo fue la consecuencia extrema del Romanticismo tardío (ej. Tristán e Isolda de Wagner). Las obras atonales no podían clasificarse como consonantes o disonantes. Debido a esta libertad, la música carecía de forma, y **Schoenberg** creó el dodecafonismo en 1923 como solución a este problema.

Dodecafonismo

Arnold Schönberg estudió a Wagner y Brahms. Implementó la regla de no utilizar la tónica en ningún momento, logrando así emancipar la disonancia y llegando posteriormente a la atonalidad total. Utiliza la escala cromática y no permite repetir ningún sonido hasta que no hayan aparecido los 12, organizándolos en series. Se utiliza una serie original en cuatro formas distintas (inversión, retrogradación, etc.). No se puede transformar la serie, pero sí se puede alterar su altura.

Serialismo y Azar

El dodecafonismo generó un nuevo lenguaje. El Serialismo posterior utiliza las 12 notas, permitiendo su repetición y organizándose en matrices.

La Indeterminación es uno de los desarrollos musicales más importantes tras la WW2, ya que hace uso del azar como elemento compositivo. **John Cage** es su máximo exponente. Para él, el acto de componer es un despropósito si interfiere la actividad humana; por ello, utiliza el azar como forma de componer (ej. 4’33», contenedor vacío).

Compositores de Transición

Gustav Mahler (1860-1911)

Fue director de orquesta e hizo nueve sinfonías, además de música vocal (ej. La canción de la tierra). Su música es exótica y utiliza escalas pentatónicas. Es considerado un compositor de transición; normalmente dirigía obras antiguas, y aunque el dodecafonismo apareció en el siglo XX, él es un romántico tardío, aunque desplaza los modos mayores, juega con motivos de cuatro y cinco notas. El máximo exponente de la transición es Strauss.

Richard Strauss

Es un maestro del lied y es importante por sus poemas sinfónicos y sus óperas.

• Los poemas sinfónicos tienen temas filosóficos o un corte descriptivo (programático).
• En cuanto a la ópera, utiliza un complejo lenguaje armónico, aceptó todo lo propuesto por Wagner, utiliza sistemáticamente el lied melódico y su armonía se desarrolla a partir de un acorde inicial.