BLOQUE 4: DEL CINE MUDO AL CINE SONORO CARACTERÍSTICAS DEL CINE MUDO
El cine mudo es aquel que no posee sonido sincronizado, consistiendo únicamente en imágenes representadas y pudiendo ser acompañadas por música en directo.
Técnicas de actuación
- Requería de un gran dominio del lenguaje corporal, en especial la expresión facial.
- Actuaciones teatrales más gestuales y enfáticas.
- Uso del humor por medio de gags visuales, sin el uso de la palabra.
Música en vivo y sonido
- Trataba de representar los sucesos que ocurrían en pantalla de una manera exagerada y poco sutil.
- Se solían utilizar ritmos rápidos para persecuciones, sonidos graves en momentos misteriosos y melodías románticas para escenas de amor.
- La música fue recopilada específicamente para acompañar los films en la llamada Música de Photoplay. Esta labor era realizada por el pianista, el director de orquesta o el estudio mismo, que enviaban una “partitura” de la música que debía acompañar la película.
Montaje
- Montaje lineal y sucesión de planos individuales en los primeros films.
Elementos visuales
- En sus inicios predominan los planos generales por el peso del cinematógrafo.
- D.W. Griffith fue el primero que comenzó a utilizar diferentes tamaños de plano en función de las necesidades expresivas o dramáticas.
Intertítulos
- Se convirtieron en elementos gráficos en sí mismos que ofrecían ilustraciones y decoraciones abstractas con comentarios sobre la acción.
- Los títulos también servían para aclarar las distintas situaciones o para dar a entender conversaciones importantes.
Velocidad de proyección
La mayoría de las películas mudas se filmaron a velocidades más lentas que las películas con sonido, por lo que pueden parecer artificialmente rápidas, lo que remarca su aspecto poco natural.
El color
- Blanco y negro o monocromático que se obtenía sumergiendo segmentos de película o la película completa en un tinte de un determinado color.
- Pintaban a mano, con anilinas, los fotogramas de algunas películas (Georges Meliès)
EL RECURSO DE LA MÚSICA
Existen varias teorías que explican el uso de la música en los orígenes del cine:
- Una de ellas dice que la música empezó a usarse para disimular el ruido del proyector. Por lo tanto se incorporaban instrumentos musicales para remediar el constante ruido del mecanismo. También para usar un sonido agradable para neutralizar otros menos agradables.
- Otra de ellas es que la música sirve para hacer más agradable la experiencia de ver imágenes en blanco y negro sin ningún tipo de sonido.
- También se pensó en música de forma que hiciera creer al espectador que forma parte de un colectivo, evitando su aislamiento y facilitando su implicación en la escena.
PIONEROS
Los hermanos Lumière crearon el cinematógrafo que permitía la toma, proyección y copiado de imágenes en movimiento. Los primeros documentos consistieron en una serie de imágenes documentales, de las cuales se recuerdan aquella en la que aparecen los trabajadores de una fábrica, y la de un tren. Tiempo después lograron el primer film argumental de la historia: “El regador regado”.
Por un tiempo, el cine fue considerado una atracción menor, pero el puntapié inicial para realizar historias y experimentar recursos narrativos visuales fue cuando George Méliès, un ilusionista francés, usó el cinematógrafo como un elemento más para sus espectáculos, que luego los desarrollaría en el cine, creando rudimentarios efectos especiales. Su obra más conocida es “El viaje a la luna” (1902).
Los noveles realizadores captaron las grandes posibilidades que el invento ofrecía y fue así como en la primera década del siglo XX surgieron múltiples pequeños estudios fílmicos, tanto en Estados Unidos como en Europa. Durante esta época, los filmes eran cortos, trataban temas simples y eran de producción barata. Además, la técnica no había resuelto el problema del sonido, por lo que las funciones se acompañaban con un piano y un relator.
FRANCIA
En 1911, Louis Feuillade entra como director artístico y responsable de la producción de la industria de cine Gaumont. Inicia una serie que supone un retorno al realismo, devolviendo al cine su sentido de la actualidad. Se incorporan avances técnicos, decorados más realistas, la sobriedad en la interpretación de los actores, la creación de efectos a través de la iluminación artificial y la aplicación del primer plano. En estos seriales actuaba Musidora, una novelista, poeta, pintora y realizadora. Musa del surrealismo y del cine vanguardista.
