1.- Aspectos biográficos y evolución artística

Francisco de Goya y Lucientes nacíó en el pequeño pueblo Aragónés de Fuendetodos en 1746. Hijo de un decorador comenzó sus estudios en Zaragoza y a los diecisiete años marchó a Madrid, donde continuó su aprendizaje, intentando en vano triunfar en los concursos de la Real Academia de San Fernando. De su juvenil visita a Italia apenas si sabemos que obtuvo el segundo premio de la Academia de Parma por su cuadro, hoy desaparecido, Aníbal cruzando los Alpes. De regreso a Zaragoza, en 1771, recibíó su primer gran encargo conocido: la pintura de la Bóveda del Coreto del Pilar. Cuatro años más tarde, en 1775, entró en la Corte como pintor de cartones para la Real Fábrica de Tapices gracias a la intervención de su cuñado el pintor Francisco Bayeu. Su fama crecíó y en 1780 se le encomendó otra bóveda en el Pilar de Zaragoza. Goya fue ganando admiradores entre la aristocracia y los principales personajes de la Corte gracias a sus excepcionales dotes de retratista. De esta manera, se le abren las puertas de casas tan importantes como la Casa de Alba o la del Duque de Osuna, llegando en esta época a retratar a Carlos III o al infante Don Luís. Así, pasó a convertirse en pintor del rey ocupando un puesto distinguido en la Academia de San Fernando mientras los encargos se multiplican viviendo uno de sus mejores momentos profesionales. Esta es una época feliz y optimista en su vida lo que se refleja en una pintura igualmente amable y vitalista. Sin embargo, poco antes de 1790 sufre una enfermedad que pone en peligro su vida y deja profunda huella en su manera de ser y en su arte. Como secuela de la enfermedad se queda sordo lo que se va aislando del exterior mientras que su espíritu se concentra en sí mismo manifestándose en una imaginación portentosa. Ya no contempla el mundo desde el ángulo optimista de los tapices sino que siente que la humanidad tiene defectos de toda índole dejando entrever sus aspectos más grotescos en su serie de grabados Los Caprichos. Simultáneamente, Goya sigue retratando a los Reyes y a los personajes de la Corte y realizando frescos como los de la Iglesia de San Antonio de la Florida en Madrid. La invasión napoleónica y la Guerra de la Independencia lo convierten en testigo de muchas escenas de horror y sangre lo que acrecienta su visión pesimista del mundo que se manifiesta en obras como la serie de grabados de Los Desastres de la guerra o en sus monumentales lienzos El Dos de Mayo o La carga de los mamelucos y El tres de Mayo o Los fusilamientos de la Moncloa.

Tras el regreso al trono de Fernando VII (en el año
1814), Goya mantuvo su cargo de pintor de Cámara. Viudo ya desde poco antes de cumplir los setenta y cinco, hacia 1820, sufre una nueva recaída en su enfermedad. Se traslada a una casa que compra al otro lado del río Manzanares, a la que las gentes llaman la Quinta del Sordo, cuyas paredes decora con una serie de frescos (las Pinturas Negras) en las que da rienda suelta a su  aginación cada vez más exaltada, pesimista y poblada de monstruos y brujas. Restaurado el régimen absolutista tras el Trienio Liberal (1820-1823), y pesando sobre él la sospecha de haber sido un afrancesado, Goya solicita permiso para marcharse a Francia establecíéndose en Burdeos donde continua pintando (La lechera de Burdeos) y renovando su técnica hasta que muere a los 82 años de edad. Goya fue testigo de excepción de un periodo fundamental de la Historia de España (el de la crisis del Antiguo Régimen) ante la que tomó una postura de defensa de la dignidad humana. En el plano personal podemos sintetizar su evolución en las siguientes fases (que se reflejan evidentemente en su evolución artística): ·

