Romanticismo y Realismo

El Romanticismo, originado en Francia, surge como una ruptura con el Neoclasicismo y se caracteriza por la exaltación de los sentimientos y pasiones expresadas con ímpetu frente a la razón, mostrando rasgos similares al Barroco. En este contexto, las tropas de Napoleón, al recorrer Europa, sembraron, por un lado, las ideas de libertad, pero también provocaron el nacimiento del nacionalismo moderno (Risorgimento), lo que llevó a muchos pueblos a exaltar sus glorias pasadas, tomando como principal referente la Edad Media. Este movimiento muestra un gran interés por las fuerzas desatadas de la naturaleza, como las tormentas, así como por lugares tenebrosos y tétricos, como las ruinas y los cementerios. La pasión y el pensamiento se expresan con violencia, y también hay espacio para la fantasía, lo exótico y lo lejano, consolidando una nueva sensibilidad artística que se opone a la frialdad racional del periodo anterior.

Pintura Romántica

La pintura romántica en Francia es donde se recupera el color y la luz, volviendo los contrastes de luces y sombras. Las composiciones son dinámicas y dramáticas, con temas como la libertad y paisajes inmensos. Algunas obras destacadas son: La balsa de la Medusa (Géricault) y La Libertad guiando al pueblo (Delacroix).

La pintura romántica en Inglaterra se enfoca en la naturaleza y destaca por el paisaje con luz, color y atmósfera. Constable estudia la luz del paisaje inglés (El carro del heno), mientras Turner une naturaleza y tecnología (Lluvia, vapor y velocidad).

En Alemania, el Romanticismo se muestra de una manera más idealizada, teniendo en cuenta tres pilares: el misticismo, la expresión de los sueños y el sentimentalismo. Caspar David Friedrich representa la relación del hombre con la naturaleza inmensa y solitaria. Busca horizontes abiertos, nubes, mar y abismos. Obras: Viajero sobre un mar de niebla y El mar de hielo.

El Realismo surge como reacción a la idealización romántica. Busca representar la realidad objetiva y cotidiana, observando el presente, es decir, los comportamientos del día a día. Algunos factores que contribuyen a este giro son la implantación de la burguesía, representando los placeres de la vida, y el positivismo de Comte, que tiene como fuentes de conocimiento la observación y la experiencia.

También es característico el compromiso social, ya que el artista refleja su época, el desarrollo del proletariado y la crítica social, es decir, el mundo y la realidad en la que vive. También se pinta lo contemporáneo a su obra, como obreros. Realizan representación de cosas reales, bonitas o feas, y tienen una temática variada, mostrando así escenas al aire libre, familiares, paisajes rurales, urbanos…

Pintores Realistas Destacados

• Courbet: comprometido con los obreros, muestra la dura vida real (Los picapedreros, El taller del pintor).
• Daumier: caricaturista que critica la desigualdad (El vagón de tercera).
• Millet: se centra en campesinos que viven alejados de la ciudad (El Ángelus), sin tono crítico como Courbet.

Impresionismo

El Impresionismo se desarrolla en el último tercio del siglo XIX y principios del XX, y sienta las bases para los estilos del siglo XX. Nació en Francia. El término “impresionista” fue usado por primera vez en 1872 de manera despectiva y burlesca por el crítico Louis Leroy para referirse al cuadro de Monet Impresión, sol naciente, obra que mostraba la salida del sol en los muelles del Havre. La etiqueta se aplicó a los 165 cuadros expuestos por 30 artistas rechazados en concursos oficiales desde 1863. El salón se llamó Des Refusés (De los Rechazados), y su fracaso fue estrepitoso. Estos artistas se enfrentaron a la Academia, y la sociedad los consideraba “enemigos políticos del régimen”. Sin embargo, ni Monet, Renoir ni Degas buscaban hacer política, sino captar la naturaleza como la veían, sin mensajes morales. Eran obras que carecían de misterio, con una mirada más objetiva.

