TARDE DE DOMINGO EN LA GRANDE JATTE
Localización y Contexto (L)
Nos encontramos ante la obra conocida como La tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte, realizada por el pintor **Georges Seurat** hacia el año 1884. Actualmente, se encuentra en el **Instituto de Arte de Chicago**.
Características y Técnica (C)
Esta pintura pertenece al estilo **neoimpresionista** o **puntillismo**, y la técnica utilizada es **óleo sobre lienzo**. Seurat es uno de los grandes representantes de esta corriente, que buscaba volver a una pintura más científica y menos espontánea que el Impresionismo.
- Punto de partida: La teoría de la ley de contraste simultáneo de Chevreuil.
- Teoría emocional: Seurat sostenía que el color y las líneas compositivas creaban diferentes emociones:
- Colores cálidos y líneas ascendentes contribuyen a la alegría.
- Colores fríos y líneas descendentes contribuyen a la tristeza o melancolía.
- El equilibrio de ambas composiciones aporta calma.
Desarrollo y Composición (A)
El tema es **costumbrista**: una escena cotidiana donde distintas clases sociales pasean o descansan en las riberas del Sena; es, en resumen, un tema profano.
Aspectos Técnicos y Formales
- Soporte y Color: Lienzo, con colores aplicados en pequeños puntos mediante la técnica del óleo.
- Composición: Es **simétrica**, siendo el eje la mujer con sombrilla anaranjada y falda rosa. Es también **estática** debido a la verticalidad de las figuras y los árboles.
- Línea y Color: La línea ha desaparecido, y el color y las gradaciones toman la máxima importancia, característico del puntillismo.
- Estabilización y Dinamismo: El negro de la parte inferior estabiliza el cuadro, mientras los rojos animan, creando distintas perspectivas y dimensiones.
- Luz: Es el principal objeto del cuadro. Es natural y representativa, llevando a sus máximas consecuencias las teorías expuestas por Chevreul (ya utilizadas por los impresionistas).
Perspectiva y Figuras
La perspectiva está sumamente cuidada. Numerosas diagonales obligan al espectador a desplazarse hacia el punto de fuga junto a la cabeza de los personajes de la derecha, aunque el autor genera obstáculos visuales para taponar estos recorridos.
Las figuras se presentan sin expresiones y con un movimiento controlado. Predominan en ellas el **perfil estricto o la vista frontal**, eliminando casi por completo la vista de tres cuartos, habitual en la época. Su construcción geométrica les otorga solidez e inmovilidad.
LOS JUGADORES DE CARTAS
Localización y Contexto (L)
Nos encontramos ante Los jugadores de cartas, de **Paul Cézanne**, realizado entre 1890 y 1892. Pertenece al **postimpresionismo** y es óleo sobre lienzo. Se ubica en el **Museo D’Orsay, París**. Dimensiones: 47,5 x 57 cm.
Contexto del Postimpresionismo (C)
El postimpresionismo es un movimiento artístico que se desarrolló durante la década de 1890. Se caracteriza por un **enfoque subjetivo** de la pintura, donde los artistas buscaban evocar emociones a través de su obra, dejando a un lado el realismo puro.
El término postimpresionismo nació en 1910, cuando se celebró una exposición en Londres, comisariada por el crítico Roger Fry, para unificar la muestra de cuadros de Van Gogh, Gauguin, Seurat y Cézanne.
Análisis Formal y Temático (A)
La obra contiene una composición equilibrada, aunque algo asimétrica:
- La botella con reflejo blanco ocupa el centro, pero ligeramente desplazada hacia la izquierda.
- Detrás se intuye el paisaje.
- A la izquierda, el personaje maduro con pipa aparece completo, sentado sobre la silla.
- A la derecha, el personaje joven está incompleto, generando una composición abierta.
Estructura y Tensión
Mediante dos diagonales imaginarias se formarían cuatro triángulos. En dos de ellos quedarían los jugadores con sus miradas; en el triángulo inferior, la mesa; y en el superior, la ventana. El **punto de tensión** son las manos y las cartas, donde se cruzan las diagonales. Los brazos están doblados en ángulo recto y convergen sobre la mesa.
Color y Emoción
Los colores predominantes son **cálidos**, destacando la gama de marrones. El contraste de colores intensifica la idea de **confrontación** entre los jugadores.
Narrativa de la Partida
Los dos jugadores están concentrados mirando sus naipes. El mayor tiene la cabeza levantada, mientras que el otro la tiene más baja y con un rostro más serio, pareciendo preocupado, quizás por el turno o el resultado. Las cartas más claras y la cabeza más erguida del personaje mayor parecen indicar su triunfo.
