Obras Representativas del Movimiento Romántico

A. Caminante sobre mar de nubes (Caspar David Friedrich)

A. Esta obra de Friedrich pertenece al Romanticismo, movimiento artístico que surge en el siglo XIX en Alemania e Inglaterra como reacción revolucionaria contra la Ilustración y el Neoclasicismo.

• Temática y lo Sublime: Uno de los principales rasgos que le hacen pertenecer a este movimiento es la temática: un paisaje de naturaleza. Se observa la cúspide de una montaña desde donde un hombre contempla las nubes fundiéndose con los picos. Esta imagen es una representación de lo sublime, y dicho paisaje, proveniente de la imaginación del artista, es el reflejo de su actitud vital.
• Uso Simbólico del Color: Se usan tonos fríos (grises y azulados) para transmitir la característica soledad y tristeza romántica y una atmósfera de neblina que tapa parcialmente el fondo.
• Exaltación del Yo: Cabe destacar como referente romántico la alusión a la exaltación del Yo, autorretratándose el autor en un personaje anónimo de espaldas contemplando el paisaje.

B. El autor, Caspar David Friedrich, representa a un hombre de espaldas, probablemente un espejo de su Yo, en un paisaje de alta montaña contextualizado en la Baja Sajonia.

• El hombre enfrentado a un paisaje sublime trata de representar la soledad humana frente a la naturaleza. Lo sublime es una sensibilidad que va más allá de lo bello (orden, equilibrio), provocando inquietud e incluso turbación.
• Emplea contrastes de luz para crear volúmenes y destacar las texturas de la roca con más nitidez en el primer plano, representando con ello lo terrenal en oposición a lo etéreo y vaporoso de las montañas del fondo, la parte espiritual.
• Los colores fríos (azules y grises) ayudan a crear una atmósfera triste. Además, esta obra sigue los parámetros estilísticos del Romanticismo: la representación de un paisaje abrumador, casi tenebroso, con la idea de ir más allá de la belleza, de alcanzar lo sublime.

C. Aspectos compositivos y simbólicos:

1. El esquema triangular que conforman las rocas y el hombre del primer plano en la cúspide de estas, apoyándose con un bastón en una roca más elevada, nos proporciona sensación de inestabilidad y tensión, así como la de superioridad del ser humano con ansias de dominar la naturaleza.
2. Aparecen elementos simbólicos que tienen que ver con el orden simétrico y la jerarquía: por un lado, las rocas en primer plano representan el mundo terrenal, y el cielo, en segundo plano, que acapara gran parte del cuadro con las nubes del fondo, representa el mundo divino que se fusiona con las montañas. Esto busca transmitir la idea de la relación de lo terrenal con lo divino, como un preludio de la vida eterna.
3. El centro de interés es el individuo, que está de espaldas, y para proporcionar toda importancia al paisaje de la obra, el autor hace concurrir las líneas de recorrido visual a la altura del pecho.
4. Además, el hecho de que esté de espaldas se utiliza para que el espectador se identifique con un individuo anónimo.

D. El título de la obra es “Caminante sobre mar de nubes” de Friedrich. Durante las guerras napoleónicas se logró cierta unificación de los estados alemanes, perdida después del Congreso de Viena. Friedrich expresaría la espera de una Alemania libre y mejor. En este sentido, el caminante no sería Friedrich, sino un caído en las guerras de liberación (1813-1815). Por ser un símbolo político, viste la típica levita alemana, prohibida en 1818. El autor pertenece al romanticismo alemán, se dedicó sobre todo a trabajar el paisaje. La obra, de esta manera, no se diferencia de otras obras de Friedrich; parecía sentirse bastante atraído con la idea de ver y experimentar la naturaleza en lugares aislados y maravillosos: al borde del mar o de lagos, en la cima de las montañas, o en lo alto de una cascada. Sus paisajes, cargados de simbolismo, muestran marinas brumosas, bosques, ruinas y acantilados. En ocasiones, la imposibilidad de representar lo absoluto, lo trascendente, le llevaba a rozar la abstracción.