Características del Impresionismo

• Temática: Huyen de los cuadros históricos y buscan representar paisajes naturales y escenas del mundo cotidiano, como carreras de caballos, la ópera o las regatas. El paisaje lo representan, por ejemplo, con el sol reflejado en el agua, en los árboles o en la piel.
• Método de trabajo: Se basaba en la pintura al aire libre, no en talleres, con pincelada suelta, para poder captar los cambios de la luz natural. Salían temprano con sus caballetes en busca de paisajes, calles o cafés. Además, el uso de pinturas en botes de estaño favorecía la técnica de factura alla prima.
• Color y Luz: Los colores que empleaban eran los del arco iris, aplicados sin mezclar, siguiendo la teoría de Chevreul, según la cual la mezcla se produce en la retina del espectador. No utilizaban negros, tierras ni pardos. La luz está estrechamente relacionada con el color: cada color es una sensación lumínica. Como luz y color están unidos, si cambia la luz, cambia el cuadro. Las sombras no son oscuras, sino del color complementario del objeto, y se elimina el claroscuro, porque lo que realmente importa es resaltar la luz.

Principales Representantes

• Édouard Manet
• Claude Monet
• Auguste Renoir
• Edgar Degas

Vanguardias Artísticas

Si en el siglo XIX se aceleró la evolución artística con una rápida sucesión de modas y estilos, desde el cambio de siglo desaparece toda posibilidad clara de desarrollo lineal. Se inicia la época de las vanguardias históricas o “ismos”, una gran variedad de corrientes distintas y contradictorias, cada una con objetivos, técnicas y materiales propios. Todas ellas coexisten, rivalizan, se critican, evolucionan y desaparecen prácticamente al mismo tiempo. En las dos primeras décadas del siglo XX, París será la cuna de estas vanguardias artísticas. La capital francesa, en los años cercanos a la Primera Guerra Mundial, es una ciudad cosmopolita en la que trabajan artistas que presentan propuestas novedosas y rompedoras. Las vanguardias muestran su rebeldía frente al arte academicista, ya cuestionado por los impresionistas, y lo hacen de forma provocativa, rompiendo con el “buen gusto” burgués.

Principales “Ismos”

Aunque hubo muchos “ismos”, algunos efímeros, destacan los que tuvieron mayor recorrido:

• 1905: Fauvismo y Expresionismo alemán
• 1907: Cubismo
• 1916: Dadaísmo
• 1924: Surrealismo

Para facilitar su estudio, se agrupan en tres grandes bloques, vinculados a los pintores postimpresionistas:

1. Corrientes que priman la expresividad, relacionadas con Van Gogh y Gauguin, que valoraban el color, los contornos y lo “primitivo” frente a la civilización. Se incluyen el Fauvismo y los diversos Expresionismos, algunos de los cuales derivan hacia la abstracción.
2. Corrientes que priman el análisis, derivadas de Cézanne, que descomponen o recomponen la realidad de forma estática o dinámica, buscando un conocimiento intelectual. Destacan el Cubismo y el Futurismo (figurativos), y movimientos abstractos como el Neoplasticismo y el Suprematismo.
3. Corrientes que priman la imaginación, que desmitifican el arte, rechazan lo racional y se centran en lo salvaje, lo instintivo o lo onírico, vinculándose también con Gauguin. Incluyen el Dadaísmo, el Surrealismo y la Pintura metafísica.

Características del Arte del Siglo XX

• La pintura se libera de las reglas tradicionales.
• Se resalta el poder del color, como en el Fauvismo, o se elimina, como en el Cubismo Analítico.
• Se rompen los métodos tradicionales para representar el volumen: el Cubismo elimina el claroscuro y la perspectiva, y sustituye la visión única por la múltiple. Esta liberación comenzó con el Impresionismo.
• A diferencia de épocas anteriores como el Románico o el Gótico, en el siglo XX no existe un estilo globalizador. La característica fundamental será la libertad absoluta del artista.

Contexto Histórico y Social

El cambio verdadero no está entre los siglos XIX y XX, sino en la Primera Guerra Mundial o la Revolución Rusa. En este contexto se dan:

• La consolidación del régimen liberal
• La Segunda Revolución Industrial
• El auge del imperialismo
• Los movimientos obreros
• La Primera Guerra Mundial

En el arte influyen especialmente el movimiento obrero (que genera tensión), el contacto con otras culturas (africana y japonesa) y los avances técnicos y científicos. El arte se internacionaliza y se desarrolla a ritmo frenético.

Significado y Mercado del Arte Actual

El arte se convierte en medio de lucha contra los valores dominantes, como ocurrió con las vanguardias y el Dadaísmo. Hoy, también es un objeto de consumo dentro del capitalismo: se compra y vende en subastas, galerías, o se reproduce en carteles, libros, vídeos, etc. En los siglos XIX y XX, con el ascenso burgués, el arte pierde su valor de uso y gana un valor de cambio, volviéndose objeto de inversión y decoración.