Primera etapa: 1762-1775

Goya llega por vez primera a Madrid, cuando todavía estaba vigente el Barroco en la persona de su maestro Luzán. Entró en contacto con los académicos de San Fernando Mengs y Bayeu, que influirían claramente en su obra, de gusto clasicista y académico, con una pincelada viva y densa. Viajó a Italia, y como consecuencia de la influencia de los pintores italianos renovó sus procedimientos técnicos y aparece en él una clara inclinación hacia el Realismo popular y caricaturesco. De esta época son obras de tema religioso como La  gloria del nombre de Dios fresco para la Bóveda del Coro de la Basílica del Pilar y el friso mural, al óleo, con episodios de la vida de la Virgen en la Iglesia de Aula-Dei ambas en Zaragoza

Segunda etapa: 1775-1792

El artista vuelve a Madrid y comienza a trabajar en la Real Fábrica de Tapices bajo lasórdenes de Mengs pero por la temática de carácter costumbrista puramente decorativa que levenía impuesta, no pudo desarrollar su propia personalidad. Este campo le ofrecíó, sinembargo, un ambiente propicio tanto para el perfeccionamiento técnico como para expresaruna visión agradable, fresca y sonriente de la vida popular que le rodeaba. De su abundanteproducción destacan El quitasol, La gallina ciega, El columpio, El albañil herido, La Vendimia, Laera, La Maja y los embozados y La Pradera de San Isidro resueltos con una gran ligereza en laejecución y un vivo colorido y todos. Todos estos Cartones se encuentran el la actualidad en
el Museo del Prado.En 1780 retoma el tema religioso en la Cúpula y las pechinas del Pilar de Zaragoza.Paralelamente, Goya se reveló como un excepcional retratista: Reyes, aristócratas,intelectuales, artistas, etc., posarán para él: El Conde de Floridablanca, Carlos III cazador, LosDuques de Osuna, etc.

· Tercera etapa: 1792-1808

Esta etapa se inicia con la enfermedad que habrá de producirle la sordera y que marcarápara siempre su vida interior convirtiéndole en un ser fantástico y visionario; su dibujo sevuelve ahora extravagante, sin reglas ni convencionalismos.Según Zapater, su amigo de la infancia, “se vio agitado por las nuevas ideas que en esemomento recorrían Europa”, así como por las luchas internas entre absolutismo y liberalismo
que le llevan a una actitud progresista y de crítica social. De esta época son Los Caprichos(1799), primera de las series que realizó Goya .Su labor como pintor de retratos continúa y mejora en este periodo. Posaron para él
tanto los reyes y aristócratas como sus propios amigos: Moratín, Jovellanos, El infante D. Francisco de Paula y La familia de Carlos IV lienzo en el que revela de modo realista e irónico las dudosas cualidades morales y la vulgaridad humana de los retratados. Se autorretrata, con el grupo, en la sombra, al igual que hiciera Velázquez en Las Meninas. El Realismo llega a una crueldad sin concesiones. Por encargo de Godoy, a quien pinta en 1801, realiza dos de sus obras más atrevidas: La maja vestida y La maja desnuda . Al parecer, ambas obras se presentaban juntas y por medio de un dispositivo de superposición, se mostraba una u otra según conviniera. Poseen ambas una técnica y unas formas refinadas y elegantes, en un juego de curvas, luces y
sombras.

· Cuarta etapa (1808-1828)