GAGS VISUALES EN LA COMEDIA CINEMATOGRÁFICA
También, en este período, aparecen los primeros cómicos de la pantalla. Son “tipos”, que con sus bufonadas adquieren gran popularidad. Se emplea el Slapstick como recurso cómico. Es un subgénero de la comedia, cuyo origen está en la comedia griega que se caracteriza por presentar acciones exageradas de violencia física que no derivan en consecuencias reales de dolor. Los Sketches son escenas generalmente humorísticas y a veces improvisadas, que duran entre uno y diez minutos aproximadamente. El gran innovador de la escuela cómica francesa fue Max Linder, que entre 1911 y 1913 alcanzó su etapa de mayor éxito, siendo considerado, en esos años, el actor más popular de toda Europa.
Características del slapstick
- Gag/sketch (visual y cómico): El gag es una unidad narrativa integrada en el relato cómico cuyo desenlace busca provocar la risa como respuesta. El slapstick está compuesto por una sucesión de gags. Varios gags en la misma escena pueden ser considerados un sketch.
- Violencia cómica controlada. Sin consecuencias terribles.
- Persecuciones: son de todo tipo aunque suele darse entre un personaje inadaptado perseguido por las fuerzas de seguridad).
- Tensión y suspense
- Acrobacias
- Escenas coreografiadas
- Surrealismo
- Conflicto de clases: el protagonista suele ser alguien de pocos recursos.
- Chicas en bañador introducida por Mac Sennet y producida por Keystone.
Imagen:
- Planos generales duraderos en el tiempo.
- Pocos movimientos de cámara.
Interpretación:
Sobreactuación/exageración
Maquillaje y vestuario:
Personajes convencionales con estereotipos del género.
ESTADOS UNIDOS
El Western
En el Oeste de EEUU se hallará una gran variedad de paisajes, una brillante iluminación natural y un clima constante durante todo el año, condiciones muy propicias para el rodaje en exteriores. Y será en esas regiones donde nacerá el género americano por excelencia, el western.
Aunque el western ya contaba con algunas obras, es en este entorno privilegiado donde comenzará a tomar forma cinematográfica la epopeya del oeste, adoptando la mitología propia de la conquista y la colonización del territorio, aún recientes en la historia. Los westerns provocarán una verdadera conmoción formal y temática.
El star-system
Era el sistema de contratación de actores en exclusividad y a largo plazo utilizado por los estudios de Hollywood en la denominada época dorada de Hollywood para asegurar el éxito de sus películas.
El “Slapstick” en la obra de Mack Sennett (1880-1960)
Se convirtió en uno de los principales productores del momento. Desarrolló un estilo único de películas cómicas próximas al absurdo, llenas de variopintos personajes y narradas con una enorme anarquía e improvisación. Sus comedias eran famosas por sus disparatadas carreras de coches y sus batallas de pasteles.
Su teoría era que al público le encantaría ver a figuras autoritarias convertidas en protagonistas de comedias. Lo logró convirtiendo a policías en personajes cómicos. Ha pasado a la historia como “El rey de la comedia”. Charles Chaplin, Buster Keaton, Harold Lloyd y Gloria Swanson, entre otros, actuaron en las Keystone Comedies de Mack Sennett.
Fue el gran propulsor del género cómico creando en 1912 su famoso estudio Keystone. El modelo cómico de Sennett está fundamentado en el slapstick, y cada una de las unidades cómicas que lo componen, se llaman gags.
Charles Chaplin
Empezó a trabajar de mimo desde niño. Las giras que realizaba la compañía por Estados Unidos le permitieron entrar en contacto con Mack Sennett, con quien firmó su primer contrato en Hollywood. Comenzó a tomar forma su célebre Charlot, el vagabundo romántico, de buenos modales y cierta picaresca, cuya trascendencia radica en la dimensión humana que Chaplin incorporó al personaje. Entre los cortometrajes que realizó durante estos años, destacan “Vida de perro”, “¡Armas al hombro!”, y “El peregrino”. En 1921, realizó su primer largometraje, “El chico”.
‘Buster’ Keaton
Especialista en el género slapstick, la violencia cómica se ponía al servicio de unos personajes que lograban encandilar y divertir por medio de la interpretación gestual. Películas: “Fatty cocinero” y “Fatty en el garaje”, “La casa eléctrica”, “El maquinista de la General” y “El gran espectáculo”.