Función Social del Artista

En la época contemporánea, el artista alcanza una verdadera independencia y mayor libertad. Desde el Romanticismo se introduce la figura del “genio” o artista maldito, que más tarde será el artista bohemio. El artista de vanguardia se opone al academicismo y en la actualidad no se limita a los medios tradicionales, trabajando con materiales diversos e incluso con su propio cuerpo. Esto ha generado incomprensión entre el arte contemporáneo y el público.

Picasso y el Cubismo

El Cubismo descompone imágenes en figuras geométricas, mostrando varios puntos de vista a la vez. Su nombre viene posiblemente de Matisse o Vauxcelles al ver cuadros de Braque formados por cubos. Sus antecedentes son Cézanne, el arte africano y el puntillismo de Seurat y Signac. Picasso y Braque decían que no importa qué significa el cuadro ni quién lo pintó, sino cómo funciona. Aunque duró poco (1906-1914), su influencia llegó a la escultura, arquitectura, diseño y literatura. El Cubismo es el movimiento más revolucionario del siglo XX. A diferencia del Fauvismo, aquí la forma se vuelve difícil de leer. Las figuras se distorsionan por múltiples perspectivas. Además, el Cubismo rompe radicalmente con la pintura tradicional del Renacimiento.

Características del Cubismo

• Movimiento que reacciona contra la dependencia de la retina de los impresionistas: organiza y estructura las formas según un proyecto.
• Rechazo de la perspectiva convencional renacentista: la luz desaparece.
• Rechazo de los colores de la realidad: uso de paleta austera (grises, blancos, verdes claros).
• Rechazo del punto de vista único: proponen la visión simultánea y la cuarta dimensión.
• El objeto se presenta desde varias perspectivas a la vez, sintetizadas en una sola obra.
• La temática sigue siendo tradicional: bodegones, figura humana, paisaje, instrumentos musicales (salvo Léger que incluye máquinas).
• El espacio del cuadro puede integrar elementos reales: aparece el collage.

Etapas del Cubismo

En el desarrollo del Cubismo se encuentran dos etapas distintas:

Cubismo Analítico

Es la primera etapa del movimiento. Se caracteriza por obras de dimensiones modestas, descomposiciones geométricas muy marcadas, colores apagados y líneas quebradas. La luz, profundidad y el dibujo están distorsionados. Se huye del antropocentrismo. Un ejemplo es El guitarrista (Braque).

Cubismo Sintético

Surge después. Sintetiza, une y reconstruye con elementos nuevos variados. Se incorporan objetos reales como el collage. Utiliza planos geométricos amplios, formas más decorativas, representaciones menos fragmentadas que en el Cubismo Analítico, colores más vivos y contrastados. Busca la fusión del arte y la vida cotidiana. Un ejemplo es Naturaleza muerta con rejilla de caña.

Pablo Picasso

Picasso es la máxima figura del arte del siglo XX, representa la culminación del proceso creador y la ruptura con la tradición. Posee una imaginación portentosa, es un incansable investigador de la pintura y domina la técnica perfectamente (a los 14 años ya dibujaba como Rafael). Nace en Málaga en 1881, pasa por La Coruña y Barcelona, donde frecuenta Els Quatre Gats, y estudia en la Academia de San Fernando en Madrid. Se instala en París en 1904.