Cézanne realizó una serie con este tema, comenzando con cinco jugadores hasta reducirla a estos dos.
EL ALMUERZO CAMPESTRE (LE DÉJEUNER SUR L’HERBE)
Localización y Contexto (L)
Obra de **Édouard Manet**, realizada en 1863. Pertenece a la corriente **impresionista** francesa. Técnica: **óleo sobre lienzo**. Dimensiones: 208 x 264 cm. Ubicación: **Museo de Orsay, París**.
Contexto del Impresionismo (C)
El impresionismo es un movimiento que supuso una nueva representación de la realidad y marcó un hito en el arte de la época. Durante los años 1850, artistas como Monet y Manet se inspiraron en las estampas japonesas, particularmente de artistas como Hokusai e Hiroshige.
Análisis de la Escena (A)
En una zona clara del bosque aparecen cuatro personajes almorzando:
- Dos hombres jóvenes elegantemente vestidos siguiendo la moda.
- Una mujer sentada sobre una tela azul (**Victorine Meurent**, modelo en *Olympia*), que mira fija y descaradamente al espectador. Su cuerpo está iluminado de una manera cruda, revelando imperfecciones, ya que no está idealizado.
- Una cuarta protagonista, una bañista con camisa, sale del río.
Primer Plano y Composición
En el primer plano encontramos una naturaleza muerta: una cesta con frutas, un pan y la ropa azul que se interpone entre los protagonistas y el espectador. En la esquina izquierda, una **rana**, símbolo tradicionalmente asociado a la prostitución.
En la composición se aprecia una gran **V abierta** que deja el centro libre, y un primer esquema **triangular** que enmarca a todos los personajes, cuyo vértice es el pájaro rojo en la parte superior.
Las figuras, mediante su mirada, parecen invitarnos a entrar en la escena.
Tratamiento de la Forma y la Luz
- Volumen: Manet prescinde del modelado tradicional del volumen basado en el claroscuro, sustituyéndolo por **manchas planas de color**. Esto hace que los personajes parezcan recortados, sin relieve ni corporeidad, influenciados por el arte japonés.
- Iluminación: Existe un fuerte contraste luz-sombra-luz, desde la luminosidad del fondo y de la bañista hasta las sombras creadas por los árboles (que no son negras, sino violáceas oscuras), y de nuevo el espacio iluminado sobre el desnudo, donde hay más luz. Esta iluminación diferencial crea el efecto de espacio.
- Pincelada: Contrastan pinceladas sueltas con las manchas claras y oscuras. En el bodegón, el modelado es más tradicional, observándose azules, amarillos y rojos con claroscuro.
- Puntos de Vista: Existen varios encuadres o puntos de vista: uno central y otro a través del camino formado por los árboles.
IMPRESIONISMO: SOL NACIENTE Y SERIE CATEDRAL DE ROUEN
Sol Naciente (Impression, soleil levant)
Localización (L)
Autor: **Claude Monet**. Estilo: **Impresionismo**. Año: 1872. Técnica: **Óleo sobre lienzo**. Localización actual: **Museo Marmottan Monet, París**. Dimensiones: 48 x 63 cm.
Contextualización (C)
Cuando Monet pintó este cuadro en 1872, Francia aún se encontraba en inestabilidad tras la derrota en la guerra franco-prusiana y la Comuna de París. La situación se estabilizó a partir de 1875-1880 con la III República, coincidiendo con el progreso económico de la Segunda Revolución Industrial (avances como la luz eléctrica, el tranvía, el teléfono, etc.) y la expansión colonial, que trajo el descubrimiento de otras culturas, especialmente la estampa japonesa con sus colores claros y espacio plano.
Análisis Formal (A)
Fue la primera creación verdaderamente impresionista, reflejando las características clave del estilo, con un **interés primordial en la luz**.
- Tema: Aunque es un paisaje, parece una instantánea del puerto de Le Havre, casi fotográfica. El verdadero protagonista son los **efectos de la luz**.
- Fondo: Entre la niebla y el humo de las fábricas, se perciben chimeneas, grúas y barcos mercantes anclados.
- Composición: Ligeramente asimétrica. Los reflejos anaranjados del sol del amanecer dividen el cuadro en dos partes desiguales. Tres botes se acercan en diagonal, el último como una mancha de color.
