Pío Baroja – El árbol de la ciencia

Contexto del autor:
Pío Baroja (1872-1956) fue uno de los más destacados representantes de la Generación del 98, un grupo de escritores que reflejaron el pesimismo y la crítica hacia la situación de España tras la pérdida de las últimas colonias en 1898. Baroja, médico de formación, volcó en su obra una visión crítica, pesimista y profundamente existencialista de la realidad española. Sus novelas son retratos de una sociedad en descomposición, con un enfoque particular hacia los aspectos negativos de la vida. Su estilo es directo, sobrio, y la acción se ve impulsada por personajes que enfrentan crisis existenciales y sociales.

Resumen de la obra:
El árbol de la ciencia es una novela filosófica que aborda las angustias existenciales y el desencanto del protagonista, Andrés Hurtado. A través de su vida, el autor plantea una crítica a la sociedad, a la medicina y a la vida intelectual de la época. Andrés, joven y sensible, se enfrenta a un mundo que considera absurdo e irracional. Su paso por la universidad y sus experiencias en el ámbito médico lo llenan de desilusión, ya que tanto la ciencia como las instituciones españolas le parecen ineficaces. Además, la muerte de su hermano Darío y las dificultades sentimentales, especialmente con Lulú, profundizan su angustia existencial. A lo largo de la novela, el protagonista se enfrenta a un panorama en el que la ciencia y la religión no proporcionan respuestas satisfactorias a los grandes interrogantes de la vida, lo que lo lleva a un profundo sentido de desesperación. Finalmente, tras la muerte de Lulú y de su hijo, Andrés sucumbe al vacío y se suicida.
El estilo de Baroja es sobrio y realista, empleando una prosa directa, con párrafos breves y naturales. Los personajes evolucionan de manera paulatina y reflejan los grandes dilemas existenciales de la época, mientras que los ambientes rurales y urbanos se pintan de forma clara y concisa, dejando una impresión de decadencia.

1. Antonio Machado – Poesía (1899-1936)

Contexto del autor:
Antonio Machado (1875-1939) es uno de los grandes poetas de la Generación del 98, aunque su obra trasciende los límites de esa generación. Nacido en Sevilla, pero profundamente influido por la tradición literaria francesa, Machado cultivó una poesía que se caracteriza por su melancolía, su reflexión sobre el paso del tiempo y la naturaleza, y su enfoque existencialista. En sus últimos años, Machado se inclinó por una poesía más social y comprometida con los eventos de su época, especialmente durante la Guerra Civil Española, en la que tuvo que exiliarse a Francia.

Resumen de la obra:
La poesía de Antonio Machado es profundamente filosófica y melancólica, marcada por el paso del tiempo, la memoria y la naturaleza como símbolos del proceso de la vida. En su primer libro, Soledades, galerías y otros poemas (1907), Machado se inspira en la estética modernista y simbolista, pero desarrolla una visión propia de la poesía, caracterizada por la sencillez y profundidad. En Campos de Castilla (1912), la poesía de Machado se vuelve más introspectiva y filosófica, destacando su crítica a la España rural y la reflexión sobre el destino de su país. Su lenguaje es simbólico y meditativo, a menudo explorando la relación entre el ser humano y la naturaleza.
En su última etapa, Machado muestra una actitud más comprometida políticamente. En los últimos años de su vida, especialmente durante la Guerra Civil Española, su poesía se impregnó de una carga más social, como se ve en La guerra (1937), que refleja el dolor de la tragedia civil y el exilio.
La poesía de Machado está llena de simbolismo y busca transmitir una visión profunda de la existencia humana, marcada por la búsqueda de sentido y la conciencia de la fugacidad de la vida.

2. Ramón María del Valle-Inclán – Teatro y Novela

Contexto del autor:
Ramón María del Valle-Inclán (1866-1936) es una figura central de la literatura española y uno de los autores más originales de la Generación del 98. Su obra abarca géneros como el teatro, la novela, la poesía y el ensayo, y su estilo es conocido por la exageración, lo grotesco y el simbolismo. Valle-Inclán se caracteriza por su visión crítica de la sociedad española de su tiempo y por su experimentación formal, buscando siempre un lenguaje que se distinga por su fuerza expresiva.

Resumen de la obra:
Valle-Inclán es reconocido principalmente por su teatro, en especial por obras como Luces de Bohemia (1920). Su visión del teatro fue revolucionaria en su época. En obras como Luces de Bohemia, se muestra un panorama sombrío y de desesperanza de la sociedad española, donde el protagonista, Max Estrella, es un poeta bohemio que se enfrenta a la miseria y la corrupción. El estilo de Valle-Inclán se caracteriza por la creación de personajes excéntricos y la incorporación de lo grotesco y lo absurdo en sus obras.
La visión que Valle-Inclán tiene de la vida es fatalista y pesimista, una crítica a la hipocresía social y la corrupción política. A través del esperpento, una de las fórmulas más distintivas de Valle-Inclán, convierte a sus personajes y situaciones en caricaturas grotescas, que reflejan una crítica feroz a la realidad española.