Etapas de Picasso

• Época Azul (1901-1904): Es una etapa de tristeza y melancolía por la muerte de un íntimo amigo. Predominan personajes marginales como mendigos, ciegos, gente del circo. Sentimientos trágicos y pesimistas. Uso de tonos azules. Obras destacadas: El guitarrista ciego y La Celestina.
• Época Rosa (1904-1906): Esta es una etapa más optimista. Rostros más humanos, aun con rasgos de melancolía pero indiferentes. Figuras más suaves y redondeadas. Paleta con tonos rosas. La temática se caracteriza por personajes circenses, arlequines y mujeres. Obras: La planchadora, Familia de saltimbanquis, y el Retrato de Gertrude Stein.
• Etapa Cubista (1907-1917): Influida por el arte africano e ibérico. Cambio de estilo. Incluye el Cubismo Analítico y Sintético. Obra clave: Las señoritas de Avignon.
• Etapa Clásica: Tras el Cubismo, inspirado por su viaje a Roma y Pompeya, Picasso desarrolla un estilo clásico, influido por el arte renacentista y romano. Aquí mezcla dibujo fuerte con zonas casi ausentes de línea. También diseña decorados para los Ballets Rusos de Diaghilev (Los bailarines, 1925).
• Nuevos caminos: A partir de entonces, sus obras se vuelven más difíciles de explicar. Pasa por una fase surrealista e impresionista. Fase expresionista: época de la Gran Depresión del 29, fascismos, Guerra Civil Española. Sentimientos de angustia y exploración de emociones humanas. Cuerpos distorsionados, caras ocultas. Ejemplos de obras: Mujer sentada al borde del mar (1929) y La mujer que llora (1937).
• Etapa de esperanza: Con el final de la guerra, en Antibes (Mediterráneo francés), sus cuadros recuperan el colorido y la alegría, como en Los pichones, donde aparecen colores vivos y palomas.
• Nueva fase expresionista: Durante la Guerra de Corea retoma una estética más pesimista en obras como Matanza en Corea.
• Últimos años: Finalmente, en los años 60, realiza una serie basada en Las Meninas de Velázquez, reinterpretando los valores del Barroco desde el arte del siglo XX, mostrando que la realidad también reside dentro de la materia. En sus últimos años, Picasso continúa investigando incansablemente nuevas formas de expresión y soportes. Se hace famoso por sus grabados y cerámicas.

Expresionismo y Surrealismo

Expresionismo

El Expresionismo es el arte alemán de principios del siglo XX. A diferencia del Fauvismo, que era amable y fantasioso, el Expresionismo es pesimista e inquietante, aunque también usa colores intensos. En este estilo predomina el sentimiento sobre el pensamiento. Es la antítesis del Impresionismo, aunque ambos son movimientos realistas. Los colores no son verosímiles y se aplican de forma violenta. Estéticamente, es una poética de lo feo, lo bello caído en desgracia. Sus temas comunes son el sexo, las angustias, frustraciones y la relación hombre-mujer. Tiene precedentes en Goya y Van Gogh. Aunque es un arte comprometido, cada autor tiene distinta orientación política. Se divide en dos tendencias independientes, con gran diversidad desde el vivo colorido hasta lo abstracto.

Grupos Expresionistas

• Die Brücke (El Puente): Se fundó en 1905 por cuatro estudiantes en Dresde. Rechazan el Impresionismo y toman su nombre de Nietzsche. Su líder es Kirchner. Se inspiran en vidrieras góticas, máscaras africanas y Matisse. Usan colores arbitrarios, expresan angustias interiores, con pintura angulosa y colorida. Trabajan la xilografía.
• Der Blaue Reiter (El Jinete Azul): Fue fundado en 1911 por Franz Marc y Kandinsky. Usan el color con dinamismo y simbolismo, tendiendo hacia la abstracción. Franz Marc destaca con Caballos azules. Kandinsky propone una evasión de la realidad con manchas y signos gráficos emocionales. El grupo se disuelve en 1914 con la guerra, pero su legado lo recogen los expresionistas abstractos de EE. UU.

Edvard Munch

Edvard Munch, noruego, es el precedente más claro del Expresionismo. Al principio influido por el Impresionismo, desde 1892 tiene un estilo propio: líneas curvas, color arbitrario y temas como la muerte, enfermedad, ansiedad, amores frustrados y figuras como autómatas. Vivió en Alemania hasta 1908, vinculado con El Puente. En Paseo vespertino por las calles de Oslo transmite desesperanza. Su obra más famosa es El Grito, que expresa desesperación con líneas onduladas y colorido intenso. Tal vez inspirada en una momia peruana. En Pubertad muestra la angustia de una adolescente. En Madonna aparece una prostituta junto a un embrión rodeado de espermatozoides. Fue un gran grabador, con unos quince mil grabados.

Surrealismo

Surrealismo: Nace en 1924, influido por Freud. Destacan André Breton y el mundo de los sueños, lo absurdo, lo irracional. Tiene paralelismos con el Romanticismo y el Dadaísmo. Precedentes como El Bosco y Goya. Se usaron técnicas como el frottage y la decalcomanía. Explora lo subconsciente, lo onírico y lo erótico. Se rechaza el arte burgués.