E. La técnica empleada en la ejecución de esta obra es óleo sobre lienzo, una técnica muy versátil y ampliamente utilizada durante el Romanticismo. En esta obra se emplea la pincelada fina y precisa, sobre todo para describir las rocas. En cuanto a los aspectos formales, la luz es uno de los más destacables. Con ella se crea un fuerte contraste entre el primer plano y el resto de la imagen; así como se emplea para modelar sobre todo las nubes y las rocas. También contribuye a la creación de la perspectiva aérea. Esta consiste en la pérdida de nitidez de los distintos elementos de la imagen a medida que se alejan del primer plano. Aparecen tres planos diferentes: el primer plano donde se encuentra el individuo completamente nítido, en el segundo plano aparecen las nubes donde se empieza a contemplar con menos nitidez y por último, en la lejanía que casi no se distingue lo que aparece. Finalmente, cabe destacar el uso de una gama de colores fríos en el fondo: blanco, azul, gris, marrón oscuro y negro, colores evocadores de soledad y tristeza.

B. Temerario remolcado sobre dique seco (William Turner)

A. El autor de esta obra es William Turner, y pertenece al Romanticismo, movimiento artístico que se desarrolla durante la primera mitad del siglo XIX, originado en Alemania y Gran Bretaña como reacción a la Ilustración y el Neoclasicismo. Su característica fundamental es la ruptura con la tradición clasicista basada en normas. Los tres aspectos que hacen que esta pintura pertenezca a este movimiento son los siguientes:

1. Importancia del color sobre el dibujo: Conformando un paisaje en el que predominan los colores primarios: rojos, amarillos y azules, creando una sensación de calma y sosiego.
2. Tema simbólico: Siendo este un paisaje simbólico cuyos protagonistas son dos barcos, transmitiendo las ideas de la vejez/juventud conducida hacia la muerte y el paso lento del tiempo.
3. Técnica: La pincelada suelta, empleada con gran libertad, ya que se hace uso de una técnica más gestual con aplicación de técnicas como espátula, restregados, raspados con mucha carga matérica para representar la atmósfera del cielo y el agua.

B. En el momento de componer el cuadro, el autor ha colocado al lado izquierdo tanto al remolcador como al barco de guerra, avanzando en diagonal hacia el espectador. Paralelamente, en el lado derecho, aparece el sol en el ocaso, siendo otro gran protagonista, bañando con sus rayos toda la escena y creando un magnífico efecto sobre el mar y las nubes que contribuyen a dar una sensación romántica a la obra. Se podría interpretar que ambos elementos poseen un significado de gran relevancia. Sin embargo, la manera que tiene de representar al Temerario con las velas desplegadas transmite un sentimiento de calma hacia su triste destino, la muerte. No obstante, su predominante color blanco, de apariencia fantasmal, parece destacarlo y le aporta cierta grandeza. Turner consigue transmitir la sensación de que el propio barco afronta con orgullo y serenidad su final.

C. Aspectos formales:

1. Este cuadro de William Turner está perfectamente equilibrado por la presencia de la línea del horizonte que divide el cuadro en dos: una parte superior que sería el cielo, que es la porción que más dinamismo presenta puesto que se pueden apreciar unas pinceladas más sueltas en distintas direcciones; mientras que la parte inferior, el agua, se encuentra totalmente en reposo generando serenidad.
2. Podemos mencionar la línea de recorrido visual que se crea con la luz del sol, una línea diagonal formada entre el atardecer y el barco. La línea conecta el barco remolcado con el atardecer, es decir, con el final del día que se asocia con el final de la vida. El remolcador está arrastrando la embarcación a la muerte, ya su tiempo en el mar ha terminado.
3. Por otra parte, el centro de interés se encuentra en la parte izquierda, la zona de las embarcaciones; donde se solapa la embarcación nueva sobre la antigua, siendo un foco de atracción visual, pero Turner quiere realzar la gloria del barco situando el remolcador en un tamaño más pequeño para destacar la gloria del Temerario que se ve contrarrestado con la llamada de atención que provoca la luz a su lado contrario.