Durante esta etapa los acontecimientos históricos que tienen lugar en España,marcarían a Goya y a su pintura definitivamente. Con la caída de Fernando VII y la llegada de José I (de quien también fue pintor de Cámara), Goya, -aunque esperanzado por los aires reformadores que llegaban de Francia- se mostró contrario a los desastres que la guerra está produciendo sobre el pueblo. No olvidemos que el artista había salido del pueblo y nada relativo a él le era indiferente. Realizo dos lienzos monumentales sobre el comienzo de la Guerra de la Independencia: La carga de los mamelucos (2 de Mayo en Madrid) y Los fusilamientos de la Moncloa (3 de Mayo en Madrid). Estos lienzos no pretenden ser narrativos, sino que, junto con Los Caprichos y Disparates, fueron parte del monólogo de un hombre sordo y cansado, que durante la última parte de su vida proyectó en el “populacho” -hambriento, maltratado y presa de la Inquisición- sus visiones de miedo y desesperanza. En Los fusilamientos de la Moncloa predomina la sencillez técnica a base de contrastes de luces y sombras; la concepción formal y el patetismo en la expresión serán un precedente del Expresionismo, patente ya en las Pinturas Negras. Realizó éstas a partir de 1819, en la llamada “Quinta del Sordo”, casa a orillas del Manzanares que adquiríó a la sazón y que decoró con sus propios cuadros, entre los que se encuentran Saturno devorando a sus hijos (d), El aquelarre (d), Lucha a garrotazos, La romería de San Isidro…., que pueden ser, por su contenido, un precedente del Surrealismo. A través de su denso ambiente, su atmósfera oscura, su gama cromática y su concepto espacial crean una fuerte tensión psicológica. Como ya hemos señalado en el análisis de su biografía, Goya por haberse manifestado partidario de la Constitución liberal y temiendo por la incautación de sus bienes al restablecerse en 1823 de nuevo régimen absolutista (tras el Trienio Liberal) por Fernando VII,decidíó marchar a Francia, afincándose en Burdeos. Moratín describe con estas palabras
aquellos que se presagiaban como últimos momentos de su vida: “Goya ha venido sordo,
torpe y débil, pero muy deseoso de ver mundo”. Durante su última temporada en Francia
realiza La lechera de Burdeos, anticipo del Impresionismo, donde parece vislumbrarse una nueva
esperanza ante la vida; una vida llena de sensaciones y vivencias que dejó tras de sí sugerentes
trabajos, de los que se han servido las generaciones posteriores hasta la actualidad.

· Goya, grabador y dibujante. Las referencias hechas hasta ahora a Goya han sido casi exclusivas a la pintura al óleo, pero el artista, en su afán de investigar todo tipo de técnicas y medios de expresión (aguatinta, guafuerte), realizó las series de grabados que enumeramos a continuación: 1.- Los Caprichos (1796-1799), inspirados en su imaginación, en estampas populares, en dichos del pueblo y en libros de magia. (Colección de 80 estampas)
2.- Los Desastres de la guerra de intención político-social (1810-18189).Y de crítica a la bestialidad humana (colección de 82 estampas). 3.- La Tauromaquia, serie concluida en 1815, para ilustrar un libro sobre las corridas de toros, por las que Goya sentía un gran interés (colección de 40 estampas) 4.- Los Disparates, representaciones de un mundo onírico e ilógico (1819-1823) difícil de interpretar,

1.- El marco histórico del impresionismo y el post impresionismo: Francia a finales del Siglo XIX

