Características del Barroco: Ideología y Estética

La ideología y estética del Barroco reflejan el desengaño y pesimismo surgidos en el siglo XVII, donde la vida se percibe como caos, ilusión y tránsito inevitable hacia la muerte. Durante el Barroco, la realidad se alza espléndida como tema central en el arte; así, la estética barroca tendrá las siguientes características:

1. Realismo

   Frente al ideal renacentista (belleza y armonía perfectas), el Barroco muestra la realidad tal cual es: una mezcla de belleza y fealdad. Con esta mezcla, el arte cambia de idealista a uno realista.

2. Arte de Contradicciones y Dualidades

   • El hombre ya no es el centro del cosmos; se ve como un campo de batalla entre opuestos: vida/muerte, pasión/razón, virtud/pecado.
   • En el arte, el artista refleja esta lucha: mezcla de bello/feo, elementos religiosos junto a motivos sensuales, luz/sombra, lo que da origen al claroscuro barroco.
   • En la literatura, autores como Quevedo mezclan el amor ideal (neoplatónico) y la burla del amor.

3. Acumulación de Elementos Estéticos: El Horror Vacui

   • No se crean nuevos elementos estéticos, sino que se intensifica el uso de los renacentistas.
   • Es un arte recargado: decoración excesiva en todos los espacios (fachadas, frescos).
   • Estética representada por el horror vacui = miedo al vacío, prioridad de lo decorativo.
   • En la literatura, hay una acumulación de recursos: muchas metáforas y una sintaxis retorcida que desafía al lector.

4. Ruptura Fondo-Forma

   El artista barroco busca la belleza en la suma de elementos, la originalidad y la sorpresa. Las complicaciones formales ganan definitivamente la batalla a la claridad.

5. La Lengua Barroca: Conceptismo y Culteranismo

   La lengua literaria del siglo XVII se aleja cada vez más de la naturalidad renacentista y acumula metáforas, símbolos y otros recursos estilísticos con la finalidad de sorprender al lector por el ingenio y la belleza de los textos.

   • Conceptismo: ingenio, agudeza, ideas claras (ejemplo: Quevedo).
   • Culteranismo: lenguaje culto, metáforas complejas (ejemplo: Góngora).

Francisco de Quevedo: Maestro del Conceptismo

Es el máximo representante del lenguaje literario conceptista y uno de los poetas más famosos y admirados de la lírica española. Dominó el lenguaje con maestría: lo exprimió al máximo, creó palabras nuevas y exploró todos sus recursos expresivos.

División de su Poesía: Grave, Burlesca y Amorosa

Poesía Grave

Incluye poemas religiosos, metafísicos y morales.

• Religiosos: expresan su lucha espiritual y su esperanza de alcanzar la vida eterna, a pesar de sus pecados.
• Metafísicos: Expone en tono serio y reflexivo; tratan el desasosiego del hombre ante la muerte, la brevedad de la vida y la aceptación resignada del final.
• Morales: crítica seria a los vicios y malas costumbres de su época. Denuncia la decadencia moral de la sociedad. Ejemplo: su crítica al conde-duque de Olivares en su Epístola satírica y censoria contra las costumbres presentes de los castellanos.

Poesía Burlesca

Quevedo se burla de todo y de todos. Usa con maestría el conceptismo para crear caricaturas brillantes y mordaces de la realidad. Su lenguaje es irónico, agudo, con juegos de palabras y sátira punzante.

Poesía Amorosa

Aunque no tuvo una vida amorosa feliz, escribió algunos de los mejores sonetos amorosos del castellano.

Pasión y Dolor

Puros gritos de soledad, angustia y resignación ante un amor idealizado e inalcanzable. Usa un lenguaje duro, sincero y profundo, huyendo de la temática típica de su tiempo.

La Unión de Amor y Muerte

Aunque no es original de Quevedo, sí que alcanza en algunos de estos sonetos su más perfecta expresión. Lo comprobarás en su soneto “Amor constante más allá de la muerte“.

Luis de Góngora: El Culteranismo en su Máxima Expresión

En la España del siglo XVII, donde todo hombre culto escribía versos, Luis de Góngora fue el poeta por excelencia: el más alabado, criticado e imitado de su época. A los 19 años (1580), ya era un poeta famoso conceptista, justo el año en que nacía Quevedo. Circulaban copias manuscritas de sus letrillas más populares como “Hermana Marica” y “Déjame en paz, amor tirano“.