D. El título de la obra es “Temerario remolcado a dique seco”, pintada por William Turner en 1839.

1. Turner es un pintor y acuarelista inglés perteneciente al Romanticismo interesado en la filosofía sublime (es una categoría estética más intensa que lo bello); retrata el asombroso poder de la naturaleza sobre el ser humano. Fuegos, catástrofes, hundimientos, fenómenos naturales son descritos por el pintor y sitúa al ser humano como un elemento empequeñecido ante la grandeza de la naturaleza.
2. Nos situamos en el contexto de la Revolución Industrial, el cuadro se pinta en un momento de decadencia para Inglaterra que, habiendo sido una potencia mundial, ha perdido mucho poder en detrimento de otras nuevas como EEUU. El barco antiguo, el Temerario, fue victorioso en la batalla de Trafalgar. Se dice que esta obra representa una Inglaterra en declive que se está retirando y que está siendo sustituida por lo moderno, representado por el barco de vapor.

E.

1. Técnica: La obra, Temerario remolcado a dique seco, está realizada en óleo sobre lienzo, técnica en la cual los pigmentos se aglutinan con aceite de linaza. Turner experimenta con técnicas como: espátula, raspados, restregados… aportando a la obra una dimensión matérica.
2. Uno de los principales aspectos es el color unido a la luz, donde predominan los colores del círculo primario: Rojo, azul y amarillo mezclados con el color blanco creando una suavidad y ayudando a la hora de crear el resto de colores que se muestran en el cuadro.
3. Luz reflejada: Es uno de los principales elementos dentro del cuadro y se puede observar en las sombras que se proyectan en el agua del mar producidas por el sol, las cuales muestran el mismo color que el elemento reflejado.
4. Por otro lado, cabe a destacar la pincelada, es matérica, cuenta con mucha carga de color aunque en algunas zonas en las que se reflejan los elementos del cuadro como el reflejo que se produce en el mar, la pincelada está más diluida. No obstante, la pincelada en el cielo es muy pastosa, creando mucha textura y peso visual.
5. Dibujo y forma: Todos los elementos del cuadro están abocetados, sin detalles casi formando masas, excepto el Temerario, donde se aprecian los detalles de la proa y las velas desplegadas.

C. Los fusilamientos del 3 de mayo o Los fusilamientos de la Moncloa (1814) (Francisco de Goya)

A. Esta obra del pintor Francisco Goya se enmarca en el Romanticismo. El Romanticismo es un movimiento artístico y cultural que surge en el siglo XIX en Inglaterra y Alemania como una reacción contra la Ilustración. Su característica fundamental es la ruptura con la tradición clasicista basada en el conjunto de reglas estereotipadas. Esta pintura es revolucionaria en amplios aspectos: tema, técnica y estilo.

1. El Romanticismo trata temas patrióticos en el género histórico, siendo esta obra ubicada en el mismo no sólo por contarnos un relato de la actualidad de aquel momento: la ejecución de un grupo de sublevados en Madrid, sino también por el gran formato, la composición neobarroca con abundancia de personajes y la localización del lugar, la montaña del Príncipe Pío y un edificio al fondo.
2. Una de las características de la pintura romántica es el predominio del color y la luz sobre el dibujo. El color es expresivo y simbólico: utiliza una gama de colores tierra, oscuros, combinados con rojo y amarillo (bandera española) y luz de inspiración tenebrista, que emana de un farol que alumbra a los que van a morir, organizando la composición en dos partes: soldados franceses y civiles españoles.
3. Se observa una pincelada suelta, dinámica de rápida ejecución. Esta obra se adelantó a su tiempo por su estilo inacabado.

B. En la obra predominan en general, los colores tierra oscuros que pueden representar el sufrimiento del pueblo español y la barbarie cometida por los soldados franceses. Sin embargo, hay una figura que destaca por llevar una camisa blanca, la figura a la que apuntan los soldados y tiene los brazos hacia arriba, que refleja, quizás, la esperanza de un pueblo que lucha. A la hora de componer el cuadro, Goya se asegura de que los soldados queden de espaldas al espectador, de tal modo que no se vean sus rostros. En mi opinión, esto unido al hecho de que todos tienen la misma postura ayuda a establecer un carácter la relación entre la estructura ordenada y uniformada del ejército con la crueldad. Por otra parte, el empleo de una pincelada enérgica, dinámica y suelta hace que la manera de plasmar la situación sea más cruda, más fugaz incluso. Al no haber un dibujo preciso, da la sensación de que el artista ha reducido la imagen hasta tal punto que el sentimiento de brutalidad y sufrimiento que quiere transmitir se ve más claro.