Dos serán los estilos artísticos más destacados del final del Siglo XIX (primero en Francia y desde allí en el resto de Europa): el impresionismo y el postimpresionismo. Son dosestilos fundamentalmente pictóricos, aunque en el caso del impresionismo se incluye tambiéna un escultor (Rodin)  contexto histórico de esta casi revolución Tras la revolución obrera de 1848 el proletariado occidental empezará a adquirir más relevancia social y política frente a la burguésía, pero serán los hijos de los burgueses los quese convertirán en los defensores de las masas obreras plasmando en sus escritos o en suspinturas los problemas y el vivir cotidiano del obrero.En política y en arte Francia sigue siendo el referente del mundo, especialmente la época delII Imperio, con Napoleón III. En estos momentos el arte está dominado por losacademicistas y por las Academias de Bellas Artes. Fue en este contexto en el que unconjunto de brillantes pintores rompen con el arte oficial. Este choque se produjo en el Salóne 1863 cuando más de tres mil obras de jóvenes pintores fueron rechazadas por losepresentantes del arte oficial. La emperatriz de origen español Eugenia de Montijo tuvo queintervenir y permitíó que con esas obras se montara una exposición paralela, (el Salón de losRechazados). El público se volcó con los pintores marginales. Será a partir de 1870cuando algunos de ellos formaron un grupo con unos objetivos comunes: el estudio de la luzy del color, la aplicación den nuevas técnicas pictóricas con predominio de las manchas ydesaparición de la línea y el contorno, y la ruptura con el arte oficial. Así la pintura de lasegunda mitad del Siglo XIX seguirá dos caminos nuevos: el impresionismo y el simbolismoque en realidad suponen el fin del ciclo pictórico iniciado en el Renacimiento y el comienzodel arte contemporáneo.Algunos de los rasgos distintivos del movimiento impresionista habían aparecido ya en algunosde las innovaciones técnicas de algunos de los maestros del pasado: así por ejemplo lareflexión sobre los problemas de la luz y los efectos de la pincelada pastosa y suelta, seencuentran en una tradición pictórica que va desde los maestros venecianos (Tiziano,Veronés) hasta Rembrandt y Hals,

2.-Carácterísticas de la pintura impresionista:

a) El tratamiento de la luz: La tradición pictórica desde el Renacimiento tendíó a representar los objetos y las personas un tanto artificialmente. Los modelos se sitúan en el estudio siguiendo las indicaciones del artista. La iluminación procede, por lo general, de las ventanas. El artista crea la sensación de volumen mediante las diversas transiciones graduales de la luz a la sombra. Esta forma de iluminar los cuerpos y los objetos es una convencíón artificial a la que el ojo del hombre se había acostumbrado. No obstante y eso es lo novedoso del impresionismo,, cuando la fuente de luz cambia y se vuelve más potente, la impresión que recibimos es totalmente diferente. Esto ocurre sobre todo cuando los objetos son iluminados por el sol, al aire libre, como ocurre en las obras impresionistas pintadas au plein soleila técnica: El impresionismo, por el hecho de realizar sus obras al aire libre y por la necesidad de captar la inmediatez de los efectos luminosos y atmosféricos, utiliza una técnica de ejecución rápida y en muchas  asiones rapidísima. Las pinceladas suelen ser vigorosas y cargadas depasta. En unas ocasiones la pincelada es corta y en otras larga y sinuosa..c) La composición:Sustituyen la representación geométrica del Renacimiento por una concepción delespacio derivada del encuadre fotográfico, lo que supone en muchas ocasiones la ausencia de
un tema central e incluso la representación de figuras incompletas al quedar cortadas por losbordes del cuadro.

3. Personajes

Santiago Nasar

Joven de 21 años que abandonan los estudios de secundaria cuando su padre fallece y tiene que actuar como padre de familia y dirigir una hacienda que su padre le dejó en herencia es un personaje soñador alegre  y pacífico.

Bayardo San ROMán

Ingeniero de trenes cuya edad ronda los 30 años. Es galán con las mujeres, culto y un hombre adinerado. Sufre la deshonra ante todo el pueblo a pesar de lo cual volverá junto Ángela, 17 años más tarde.

Ángela Vicario

Es la menor en su familia, no creyente, muy recatada, respecto a los hombres, aunque todo momento era consciente de sus actos. Tenía un aire desamparado y ella no quería casarse pero su madre le dijo que el amor se aprende con el tiempo. Estaba enamorada de su esposo Bayardo San ROMán,  cómo le demuestra el hecho de que le escribe más de dos mil cartas de amor hasta que por fin 17 años después de lo sucedido consigue reconciliarse con él.
Pedro y Pablo Vicario hermano gemelo de 24 años. Pedro era más autoritario y más cruel y quien decide siempre por su hermano Pablo.
Plácida Linero sabe interpretar los sueños cuando está en ayunas, pero, ella no acierta en descifrarlo.
Ibrahim Nasar el padre de Santiago.