Representantes del Surrealismo

• Salvador Dalí: Es el máximo representante del surrealismo onírico, con obra figurativa ligada al sueño. Tres etapas: a) Hasta 1928: conoce el Postimpresionismo y el Cubismo. b) 1929–1945: etapa más surrealista. c) Postguerra: rompe con el surrealismo oficial y crea un arte más comercial. Desarrolla el método paranoico-crítico, donde mezcla objetos incongruentes, animación de lo inanimado, fragmentos anatómicos, temáticas eróticas, etc. Obras clave: El juego lúgubre, El gran masturbador, La persistencia de la memoria (1931) con relojes blandos, inspirados en una metáfora visual. También Premonición de la Guerra Civil. Más tarde, hace obras como Cristo de San Juan de la Cruz y Sueño de Cristóbal Colón. Desde 1982, deja la pintura tras la muerte de Gala. También trabajó escultura y artes decorativas.
• René Magritte: Surrealista belga, con técnica realista y fotográfica. Usa elementos cotidianos en relaciones sorprendentes. Destaca por paradojas visuales y una lógica estricta. Influencia en el arte gráfico de los años 70.
• Joan Miró: Nacido en Barcelona en 1893. Aunque difícil de clasificar, se le relaciona con el Surrealismo. Su obra madura excluye lo real: formas caprichosas, líneas y manchas. Técnica precisa y limpia. Luego usa colores primarios y negros, con trazos espontáneos y dramáticos. Su estética es difícil por su desconexión con la realidad cotidiana.
• Marc Chagall: (1887), ruso, pintor de fábulas fantásticas, difícil de encasillar. Su obra se relaciona con el Surrealismo. Participó en la Revolución de 1917. Su pintura es narrativa, con recuerdos infantiles y escenas oníricas: personajes que vuelan, animales en tejados, violines flotantes… El color es llamativo, con combinaciones extrañas. Toma elementos del Cubismo y Expresionismo, con técnica libre.

Postimpresionismo

A finales de siglo, la pincelada suelta es sustituida por puntos de colores puros aplicados tras una cuidadosa elaboración; esta técnica se llama puntillismo o divisionismo. Su mayor representante es Seurat, conocido por sus puntos minuciosos. El Postimpresionismo surge a principios del siglo XX junto con otros estilos pictóricos. Recupera el dibujo y las formas, dando protagonismo a los objetos sobre los que incide la luz. Cada maestro postimpresionista influirá en un estilo posterior: Cézanne en el Cubismo, Van Gogh en el Expresionismo, y Gauguin en el Fauvismo.

Principales Postimpresionistas

• Paul Cézanne (1839-1906): Alcanzó la madurez artística a los 50 años. Creó una obra original basada en la idea de que la vista y el cerebro deben trabajar juntos. Propuso pintar a partir de formas simples como la esfera, el cono y el cilindro. Su estilo, cercano al Cubismo, aparece en obras como Los grandes bañistas, Los jugadores de cartas y La montaña de Santa Victoria, donde usa grandes pinceladas y colores básicos. También rompe con la perspectiva única del Renacimiento.
• Paul Gauguin (1848-1903): Llevó una vida de aventuras. Vivió en Lima, fue marino y corredor de bolsa antes de dedicarse a la pintura. Tras alejarse de los Impresionistas, buscó el primitivismo en lugares como Bretaña, Panamá y finalmente Tahití. Rechazaba la civilización occidental y buscaba el alma en el arte. Usó contornos negros y colores planos como en La visión después del sermón. En la Polinesia pintó la vida indígena en obras como Mujeres de Tahití y ¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos?
• Vincent van Gogh (1853-1890): Vivió sólo 39 años y tuvo una vida difícil. Vendió un solo cuadro en vida. Hijo de un pastor calvinista, fue marchante de arte antes de pintar. Sufrió inestabilidad emocional y buscó consuelo en la religión. Sus primeros cuadros eran sombríos, como Los comedores de patatas. En París conoce a los Impresionistas, pero también se inspira en Rubens, Delacroix y las estampas japonesas. En el sur de Francia alcanza su madurez, con un estilo de líneas firmes y colores expresivos. Obras destacadas: La noche estrellada, Los girasoles, La casa de Arlés. Realizó 43 autorretratos como ejercicio de técnica.