C. Estructura y foco:

1. La luz sirve para estructurar el cuadro en una diagonal que separa dos ideas contrapuestas: la composición se divide en dos: los individuos que disparan y los fusilados. El autor ha dejado en el lado derecho, donde se sitúa la sombra, a los soldados franceses. Se forma una fila ordenada en perspectiva, así como los fusiles en paralelo uno al lado del otro. Esta situación de los personajes unido al color gris transmite temeridad, miedo, falta de humanidad. Sin embargo, la luz amarillenta se encuentra enfocando hacia los españoles que van a ser fusilados y a algunos yacentes.
2. Centro de interés: El hombre con camisa blanca y con los brazos en alto en gesto heroico que aparece en la obra es el protagonista, el héroe anónimo que representa al pueblo español. Su vestimenta y la posición de sus brazos hace que destaque del resto.
3. Punto de vista: Se supone que el autor, Goya, creó esta obra para que se mirase desde la posición de los soldados franceses de espaldas, que apuntan desde el lado derecho, deshumanizados, y así observar la expresión de las víctimas que representan el dolor del pueblo español, en sus rostros se puede apreciar toda una serie de reacciones.

D. Los fusilamientos del 3 de mayo es una obra pintada por Goya entre 1813 y 1814 que pertenece al Romanticismo.

1. El contexto histórico que relata es la Guerra de la Independencia. Esta obra fue un encargo del gobierno a Goya para conmemorar el fin de la guerra. Relata que en 1808 las tropas napoleónicas comenzaron la conquista de territorio español y todos aquellos civiles que se opusieron fueron fusilados, y ese momento es lo que representa esta obra. Muestra además, la lucha y el sufrimiento del pueblo español y sus ansias por libertad.
2. Goya es un pintor aragonés nacido a mediados del s.XVIII, que representa a uno de los mejores artistas a nivel mundial. Su estilo abarca desde el Rococó hasta el Pre-Romanticismo y es precursor del Expresionismo como se puede apreciar en esta pintura de tonos ocres oscuros. A nivel personal la guerra marcó de sobremanera a Goya, y su pintura posterior se verá influida por el sufrimiento del autor en dicha guerra, unido a las enfermedades y la vuelta de un gobierno español retrógrado alejado ya de los ilustrados a los que él admiraba. Su estilo cambió a partir de esta obra y anunciaría su serie de Pinturas Negras.

E.

1. Es una obra realizada en gran formato, aplicando óleo sobre lienzo, técnica en la cual los pigmentos se aglutinan con aceite de linaza. El autor ha utilizado capas finas de pintura muy diluida.
2. Uno de los aspectos formales principales y que más se puede apreciar es el predominio del color sobre el dibujo, ya que si nos fijamos podemos observar que no hay mucho dibujo, más bien es mancha, para ello utiliza una pincelada rápida y enérgica y con poco detalle.
3. Utiliza una gama cromática oscura típica de la pintura española barroca con grises, negros, ocres, junto con un poco de verde, amarillo y rojo que son los colores más llamativos en la obra.
4. La escena al ser nocturna tiene una luz artificial, en este caso, proviene de una lámpara que está colocada entre los soldados y los civiles que van a ser fusilados. El foco ilumina de abajo a arriba. El hecho de que el fondo sea negro, al ser de noche, crea un fuerte contraste que hace que centremos la atención en los personajes españoles, que son los más iluminados. Estos contrastes le dan más dramatismo a la imagen.
5. Perspectiva aérea: Se pueden ver varios planos de profundidad: 1º soldados, 2º españoles, 3º montaña, 4º paisaje. La perspectiva cónica se aprecia en la fila de los soldados y en la dirección oblicua de la luz. A medida que los personajes se van alejando, pierden nitidez, de forma que el edificio del fondo no se aprecia.

D. Saturno devorando a sus hijos (1819-23) (Francisco de Goya)

A. Esta obra de Francisco de Goya se enmarca en el Romanticismo, el cual es un movimiento cultural que se originó en Alemania y Reino Unido a principios del s.XIX como una reacción revolucionaria contra el racionalismo de la Ilustración y el Neoclasicismo, confiriendo prioridad a los sentimientos. Su característica fundamental es la ruptura con la tradición clasicista basada en el conjunto de reglas estereotipadas. En esta obra Goya se anticipa estilísticamente, conteniendo rasgos expresionistas, como la distorsión del personaje.