Hard Lloyd
Lloyd actuó en 208 películas entre 1913 y 1947. Durante la década de los veinte fue el actor más popular y mejor pagado del cine. Es conocido sobre todo por las secuencias de persecución que incluían proezas físicas como trepar por los muros de altos edificios. Junto a Buster Keaton y Charlie Chaplin forma el «triunvirato» de grandes cómicos del cine mudo y su carrera continuó en el período sonoro. Con la llegada de la década de los treinta y los problemas sociales y políticos en todo el mundo, Lloyd y sus personajes optimistas ya no son los preferidos de un público que, con la llegada del cine sonoro, prefiere cómicos parlantes. Películas: “El hombre mosca”, “El mimado de la abuela”.
“GAGS” SONOROS EN LA COMEDIA CINEMATOGRÁFICA Y LA ANIMACIÓN
Al incorporarse el sonido a las películas cambió la técnica y la expresión. Los costos de la realización de las películas se elevaron. Se esperaba entonces que se incluyesen también frases, chistes o juegos de palabras ingeniosas, ruidos sorprendentes y músicas, que subrayasen los momentos más divertidos en todas las comedias cinematográficas. Creando un estilo más sutil, se perdió el entendimiento internacional de las situaciones.
Algunos sobrevivieron a la transformación del medio y otros sucumbieron a la fascinación del público por las películas sonoras.
Poco después empiezan a filmar los Hermanos Marx, que sustituirán el lenguaje visual y gestual por una comicidad basada en la palabra a través de una pulverización del lenguaje.
Esto les servirá de material para unas películas que hunden sus raíces en la lógica del absurdo, para ello utilizarán recursos de Sennett e incorporarán un espíritu dadaísta y destructor.
Películas como Sopa de ganso (1933), Una noche en la Ópera, incorporan el absurdo a la comedia, mostrando las huellas del surrealismo y dadaísmo ya muy conocidos en la época.
LA OBRA CINEMATOGRÁFICA DE WOODY ALLEN
Ha sido ganador del premio Óscar en cuatro ocasiones.
Es uno de los directores más respetados, influyentes y prolíficos de la era moderna, ha producido desde 1969 un total de 45 películas, una cada año. Allen dirigió, escribió y protagonizó Annie Hall, película considerada por muchos como una de las mejores comedias de la historia del cine, y la cual recibió el premio Óscar al Mejor director en 1977.
Temas: sexo, muerte, Dios, ingeniosas tramas y situaciones en un contexto lleno de slapstick y divertidos diálogos con preferencia por la comedia absurda y anárquica al estilo hermanos Marx. Influencias de Federico Fellini e Ingmar Bergman.
LA COMEDIA CORAL
La comedia Coral es aquella que rompe la estructura clásica del cine con protagonistas principales mediante una trama con muchos personajes o la acumulación de pequeñas historias.
Son comedias de enredo y satíricas (románticas, de humor negro, con sentido social, en tono musical) que han aportado las cifras más altas de espectadores en las últimas décadas.
En el caso de televisión, la comedia de situación o sitcom es uno de los géneros, dentro de las series, que más éxito tienen y que menos costes suponen para el proceso de producción. Su origen está en los seriales radiofónicos y en los cinematográficos de la primera década de los veinte.
LUIS GARCÍA-BERLANGA (1921 –2010)
Director de cine y guionista español. Ingresó en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas de Madrid en 1947. Debutó como director en 1951 con la película Esa pareja feliz, en la que colaboraba con Juan Antonio Bardem. Junto a éste, se le considera uno de los renovadores del cine español de posguerra. Entre sus películas destacan títulos célebres de la historia del cine español, como El verdugo o Bienvenido, Mister Marshall.
Su película Plácido fue nominada para el Óscar a la mejor película de habla no inglesa en 1961. En 1980 obtuvo el Premio Nacional de Cinematografía, en 1981 la Medalla de Oro de las Bellas Artes. Modelo para muchos cineastas españoles (Alex de la Iglesia, Santiago Segura).
Su cine es generalmente coral y narrado en planos secuencia con rasgos de sátira, farsa, humor negro y una visión crítica y esperpéntica de la realidad sociocultural y política española.
A partir de los años 80 su filmografía se trivializa en muchos de sus aspectos y jamás volvió realizar las obras maestras del pasado.