Victoria Guzmán

La cocinera de la casa de Santiago.

Purísima del Carmen

La madre de Ángela Vicario, había sido maestra de escuela a los hijos varones los dos gemelos los había educado para ser hombres; a las hijas para casarse.

4.Estilo

 Crónica de una muerte anunciada presenta una estructura circular, narrador en tercera persona, que presenta como nativo de ese lugar y testigo de algunos de los hechos que está contando. Mezclando la tercera persona del narrador cronista de la historia con la primera persona de aquellos testigos que cuentan sus propias versiones. Con la primera persona del propio narrador, quién utiliza para adoptar aportar su propia impresión. La narración de los hechos se mezcla con abundantes diálogos y fragmentos descriptivos para dar una mayor agilidad al lector. Tiene un lenguaje muy directo, en el que se busca más el relato objetivo de los hechos que la reflexión de tipo moral. En ocasiones asistimos a un registro vulgar como empleado por los hermanos Vicario; otras veces el lenguaje adquiere un registro más culto con tintes irónicos incluso concierto lirismo poético. La narración tiene un marcado carácter retrospectivo con saltos atrás en el tiempo (flash back) cuando empieza la novela Santiago ya muerto y cuando concluye éste acaba de morir.

El viejo y el mar El autor y su obra

Hemingway, Siglo XX, es uno de los más conocidos escritores de la literatura norteamericana. En la Segunda Guerra Mundial, se instala en Cuba y se aleja del mundo literario hasta que en 1992. Publica el viejo y el mar , novela que le devolvíó la popularidad y propicio, qué 1953 le concediera el Premio Pulitzer y en 1954 el Premio Nobel de Literatura, por el conjunto de su obras. Entre sus obras alguna llegará al cine como: Fiesta, Por quién doblan las campanas publicado en Toronto y el Verano peligroso.

2. Movimiento literario

Ernest Hemingway fue uno de los integrantes de la llamada Generación Perdida, nombre con el que se designa un grupo de  norteamericanos que han participado, como soldados o como testigos, en la Primera Guerra Mundial y que también me dieron la consecuencia de la Gran Depresión económica de 1930, a raíz del hundimiento de la Bolsa de Nueva York un año antes. Esos novelistas constituyeron una de las escuelas más importantes de la literatura norteamericana contemporánea.Las carácterísticas más relevante de la novela de los escritores de la Generación Perdida son los siguientes: reflejo de la sociedad norteamericana contemporánea, preocupación por la clases sociales más deprimidas defensa del pacifismo,empleo de técnicas narrativas novedosa como el perspectivismo la alternancia de narradores,narración en primera persona y el monólogo interior es muy frecuente el desorden temporal flashback y el fragmentismo narrativo.

Contenido

La obra se desarrolla en La Habana Cuba, en el mes de Septiembre, y está protagonizada por un viejo pescador, Santiago, hay que todo le llaman el Viejo. Este vive solo desde hace años, murió su esposa y recuerda su vida pasada con nostalgia y amargura, ya he llevado 84 días sin pescar nada, circunstancia que ya ha producido otras veces. En las otras ocasiones había  estado acompañado con un muchacho, Manolín ,que es también su mejor amigo, los pero los padres de éste en vista de la falta de pesca, le habían prohibido seguir con el viejo; el muchacho siempre está dispuesto a ayudarle. En el día 85, el viejo se adentra en el mar antes de amanecer. A mediodía logra pescar un enorme pez espada, mayor que su barca y que lo arrastra durante horas al mar adentro, cansado hambriento y herido.