1. Una de las características principales del Romanticismo es la libertad técnica para expresar sentimientos, y Goya utiliza en esta obra un estilo inacabado de pincelada suelta a base de manchas y pinta las figuras con contornos imprecisos.
2. Otra característica del Romanticismo es la primacía del color y la luz por encima del dibujo. En esta obra predomina el negro, gris y tonos marrones, junto con una luz tenebrista para representar una atmósfera oscura fruto de su propia experiencia vital.
3. Además, esta obra también conecta con el Romanticismo porque Goya utiliza la temática mitológica a través de la simbología encarnada en un monstruo terrorífico para simbolizar no solo estados personales, sino una situación política, la del rey de España entregando a su pueblo a los franceses.

B.

1. El primer aspecto que destaca de esta obra es la composición: observamos un personaje en tensión y aislado con un fondo neutro, que puede representar el propio aislamiento que vivió Goya, no sólo por la sordera sino por su rechazo a la instauración de un nuevo gobierno despótico, de modo que se recluye en su casa, la Quinta del Sordo.
2. En cuanto al estilo, se acerca mucho a lo que será el Expresionismo, siendo Saturno una figura distorsionada y desproporcionada con cierto grado de animalismo que engulle y aprieta a su presa, lo cual contribuye a reflejar el sufrimiento por el que estaba pasando el pintor, así como muestra la visión monstruosa que tenía Goya sobre el ser humano.
3. Finalmente, el empleo de la luz tenebrista con fuertes contrastes de claroscuro, que proviene de un foco desde arriba e ilumina la cara de Saturno y el cuerpo de su hijo, aportando tenebrosidad a la imagen y ayuda a reforzar los sentimientos de aislamiento y sufrimiento.

C.

1. En la obra Saturno Devorando a su hijo, el principal centro de interés se encuentra situado en las manos, además de la fuerza que ejerce al apretar el cuerpo, transmitiendo al espectador sensación de energía concentrada hacia dentro, de la rabia interna que tiene el elemento representado.
2. Estructura en forma de Z: Las líneas de recorrido visual van de izquierda a derecha recorriendo piernas y brazos de Saturno, y también localizamos una línea vertical que pasa por el cuerpo que está siendo devorado, por las piernas y hasta la cabeza de Saturno. Esto lleva a que la tensión de las líneas contradictorias que se cruzan provoquen sensación de lucha e inestabilidad, además de la anteriormente mencionada tensión.
3. La figura aparece fragmentada y descolocada, y no aparece todo su cuerpo en el cuadro, lo cual hace que se transmita al espectador tensión y desequilibrio.

D.

1. Saturno devorando a su hijo es una obra realizada por Goya entre 1820 y 1823 que pertenece al Romanticismo en su serie de las Pinturas Negras. El contexto histórico de esta obra es muy importante debido a que en ella influye mucho la Guerra de la Independencia (1808 a 1814) y sus secuelas cuando España se enfrenta a las tropas invasoras francesas. Goya quería reflejar y hacer crítica de las consecuencias sociales que deja la guerra, ya que tras la guerra el país sufrió un retroceso con el reinado de Fernando VII. También influyó mucho que Goya, además de sufrir de la sordera, en esta época enfermó y se recluyó en su casa con una amante más jóven.
2. Goya pintó esta obra, junto con el resto de pinturas negras, en las paredes de su casa, la Quinta del Sordo. En estas pinturas trata muchos temas: brujería y akelarres, monstruos mitológicos, escenas de lucha; en dichas pinturas reflexiona sobre la vejez y el paso del tiempo, como en Saturno devorando a su hijo, o Los viejos comiendo sopas.

E.