- Técnica: Se utiliza la **pincelada muy suelta**, que más que pintar las cosas, busca el reflejo sobre ellas, eliminando el tema para enfocarse en el juego de brillos y reflejos. Predomina el color sobre la línea, resultando en motivos abocetados.
- Color y Luz: Predominan los colores fríos (violetas y azules) que contrastan con las pequeñas zonas cálidas anaranjadas del sol y sus reflejos. El tradicional claroscuro es sustituido por la **yuxtaposición de colores**. La luz es de función representativa, especialmente en los reflejos sobre el agua.
Serie Catedral de Rouen
Contexto y Técnica (L)
La serie de la catedral fue realizada por **Monet** a partir de 1892, con técnica de **óleo sobre lienzo**, perteneciente al **impresionismo**. Algunas se pueden ver en el **Museo D’Orsay** y otras en el **Museo Marmottan Monet, París**.
El Impresionismo surge como consecuencia de cambios sociales importantes (Revolución Industrial, Revolución Francesa, etc.). Su objetivo principal fue sustituir el ideal dominante de “belleza” por el nuevo de **“libertad”**.
Estudio Lumínico (A)
La serie se centra en representar la fachada principal de la Catedral de Rouen con su **evolución lumínica a lo largo del día**, desde el alba hasta el anochecer. Esto manifiesta la voluntad realista del artista y su inquietud científica al estudiar la incidencia de la luz sobre el edificio, capturando la esencia del lugar.
Abstracción y Rigurosidad
Este ejercicio hace que la obra tienda hacia la **abstracción**, ya que se dibuja mediante tonalidades y no formas trazadas. Sin embargo, la serie destaca por la **rigurosidad** con la que representa la fachada, manteniendo la simetría y todos sus elementos.
Perspectiva y Realismo
El pintor varía el punto de vista: en algunas secuencias se ve mayor volumen de la torre izquierda, y en otras, más terreno de la plaza. También es destacable la aparición de personajes circulando por la plaza o situados en la puerta, como en La puerta principal de la Catedral de Rouen con sol, armonía de azul y dorado. Esto refleja el realismo y la voluntad fotográfica del pintor, captando detalles desde la ventana del hotel donde se alojaba.
VISIÓN DESPUÉS DEL SERMÓN
Localización y Estilo (L)
Obra creada por el pintor francés **Paul Gauguin**. Técnica: **óleo sobre lienzo**. Año: 1888. Estilo: **Postimpresionismo o Simbolismo**. Ubicación: **National Gallery de Escocia, Edimburgo**.
Contexto Postimpresionista (C)
Esta obra pertenece al postimpresionismo, donde el color y la necesidad de recrear un espacio se manifiestan con detalles irreales. Se da mucha importancia a la luz, utilizando pinceladas sueltas y colores vivos que a menudo expresan los sentimientos del artista. Sus temas más destacables son paisajes, naturalezas muertas y figuras humanas.
Análisis Simbólico y Formal (ANÁLISIS)
La obra muestra a un grupo de mujeres de campo de Bretaña experimentando una visión tras escuchar el sermón en la iglesia. En la esquina superior derecha del lienzo aparece el pasaje bíblico en el que **Jacob lucha con el ángel**.
Dualidad de Escenas
En esta obra encontramos la representación de dos escenas simultáneas:
- El mundo real: las mujeres bretonas.
- El mundo fantástico: la lucha de Jacob con el ángel.
Gauguin coloca intencionadamente la rama de un manzano entre ambas situaciones para separarlas.
Composición y Figuras
La composición es **abierta**, ya que algunas figuras no están totalmente dentro del cuadro.
Las mujeres son de gran tamaño y están ataviadas modestamente según los gustos de la región. Sus rostros son rudos o aparecen abocetados, buscando simbolizar el **primitivismo** de ese mundo.
Técnica del Cloisonismo y Color Simbólico
Gauguin utiliza la técnica del **cloisonismo**, derivada del arte de las vidrieras y esmaltes, que consiste en delinear la figura con **gruesos trazos negros**.
- El color es vivo, a base de grandes manchas entre el dibujo, lo que crea un efecto de **planitud** en la composición.
- La mayoría de los colores son fríos, excepto el rojo y los colores del cabello y alas del ángel.
- Utiliza el color de modo **simbólico**, sin ajustarse a la realidad (ejemplo: el prado de color naranja rojizo). Más que reflejar la naturaleza, la interpreta según su visión.
Este uso libre del color tendrá influencias en el simbolismo y el surrealismo.