Durante los tres días que dura la dura lucha con el pez, Santiago no para de pensar en el muchacho y también aprovecha para rememorar los pasados años felices. De regreso a puerto, un gran tiburón Mako, ataca al pez y se come gran parte de la carne de la cola, pero el viejo consigue matarlo con su arpón, pero a pesar de su lucha denodada contra los demás tiburones, estos consiguen comerse el gran pez, dejando sólo las espinas. Al llegar se dirige a su casa y se acuesta a dormir. Al día siguiente todo el pueblo comenta su gran admiración la hazaña del viejo y el enorme tamaño del pez. Manolín acude junto al viejo y al ver el lamentable estado físico se echa a llorar y le promete que a partir de ahora pescara de nuevo con él, porque todavía le queda mucho por aprender. El contenido en estructural  se divide en 3 partes con la tradicional división: presentación nudo y desenlace.

Temas

El tema principal es el de la lucha contra la adversidad. Relacionado con este tema aparece en el premio a la constancia y la valentía. También se trata el tema de la soledad, igualmente podemos considerar como un tema más el de la pesca. Otro tema son el de la ansiedad y la solidaridad, en este caso personificada en Manolín, el muchacho.

Personajes

El personaje principal es Santiago, el viejo, a quien se describe como un hombre flaco, que tiene los ojos vivos y azules como el mar, es una persona humilde pero orgullosa. Como un nuevo Quijote, este viejo valiente y perseverante, lucha diaria contra la adversidad. También es un gran pensador. Otro personaje protagonista es Manolín, el muchacho, tiene un afecto y un cariño sincero a Santiago, quién le había enseñado a pescar. El  muchacho ayuda mucho a el viejo, como haría un hijo con su  padre. Podemos hablar de otro protagonista, que de algún modo están sugeridos en el título del libro, tal es el caso de un personaje simbólico, el mar. El mar representado por un lado el medio hostil, contra  el que Santiago tiene que luchar, pero finalmente ese mismo mar, será el que le permite obtener el mayor de sus éxitos y la admiración de todos sus paisanos. Además hemos de hablar de los animales del mar, lo cual le cuentan con un protagonismo puntual en el desarrollo del relato gran pez espada, tiburones y los delfines y una avecilla a la que Santiago invita a descansar es un barco 
      

6. Estilo

 El viejo y el mar es una novela corta, escrita en tercera persona omnisciente, la narración es lineal; no obstante en algunos momentos el relato se vuelve retrospectivo gracias al uso de la técnica del flashback. La novela no representa división algunas partes en los capítulos. El relato de la narración se intercalan frecuentes diálogos  entre el viejo y el muchacho, conversaciones que el viejo mantiene consigo mismo, otras veces se trata de los diálogos que mantiene con el pez, con los Tiburones, o con la ave. El estilo sencillo muy directo y conciso, sin apenas alardes retóricos, con frases directas y cortas muy precisas y también las decisiones que aparecen en el texto  no son muy abundantes.

Introducción

Con el Realismo, se desarrolló en Europa un tipo de drama de escasa calidad; se trata de una comedia burguesa; por otra parte también existen varios dramaturgos que continúan cultivando un tema de trama  postromántico en verso. De ahí que finales del Siglo XIX, algunos autores dedican a apartarse de esta reproducción realista y minuciosa, para plantear un teatro cercano a los planteamientos estéticos del Naturalismo, en el que se profundizan en la psicología de los personajes y al tiempo que se realiza una crítica de la sociedad de una finalidad moralizadora. Entre estos, el dramaturgo destaca, el ruso Antón Chéjov, los escandinavos Henrik Ibsen y August Strindberg y el irlandés Óscar Wilde. Son autores que anticipan la renovación total de la escena que tendrá lugar a principios de Siglo XX.