Estructura de su Obra: Metros Cortos, Sonetos y Poemas Mayores

Poesía de Metros Cortos

Incluye romances, letrillas y canciones.

• Critica los vicios e hipocresía de su tiempo. Arremete contra nobles, pueblo, damas, enamorados.
• También trata el tema amoroso, pero se burla del amor ideal neoplatónico, a diferencia de Quevedo o Lope.
• En sus versos hay sátira, ironía y deseo de alejarse del amor y sus problemas.

Sonetos

Trata temas comunes: amor, crítica social, paso del tiempo… Pero con mayor intensidad poética, con un uso abundante de metáforas, paralelismos y correlaciones, que enriquecen el texto y elevan su dificultad.

Poemas Mayores

En su etapa final, abandona el conceptismo y apuesta por la belleza sensorial y formal. Obras destacadas: Soledades y Fábula de Polifemo y Galatea. Usa una sintaxis compleja para captar la riqueza del mundo. Poesía como “fiesta para los sentidos”: llena de colores, luces, música y formas. Aunque fue criticado, su estilo fue bautizado (con tono despectivo) como culteranismo:

• Lenguaje bello, culto y refinado.
• Temas: mitología, naturaleza, incluso belleza oculta en lo cotidiano (ejemplo: vida campesina en Soledades).

En Polifemo y Galatea, destaca la descripción poética de un amor imposible entre un gigante y una ninfa frágil, usando un lenguaje extremadamente elaborado.

Lope de Vega: El Fénix de los Ingenios y su Poesía

Félix Lope de Vega y Carpio fue el dramaturgo más importante del Siglo de Oro, pero también un gran prosista y uno de los poetas más relevantes de la literatura española. Era un hombre extrovertido, que convertía en poesía tanto grandes sucesos (como amores o la muerte de su hijo) como cosas cotidianas. Por eso se le considera el primer poeta moderno, capaz de expresar su vida íntima con sinceridad, algo que no se repetirá hasta el Romanticismo.

Poesía de Metros Cortos

• Destacó en romances, letrillas y canciones.
• Su estilo se identificaba con la ligereza y gracia de la lírica tradicional.
• Muchas de sus composiciones han pasado como canciones populares.
• Estas obras aparecen intercaladas en su teatro y prosa (ejemplo: La Dorotea).

Sonetos

Volcó las vicisitudes de su vida o de sus sentimientos. En las Rimas (1604) reúne una colección de doscientos sonetos amorosos que forman un cancionero petrarquista. Es frecuente la introspección amorosa y el amor se presenta como una dolorosa suma de contrarios. Las Rimas sacras (1614) recogen la crisis espiritual que sufrió tras la muerte de su hijo Carlos Félix y de su segunda esposa. Son cien sonetos llenos de dolor y angustia en los que reconoce sus errores. Lope no hacía nada a medias, ni amar ni arrepentirse.

La Lengua de Lope

Lope pertenece al grupo de jóvenes poetas de 1580, con una gran herencia:

• Frescura popular (romances, canciones) +
• Elegancia renacentista (endecasílabo).

Crea un estilo propio que funde tradición y vanguardia:

• Usa el ingenio del conceptismo y la brillantez sensorial del culteranismo.

Pero su lengua, aunque cuidada, siempre busca la claridad. Mezcla lo mejor de todas las corrientes:

• Tradicional + culta,
• Conceptismo + culteranismo,

sin perderse en la oscuridad ni en complicaciones excesivas.

Antecedentes del Teatro Barroco Español

En el siglo XVI, el teatro español inicia una evolución desde unos parámetros totalmente medievales hasta la modernidad, representada por la nueva fórmula teatral de Lope de Vega en el siglo XVII.

Por un lado, existía un teatro religioso, cuyo objetivo era fomentar la piedad del público. A mediados del siglo, cuando el Concilio de Trento prohibió las representaciones teatrales en el interior de los templos, actores profesionales comenzaron a presentar obras breves de tema religioso sobre carros móviles. Fueron el antecedente de los autos sacramentales.