3. Miguel Mihura – Tres sombreros de copa (1936)

Contexto del autor:
Miguel Mihura (1905-1977) fue uno de los grandes dramaturgos y escritores españoles del siglo XX, destacado por su capacidad para mezclar lo absurdo con lo cómico. Su obra se encuentra profundamente influenciada por el teatro moderno europeo, especialmente por el absurdo y el surrealismo. Mihura vivió la Guerra Civil Española y, tras la victoria de Franco, sufrió la censura, aunque sus obras más conocidas son aquellas que escribió durante la dictadura.

Resumen de la obra:
Tres sombreros de copa (1936) es una obra de teatro que se considera una de las más destacadas de Mihura. Se trata de una comedia absurda que pone en cuestión las convenciones sociales y la rigidez de la vida burguesa. La obra presenta a un hombre joven, Dionisio, que se ve atrapado entre dos mundos: el de la sociedad tradicional y el de un universo más libre y sin reglas. La trama se desarrolla en una habitación de hotel en la que el protagonista intenta encontrar un equilibrio entre su compromiso y su deseo de escapar de las convenciones sociales.
La obra es un ejemplo claro del teatro de lo absurdo, con una estructura y personajes que rompen con las convenciones tradicionales del teatro, utilizando el humor como una forma de crítica social. El tono es ligero y cómico, pero subyace una profunda reflexión sobre la libertad y las restricciones de la sociedad.

4. Carmen Laforet – Nada (1945)

Contexto del autor:
Carmen Laforet (1921-2004) fue una escritora española nacida en Barcelona. A lo largo de su vida, vivió en varios lugares de España, y la Guerra Civil española dejó una huella profunda en su obra. A los 23 años, con su primera novela Nada, ganó el Premio Nadal, convirtiéndose en un fenómeno literario de su época. Aunque escribió algunas obras más a lo largo de su vida, Laforet se alejó del mundo literario en las décadas posteriores.

Resumen de la obra:
Nada (1945) es una novela que refleja la situación de una joven en la posguerra española. La historia está narrada en primera persona por Andrea, una joven que llega a Barcelona a estudiar Letras y se instala con su familia materna, un grupo de personajes desolados y atrapados en un mundo sombrío. La obra refleja la atmósfera opresiva de la posguerra, donde la pobreza, el autoritarismo y la desesperanza dominan la vida de las personas.
A través de la vida de Andrea, Laforet plasma los sentimientos de frustración, desesperanza y desarraigo que caracterizan a la juventud de la época. Los personajes secundarios, como su tía Angustias y su primo Román, son profundamente negativos y reflejan una sociedad rota, mientras que Andrea busca un sentido de libertad que parece inalcanzable.
La novela se desarrolla en un ambiente cerrado, casi claustrofóbico, en el que la protagonista se enfrenta a la lucha interna por encontrar su lugar en el mundo y hacer frente a la amargura de su entorno. El estilo de Laforet se caracteriza por su prosa intimista, sin adornos, que permite captar la emoción y los pensamientos más profundos de los personajes.

5. Blas de Otero – Poesía (1940-1960)

Contexto del autor:
Blas de Otero (1916-1979) fue un poeta español que vivió intensamente la posguerra y la dictadura franquista. Su poesía refleja la evolución de su pensamiento desde la angustia existencial hasta la poesía social, y más tarde la renovación formal y estilística en sus últimos años. Es considerado uno de los grandes exponentes de la poesía española de la segunda mitad del siglo XX.

Resumen por etapas:

1. Etapa existencial (1945–1955)

Obras: Ángel fieramente humano (1950), Redoble de conciencia (1951), que se refundieron en Ancia (1958).
En esta fase, Blas de Otero se enfoca en el “yo” del poeta, planteando interrogantes sobre el sentido de la vida y la existencia humana. La poesía es desarraigada, con un fuerte componente de angustia y desesperación. El poeta busca a Dios, pero su silencio genera en él una gran sensación de vacío. En cuanto a la métrica, utiliza sobre todo sonetos, aunque también se encuentra verso libre y blanco.

2. Etapa social (1955–1965)

Obras: Pido la paz y la palabra (1955), En castellano (1959), Que trata de España (1964).
En esta etapa, Blas de Otero da un giro hacia la poesía social. Abandona sus preocupaciones personales y se enfoca en los problemas colectivos. Su poesía se convierte en un instrumento de denuncia y lucha por la paz, la justicia y la libertad. El tono es de esperanza y compromiso. Predomina el verso libre.

3. Etapa experimental (después de 1965)

Obras: Historias fingidas y verdaderas (1970), Mientras (1970).
En su última etapa, Blas de Otero se aparta de la poesía social y se concentra en la renovación formal y lingüística. La poesía se vuelve más intimista y experimental, utilizando ritmos nuevos y una serie de imágenes insólitas, algunas de ellas surrealistas.