2. El teatro noruego: Henrik Ibsen

El noruego Ibsen, Siglo XIX, es el gran renovador con un teatro psicológico, con un nombre de “teatro de las ideas” el tema preferido de Ibsen, es el derecho del del individuo a su  plena realización personal, frente a las convenciones sociales y morales que  coartan su libertad. Sus obras fueron consideradas escandalosas, por cuestionar el modelo de familia y de moral en su época. Actualmente sus obras tiene plena vigencia. La obra dramática de Ibsen, puede dividirse en tres etapas: en la primera, escribe dramas ROMánticos en verso. A partir de 1869,se inicia una segunda etapa, caracterizada por la crítica social, en estas obras escritas en prosa cuestiona los fundamentos de la sociedad burguesa, como por ejemplo en:  casa de muñecas espectros un enemigo del pueblo y el pato salvaje. Carácterísticas: análisis de conflicto de índole moral, centrados en el enfrentamiento entre la verdad y la mentira y la hipocresía, como en el pato salvaje. personaje con unos rasgos muy bien estudiados psicológicamente, especialmente lo femenino, como en casa de muñecas. gusto por el teatro clásico y respeto la regla de las tres unidades mínima acción y tensión dramática creciente.Su obra más conocida es Casa de Muñecas, denuncia de la situación de la mujer en el ámbito familiar y social. Nora se convirtió en el símbolo del feminismo y su autor en abanderado del mismo. Casa de muñecas se estreno en Europa, con una enorme polémica. En su tercera etapa y Ibsen cultiva un teatro de carácter simbólico, en el que sustituye la denuncia social por los temas de análisis de los conflictos individuales y existenciales. 

3. El teatro ruso: Antón Chéjov y Máximo Gorki

En Rusia, el Realismo dio un paso a un teatro psicológico, de la mano de Antón Chéjov, cuyo éxito es inseparable de la función del Teatro del Arte de Moscú. Allí se estrenó la primera obra de Chejov. El tema principal de su producción dramática en la frustración derivada de la imposibilidad de ser humano por haber cumplido sus sueños y sus deseos. Junto a este tema aparecen pésimo y la angustia de vivir. La Gaviota y  el jardín de los cerezos. En tío Vania ,varios personajes se enfrentan por la venta de una hacienda heredada ,lo que sirve para reflejar la miseria de la vida humana. Máximo Gorki es un escritor ruso, muy conocido por sus cuentos y por alguna de la novela de extensa como La confesión. De sus obras teatrales hay que destacar: pequeños burgueses y los bajos fondos.

4. El teatro sueco Strindberg

Es un dramaturgo sueco, que se inspira en el teatro de Ibsen, en una primera etapa dentro de Naturalismo y denuncia social, escribe obras en la que trata temas como la misoginia y la lucha entre sexos, ejemplo: la señora Julia, la relación amorosa entre su criado ambicioso y la señora Julia hija de un conde que sufre una enfermedad mental. Posteriormente evoluciona hacia un teatro más vanguardista y simbólico.

5. El teatro inglés Óscar Wilde

Óscar Wilde, autor de la novela el teatro de Dorian Grey. Como dramaturgo, es autor de una comedia protagonizada por la nobleza a la de críticó por su hipocresía. Sus obras están cargadas de intrigas y de humor; en  ellas hace gala de un lenguaje elegante refinado e  irónico. La más conocida, la importancia de llamarse Ernesto, otras comedias Un marido ideal.

6. El Teatro Español

Al final del Siglo XIX y durante los primeros años del Siglo XX, fueron surgiendo algunos intentos renovadores, llevados a cabo por los autores de la llamada Generación del 98. La figura más fuerte  y que más merece destacarse es Valle Inclán. El creador del esperpento y Luces de Bohemia. En la que da vida al genial personaje Max Estrella y es un pañero Don Latino Híspalis. Igualmente renovadora y experimental, fue la labor de un grupo de teatro La Barraca, compañía integrado por estudiante de la Universidad de Madrid, cuya labor consistía en difundir el Teatro Clásico por los pueblos y ciudades españolas y por tanto en  popularizar su cultura. El grupo fue dirigido por Federico García Lorca.