1. Saturno devorando a su hijo está realizada en óleo sobre pared, la pared de la casa del autor, Goya. Esta técnica consiste en aglutinar los pigmentos con aceite de linaza.
2. Uno de los aspectos formales principales es la luz, que enfoca desde el lado superior izquierdo el rostro de Saturno y el cuerpo de su hijo. Se crean fuertes contrastes y sombras, de tal manera que el fondo de la obra queda totalmente negro.
3. Si observamos con mayor detenimiento, se puede ver que predomina la mancha sobre el dibujo. Para conseguir esto utiliza una pincelada ágil y rápida sin pararse en los detalles. Esta inmediatez de la pincelada tiene carácter expresivo.
4. El color cobra gran importancia: los ocres y los rojizos, negros y verdosos, que destacan sobre el fondo. La gama cromática consta de tonos ocres y marrones mezclados con grises, destacando el rojo de la sangre.

E. El Pajar (1844) (Henry Fox Talbot)

D. Esta obra es un calotipo llamado “El pajar“ realizada por Henry Talbot en 1844. Talbot fue uno de los pioneros de la fotografía, creando el proceso Calotipo o Talbotipo, pero previamente ya había experimentado con sus dibujos fotogénicos. Era un procedimiento químico por el cual obtenía la imagen en negativo. Podía positivarse tantas veces como se quisiera en papel y tenía un coste más económico que la placa de metal. Llegó a conseguir cámaras muy reducidas con imágenes perfectas y pequeñas. La imagen de El Pajar aparece en una publicación titulada El lápiz de la naturaleza, que contenía 25 calotipos. Este método fue elegido como el más adecuado para el mercado editorial de mediados del siglo XIX y la distribución en masa y se utilizó sobre todo para representar monumentos y paisajes.

E.

1. Técnica: La fotografía “El Pajar” se trata de un calotipo realizado sobre papel emulsionado con nitrato de plata. La imagen tiene interés documental y técnico. Nos muestra una estructura rural hecha de paja.
2. Tiene alta nitidez de detalles, como se puede ver en la textura de la hierba, sobre la cual la luz hace que la percibamos punzante.
3. La imagen principal está en amplia escala de grises con un elevado contraste de tono de la figura del pajar con el fondo, ya que los tonos verdes se revelaban como negro.
4. Es una toma muy estudiada, poco casual, ya que el autor tomó la fotografía a una hora del día en la que la escalera proyecta una sombra vertical haciendo resaltar la línea vertical y las formas geométricas que se generan por la estructura cúbica y escalonada de los bloques de paja.

F. La balsa de la medusa (Théodore Géricault)

A. La obra pertenece a Theodore Gericault y pertenece al Romanticismo, movimiento cultural surgido en Europa a comienzos del siglo XIX. Este movimiento se opuso a los principios sostenidos por la Ilustración y el Neoclasicismo, que le dio el máximo peso a la razón. La obra sigue los parámetros del romanticismo por los siguientes aspectos:

1. La pintura es de género histórico, y se sitúa en el romanticismo, ya que narra un suceso ocurrido por aquella época en torno a un naufragio, idea muy recurrente a través de la cual los artistas románticos sitúan al ser humano empequeñecido a merced de los caprichos de la naturaleza.
2. Sabemos que pertenece al Romanticismo por el uso del color y la luz, protagonista de la obra con una gama cromática reducida a ocres y marrones creando una atmósfera dramática, claroscuro siguiendo el estilo romántico.
3. Es una obra de gran valor simbólico, propio del Romanticismo, utilizando elementos de la naturaleza para expresar sentimientos e ideas, como se puede ver en el cielo y las olas: esperanza, salvación/muerte, peligro.
4. Supone una ruptura contra la calma y el orden neoclásico, mostrando a través de una composición barroca una sensación de caos y de dramatismo.

B. El cuadro muestra la pérdida de la fragata Medusa, enviada a Senegal por el gobierno francés, en 1816, bajo el mando del conde Chaumareix, oficial de la armada, inactivo durante 25 años, a cuya incompetencia se le atribuía el desastre. Para interpretar este cuadro voy a señalar ideas opuestas que están presentes desde distintos aspectos:

1. En esta obra encuentro elementos estilísticos paradójicos que se pueden apreciar en: la belleza de los cuerpos, al más puro estilo de Miguel Ángel, y el horror en sus caras, adentrándonos en lo sublime/terrible.
2. La vida y la muerte de distintas personas que se encuentran en la balsa se percibe a través de la composición en dos estructuras triangulares donde se agrupan: esperanza y desesperación en los gestos; peligro de la ola que se acerca a ellos y la salvación que es el barco.
3. A través de la luz en el fondo y oscuridad, en el mar, el autor nos anuncia la esperanza y el peligro a la vez.
4. Los colores cálidos están dispuestos para las personas vivas y fríos los emplea para el mar y los hombres muertos.