6. Jaime Gil de Biedma – Poesía (1950-1970)

Contexto del autor:
Jaime Gil de Biedma (1929-1990) fue uno de los poetas más destacados de la posguerra española. Miembro de la llamada “Generación de los 50”, su obra se caracteriza por la reflexión sobre la vida, el tiempo y el compromiso social. Influenciado por la poesía inglesa y norteamericana, Gil de Biedma desarrolló un estilo muy personal, que combina una voz introspectiva con una crítica sutil a la realidad social.

Resumen de la obra:
La poesía de Jaime Gil de Biedma abarca diversos aspectos de la condición humana, la existencia y la memoria. En sus primeros libros, como Poesía completa (1959), hay una reflexión sobre el paso del tiempo y la fugacidad de la vida, marcada por un tono elegíaco y melancólico. A lo largo de su carrera, su poesía fue evolucionando, incorporando un mayor sentido de compromiso social, especialmente a través de la crítica a la hipocresía social y política.
Gil de Biedma utiliza un lenguaje preciso y claro, y su estilo se distingue por su reflexión existencialista y la búsqueda de la autenticidad en un mundo en crisis. Sus influencias son variadas, pero el vínculo con los poetas ingleses del siglo XIX, como T. S. Eliot, es evidente en su obra.

7. Eduardo Mendoza – La verdad sobre el caso Savolta (1975)

Contexto del autor:
Eduardo Mendoza (1943-) es uno de los grandes novelistas españoles contemporáneos. Su obra abarca tanto la novela histórica como la novela de intriga, y se caracteriza por un estilo narrativo original, con un tono humorístico y crítico. Su primera novela, La verdad sobre el caso Savolta (1975), es una de las más destacadas y marca su entrada en la narrativa española post-franquista.

Resumen de la obra:
La verdad sobre el caso Savolta es una novela que mezcla el género policial con el histórico, ambientada en la Barcelona de los primeros años del siglo XX. A través de la historia de un caso de asesinato en una empresa, Mendoza presenta una crítica a la corrupción y el…

8. Claves para un Comentario de Texto Literario

En un comentario de texto se analiza el tema (idea principal) y la opinión del autor. Se identifican el género (ensayo, artículo, editorial) y las modalidades textuales:

• La expositiva, que presenta la información de forma objetiva usando tercera persona, oraciones impersonales, datos, citas y léxico denotativo.
• Y la argumentativa, que defiende una tesis con argumentos, utilizando plural inclusivo, interrogativas retóricas, vocativos y léxico connotativo.

La estructura textual puede ser inducción (tesis al final) o deducción (tesis al inicio), con distintos tipos de argumentos:

• De autoridad
• De ejemplo
• Con datos
• Analogías
• Ad hominem, entre otros.

Para asegurar la coherencia, el texto debe tener unidad temática (una idea por párrafo) y adaptarse al contexto comunicativo (coherencia pragmática). La cohesión se logra con mecanismos léxico-semánticos como:

• La repetición
• Sinónimos/antónimos
• Hiperónimos
• Familias léxicas
• Conectores (ordenadores, conclusivos, aditivos, explicativos, etc.)

También se usan elementos gramaticales como la anáfora, catáfora y elipsis para mantener la fluidez textual.

En el comentario personal (10-15 líneas) se debe opinar sobre el tema del texto sin parafrasearlo, estructurado con una introducción (tesis propia), dos argumentos y una conclusión clara, siempre con conectores.

9. El teatro de Federico García Lorca

Federico García Lorca (1898-1936) es uno de los dramaturgos más importantes de la literatura española del siglo XX. Su teatro aborda temas como el amor, la muerte, el destino y la represión social, utilizando un lenguaje poético cargado de simbolismos. A través de sus obras, critica las normas sociales y las tensiones entre los deseos individuales y las convenciones sociales de la España rural.

Características principales:

• Simbolismo y surrealismo: Lorca emplea un lenguaje poético y simbolista, creando atmósferas profundas que reflejan conflictos internos y sociales.
• Tragedia y fatalismo: Sus personajes luchan contra fuerzas externas (sociales o familiares) que parecen condenarlos a un destino inevitable.
• Cultura andaluza: Su obra está influenciada por el folclore andaluz, con elementos como el flamenco y la naturaleza que enriquecen el contexto emocional y simbólico.

Obras destacadas:

• Bodas de sangre (1933): Trata sobre el amor pasional que desafía las normas sociales y termina en tragedia.
• Yerma (1934): La protagonista lucha con su deseo de ser madre, enfrentándose a la infertilidad en una sociedad patriarcal.
• La casa de Bernarda Alba (1936): Se centra en la represión de las mujeres bajo la autoridad de una madre dominante, lo que lleva a un desenlace trágico.

Estilo y contexto:

Lorca utiliza el verso y el simbolismo para expresar los conflictos emocionales y sociales de sus personajes. Escribe en un momento de gran agitación social y política en España, y sus obras reflejan las tensiones entre la tradición y el cambio en la sociedad española de la época.

En resumen, el teatro de Lorca destaca por su poesía profunda, su crítica social y la exploración de la lucha interna del ser humano frente a fuerzas externas, temas que siguen siendo relevantes hoy en día.