Por otro lado, triunfaba también un teatro profano, muy influenciado por la commedia dell’arte italiana, cuyos autores más representativos anticipan elementos que anuncian una nueva fórmula teatral:

• Bartolomé Torres Naharro (c. 1485-c. 1520) introduce en sus comedias el tema del honor y la figura del criado.
• A Juan de la Cueva (c. 1550-c.1610) se le debe una mayor variedad temática, la polimetría o la mezcla de lo trágico y lo cómico.
• Pero el verdadero puente hacia la comedia nueva fue Lope de Rueda (c.1505-1565), empresario y autor teatral, cuyo mérito fue introducir entre los actos de sus comedias algunas escenas breves de carácter cómico a las que denominó pasos (antecedente del entremés). Nos han llegado un total de veinticuatro pasos. Estas obras humorísticas están protagonizadas por personajes populares entre los que destacan el bobo o simple, el criado, el rufián, el vizcaíno, etc. La acción de los pasos es sencilla y se resuelve al final con palos, burlas o la huida de alguno de los personajes.

Lope de Vega y la Nueva Comedia

Lope de Vega empieza a escribir en 1585. Su teatro se representaba en corrales de comedias, espacios populares urbanos. En 1609, publica el Arte nuevo de hacer comedias, donde justifica su estilo: una fórmula nueva, eficaz y pensada para el gusto del público. Cree que el teatro debe entretener y educar: la comedia es “espejo de la vida”.

Principios de la Nueva Fórmula Teatral

• Pluralidad temática y libertad en la elección del tema, con preferencia por los asuntos de honra.
• Mezcla de lo trágico y lo cómico. Lope defiende que lo trágico y lo cómico pueden darse juntos en una misma obra dramática, tal y como ocurre en la vida real.
• Ruptura de la norma clásica de las tres unidades, según la cual la obra debía tener una sola acción principal y desarrollarse en un único lugar a lo largo de un solo día. En muchas obras de Lope, hay otras acciones paralelas protagonizadas por personajes secundarios y la acción puede durar varios días y desarrollarse en varios lugares.
• División de la obra en tres jornadas o actos. En el primero, Lope desarrolla el planteamiento; en el segundo, el nudo; y en el tercero, el desenlace, que debe dejarse para el final.
• Verosimilitud en la forma de hablar de los personajes, que deben expresarse de forma acorde a su condición.
• Personajes Fijos. A medida que Lope de Vega se fue acercando a su madurez, su habilidad dramática se fue acrecentando. Desarrolló la figura del gracioso, a través del cual incluyó la risa hasta en sus obras más serias y graves, y fue introduciendo en sus dramas una trama secundaria, complemento significativo de la intriga principal. También mejoró la estructura dramática de sus comedias, así como su eficacia y su contenido didáctico.
• Polimetría y adecuación del verso al contenido del mensaje. Lope recomienda que la versificación se ajuste al contenido del mensaje.

Personajes Tipo en el Teatro de Lope

En el teatro de Lope de Vega y, en general, en el del siglo XVII, los personajes carecen de profundidad psicológica, pero poseen una clara conciencia de sí mismos. Son personajes tipo, construidos según convenciones teatrales. Los protagonistas suelen ser el galán y la dama, jóvenes enamorados movidos por el amor, los celos y la honra, acompañados por el gracioso y la criada, que aportan comicidad y actúan como confidentes. También aparecen figuras como el caballero, encargado de restaurar el honor familiar; el poderoso, noble joven cuyo abuso de autoridad genera el conflicto; y el villano, campesino rico y orgulloso de su limpieza de sangre, que defiende su derecho al honor. Por último, el rey presenta una figura dual: si es joven, actúa como un poderoso injusto; si es viejo, encarna la justicia y restablece el orden al final de la obra.

Temas Recurrentes en la Obra de Lope de Vega

Lope trató una gran variedad de temas, que tomó tanto de su imaginación como de fuentes históricas, noticias, la Biblia, leyendas y el romancero.

El Tema Amoroso

Muy presente en las comedias de capa y espada, con enredos de amor y celos. Ejemplos:

• La dama boba: el amor hace sabio al tonto.
• Los melindres de Belisa: sátira a una joven presumida y su madre.
• El perro del hortelano: Diana (condesa) ama a Teodoro (plebeyo).

El Poder Injusto

Crítica a abusos del poder en obras como:

• Fuenteovejuna: los aldeanos matan al comendador por abusar de su poder; el rey los perdona.
• El mejor alcalde, el rey: el rey obliga al noble don Tello a casarse con Elvira (a quien violó) y luego lo ejecuta.
• Peribáñez y el comendador de Ocaña: Peribáñez mata al comendador que corteja a su esposa Casilda.

Honor y Honra

Se basa en la limpieza de sangre y el código de honor. La ofensa solo se limpia con sangre, lo que lleva a los personajes a tomar decisiones extremas, incluso contra sus propios sentimientos.