C.

1. Estructura compositiva: Es una composición barroca compuesta por un amasijo de personajes, y se estructura en torno a dos pirámides, separadas simbólicamente: la esperanza y la desesperanza. En ellas se congregan los supervivientes y los muertos, con un abanico de gestos y posturas que hacen mención a esas dos ideas contrapuestas. Una pirámide compuesta por el mástil, la vela y el conjunto de personas muertas; otra con el grupo que se alza avistando el barco a lo lejos que les rescatará.
2. Líneas de recorrido visual: Existe una línea que va desde la esquina inferior izquierda hacia el personaje que tiene la camisa agitándola, esta línea está dirigida por la luz y por los brazos de los personajes que señalan hacia arriba, en la dirección del barco que les salvará.
3. Movimiento o dinámica: Posee líneas diagonales las cuales tienden a generar una sensación de inestabilidad y movimiento, frente a las líneas horizontales y verticales, que generalmente sugieren estabilidad y quietud. Todo este conjunto de líneas trata de crear en el espectador la sensación de que la balsa se mueve hacia la imponente ola que aparece a la izquierda, y que amenaza con engullir a sus ocupantes. Todos estos recursos se conjugan para crear una composición muy dinámica, que además se ve acentuada por otros aspectos, como por ejemplo, la inclinación de la balsa o a la precaria situación del náufrago subido al barril, del que se va a caer de un momento a otro.

D. El título de la obra es La balsa de la Medusa, de Gericault.

1. El cuadro muestra la pérdida de la fragata Medusa, enviada a Senegal por el gobierno francés, en 1816, bajo el mando del conde Chaumareix, oficial de la armada, inactivo durante 25 años, a cuya incompetencia se le atribuía el desastre. Los marineros, en esta situación de riesgo y para sobrevivir, tuvieron que hacer una balsa improvisada. Dicha balsa, junto a los supervivientes, acabó a la deriva sin que nadie fuese a buscarlos.
2. Gericault, artista francés, cuando hizo esta obra pensó que iba a tener mucho éxito pero en Francia no triunfó en absoluto, ya que no tuvo buenas valoraciones por parte de los críticos. Esto en parte se produjo, debido a que la obra era una crítica sobre la incompetencia francesa, algo que en aquella época no era bien recibido. Esta obra es de gran importancia, porque sirve de punto de inflexión en el arte, ya que se comienza a pensar en el mismo, como medio de protesta.

E.

1. El cuadro que se nos presenta, es un óleo sobre lienzo de gran formato.
2. En cuanto al color la gama cromática usada, se mueve por los tonos ocres oscuros y azulados lo que le proporciona a la obra, drama y tristeza. Asimismo, están todos los colores armonizados siendo más oscuros los del mar y el más claro en el cielo. Hay cuerpos muertos pintados con tonos grisáceos.
3. Sobre la luz, podemos ver que existe un foco de luz natural que viene desde la izquierda que ilumina la balsa, pero que también crea grandes contrastes, una idea proveniente del Barroco, y que posiblemente inspiró esta obra. También, hay un foco de luz en el horizonte, representando la esperanza, y que ilumina diversos cuerpos de la obra.
4. La pincelada suelta: el cuadro de grandes dimensiones, a pesar de la abundancia de figuras anatómicamente idealizadas y rostros expresivos, está pintado a base de anchas pinceladas, que se pueden notar en la no definición de los bordes.
5. La forma anatómica: Gericault era un gran admirador de Miguel Ángel y Caravaggio, se centró en mostrar unos cuerpos idealizados con formas musculadas, y también hay otras figuras muy realistas, los muertos, ya que Gericault utilizaba modelos del depósito de cadáveres.

G. Los fusilamientos del 3 de mayo o Los fusilamientos de la Moncloa (1814) (Francisco de Goya)

Esta sección es una repetición de la obra C. Los fusilamientos del 3 de mayo, ya analizada anteriormente.