LA NOCHE ESTRELLADA
Localización y Estilo (L)
Obra conocida como La noche estrellada, realizada por el pintor holandés **Vincent Van Gogh** en 1889. Técnica: **óleo sobre lienzo**. Estilo: **Postimpresionismo**. Ubicación: **Museo de Arte Moderno (MoMA), Nueva York**. Dimensiones: 73,7 x 92,1 cm.
Conclusión del Postimpresionismo (C)
El postimpresionismo consiste en una liberación de las formas clásicas; los colores y texturas se transforman a la par con el cambio social de finales del siglo XIX. Las barreras de la razón se destapan por completo, dando lugar a una cultura de inclusión e igualdad que perdura hasta hoy.
Análisis Expresivo (ANÁLISIS)
La obra muestra una vista nocturna de **Saint-Rémy**, tomada desde la ventana de su habitación en el manicomio donde se encontraba recluido desde mayo.
Planos y Protagonismo
La obra se divide en dos planos diferenciados, separados por la línea de las montañas:
- Cielo: Ocupa más de la mitad del cuadro y es el auténtico protagonista, con sus estrellas y remolinos.
- Pueblo: En la mitad inferior, las casas aparecen representadas con trazos rectos, destacando el **campanario puntiagudo**, un elemento vertical que rompe la horizontalidad de la composición.
Elementos en Primer Plano
En primer plano aparecen unos **cipreses**, tema recurrente en este periodo. Adquieren formas ondulantes que se asemejan a llamas, elevándose y uniendo ambos planos (cielo y tierra).
Dinámica del Cielo
Las líneas de las montañas del horizonte se ondulan a semejanza del cielo, en una dirección ascendente de izquierda a derecha. En el cielo, se observan dos **espirales** que se envuelven, mientras once estrellas parecen iluminar la noche como lámparas de gas. A la derecha, un astro de mayor tamaño de color naranja, quizás la luna, parece confundirse con el sol.
Técnica y Cromatismo
La técnica utilizada es el **óleo, aplicado en abundancia (empaste)**, con pinceladas vigorosas y cortas que contribuyen a la **fuerza expresiva** de la obra.
La gama cromática es **fría**, con predominio de azules, celestes, verdes y grises.
SATURNO DEVORANDO A SU HIJO
Localización y Contexto (L)
Estamos ante la obra conocida como Saturno devorando a su hijo, del pintor español **Francisco de Goya**. Pertenece a la colección de las **Pinturas Negras**, realizada entre 1820 y 1823. Dimensiones: 143,5 x 81,4 cm. Actualmente se encuentra en el **Museo del Prado, Madrid**.
Contexto del Romanticismo (C)
La pintura romántica apela al **subjetivismo y la originalidad**. Se inspira en escenas violentas (como en La carga de los mamelucos de Goya) y tiene un gusto por el **dramatismo**, utilizado para remover el sentimiento del público. En cuanto a la expresión, utiliza con frecuencia fuertes contrastes de luz y sombra (**claroscuro**).
Narrativa Mitológica y Expresión (A)
Según la mitología, el dios Saturno (Cronos) debía eliminar a todos sus hijos para evitar ser destronado. Tras nacer Júpiter y Juno de su mujer Cibeles, esta última solo le mostró a Saturno a la segunda, sustituyendo a Júpiter por una piedra envuelta en forma de muñeca. Saturno se comió la piedra, mientras Cibeles criaba a Júpiter en secreto. Finalmente, Júpiter destronó a su padre.
Representación del Horror
- Fondo y Figura: Sobre un fondo negro, se representa de cuerpo entero a un personaje desdibujado, cuya **deformidad es evidente**, lo que aumenta el dramatismo. Apenas es dibujo, sino una simple mancha que emerge de la oscuridad.
- El Dios: Goya representa a Saturno como un verdadero **monstruo**, con unos ojos saltones y atormentados, locos de ira. Representa el tiempo como un animal inexplicable que nos devora. Es una imagen del tiempo melancólica, reflejando la nostalgia del Goya ya mayor.
- Crueldad: La pintura es muy cruel y dramática, destacando dos puntos: la boca del dios desgarrando la carne de su propio hijo y la **mancha de color que representa la sangre**. Esta última es desconcertante, pues es una simple mancha sin dibujo, resaltando el carácter espontáneo.
Innovación Goyaica
En estas obras, Goya se muestra como un pintor **revolucionario**, que prescinde del dibujo, sustituido por **grandes manchas de pintura**. Las formas monstruosas (brujas y monstruos) muestran la visión más oscura del ser humano.