Concepto y Evolución Histórica del Arte

El arte es una manifestación de la actividad humana mediante la cual se interpreta lo real o se plasma lo imaginado con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros. Es un componente fundamental de la cultura, reflejando en su concepción las bases económicas y sociales, así como la transmisión de ideas y valores inherentes a cualquier cultura humana a lo largo del espacio y el tiempo.

El Arte a través de las Épocas

• Antigüedad Clásica Grecorromana: El arte se entendía como una habilidad del ser humano en cualquier terreno productivo, siendo prácticamente un sinónimo de ‘destreza’.
• Edad Media: Las obras de arte medievales surgieron en un contexto en el que no existía el concepto de arte como fin en sí mismo, ni el de la belleza como su objetivo. Ni siquiera existía el concepto mismo de artista o de bellas artes. Tenía, en el seno de la sociedad en que era producido, un carácter básicamente funcional: como ofrenda a Dios, intermediaria entre el mundo sobrenatural y como afirmación de poder.
• Renacimiento: Se produjo una separación entre los oficios, las ciencias y las artes, donde se incluyó por primera vez a la poesía (considerada hasta entonces un tipo de filosofía). Hubo una mejora en la situación social del artista debido al interés que los nobles y ricos prohombres italianos empezaron a mostrar por la belleza. Los productos del artista adquirieron un nuevo estatus de objetos destinados al consumo estético; por ello, el arte se convirtió en un medio de promoción social, incrementándose el mecenazgo artístico y fomentando el coleccionismo.
• Barroco: Las cosas ya no se representan tal como son, sino tal como las ve el artista. La belleza se relativiza; se pasa de la belleza única renacentista, basada en la ciencia, a las múltiples bellezas del manierismo derivadas de la naturaleza.
• Romanticismo: El arte es la expresión de las emociones del artista, quien comienza a ser mitificado. Surgieron las primeras manifestaciones de la autonomía del arte, ligado a la naturaleza. Para los románticos, en la obra de arte se encuentran el interior del artista y su propio lenguaje natural.

Características del Renacimiento

Este periodo se define por la búsqueda de la inspiración en la Antigüedad clásica (Grecia y Roma), utilizando formas simples, armonía de proporciones y elementos arquitectónicos clásicos como frontones, columnas, cúpulas y arcos de medio punto, además del uso del desnudo en pintura y escultura.

• Dominio de la perspectiva: Se otorga una sensación más real al representar la profundidad mediante el uso de formas geométricas, estudios matemáticos y el manejo de la luz.
• Antropocentrismo: El hombre se sitúa como centro, retornando a la medida humana con un equilibrio entre planta y altura, prevalencia de lo horizontal sobre lo vertical y edificios adaptados a las necesidades humanas.
• Observación e imitación de la naturaleza: Se busca la imitación de la realidad mediante la investigación del espacio y la luz, pero de forma idealizada, persiguiendo la belleza y la perfección técnica.
• Evolución de temas: En arquitectura, junto a las iglesias, se construyen palacios, ayuntamientos, universidades, hospitales y plazas públicas. En artes plásticas, se realizan retratos y escenas mitológicas además de obras religiosas.
• El Mecenazgo: Importancia crucial de los mecenas para el apoyo y desarrollo del arte.

La Escultura Renacentista

La escultura se independiza de la arquitectura (bulto redondo) y pasa a ser considerada un arte mayor.

• Materiales: Mayor uso de materiales nobles como el mármol y el bronce.
• Estética: Búsqueda de la belleza y la proporción siguiendo las ideas neoplatónicas.
• Anatomía: Perfecto tratamiento anatómico bajo un naturalismo idealizado, recuperando el canon clásico.
• Temáticas: Destacan los retratos, la escultura ecuestre y el desnudo.
• Espacialidad: Representación del espacio y estudio de la perspectiva con líneas de fuga, combinando alto, medio y bajo relieve.
• Técnicas complementarias: Reapareció la glíptica grecorromana (arte de grabar en piedras duras) y el trabajo con piedras semipreciosas en la talla de camafeos.

Teorías Estéticas: Formalismo y Expresionismo

Formalismo

Sostiene que el valor estético de una obra proviene exclusivamente de sus cualidades formales.

• Considera irrelevantes la expresión de sentimientos, ideas o valores subjetivos.
• La excelencia artística está definida por la forma y la razón.
• El arte es autónomo respecto de la realidad; no está sujeto a representar lo que vemos.
• La belleza resulta de la armonía, la proporción y el equilibrio en la combinación de colores, líneas y planos.
• Lo «feo» se identifica con lo caótico, deforme o irracional.

Expresionismo

El arte es un vehículo para comunicar sentimientos y estados del alma. El artista y su capacidad de creación son más importantes que la realidad representada.

• La finalidad del arte es intrínsecamente comunicativa.
• La belleza consiste en expresar de forma subjetiva la naturaleza del ser humano.
• La primacía de las emociones provoca una deformación de los objetos, reflejando un trasfondo emocional en lugar de una realidad objetiva.

La Estilización de las Figuras y el Canon

Según Plinio el Viejo, la diferencia en la representación respondía a criterios estéticos distintos: los artistas del siglo V a.C. (Mirón, Fidias, Policleto) representaban al hombre tal como es, mientras que los del siglo IV a.C. (Praxíteles, Scopas, Lisipo) lo hacían tal como el ojo los ve, superando el canon racional mediante una fantasía que permite mayor expresividad.

Vitruvio, arquitecto romano, asentó estos conceptos de proporciones que fueron reelaborados en el Renacimiento por Alberto Durero y Leonardo da Vinci (Hombre de Vitruvio). En la edad contemporánea, Le Corbusier creó el Modulor (2,26 metros), un nuevo canon aplicado tanto a la arquitectura como al diseño industrial.

La Escultura en la Antigua Grecia

Se centra en la importancia del HOMBRE y el uso del CANON basado en la belleza, el número y la proporción.

• Materiales y técnicas: Piedra, mármol, bronce y la técnica criselefantina (oro y marfil).
• Formatos: Escultura de bulto redondo y relieves adaptados al marco arquitectónico, originalmente policromados.
• Evolución: Desde la simplicidad arcaica hasta el barroquismo helenístico.

Período Arcaico (Siglos VIII-VI a.C.)

De función principalmente religiosa y con influencias orientalizantes, se caracteriza por el hieratismo, la frontalidad, la geometrización y la famosa sonrisa arcaica. Ejemplos notables son los Kuroi (Kurós) y las Korai (Koré), como la Dama de Auxerre y el Moscóforo.

Simbolismo e Intelectualismo

Simbolismo

La obra de arte muestra una realidad propia; el arte es una continua recreación de mundos posibles.

• Comunica contenidos e ideas a través de símbolos que requieren análisis.
• La obra bella es aquella que transmite eficazmente un significado comprendido por su destinatario.
• La obra de arte se concibe como un sistema complejo de símbolos.

Intelectualismo

Valora en la obra artística la verdad más que la belleza o el estilo formal.

• La obra de arte es una interpretación conceptual y una forma peculiar de estructurar la realidad.
• El objeto del arte no es crear belleza, sino alcanzar el conocimiento de la verdad.
• Se considera al arte como la más alta realización del espíritu y la principal forma de conocimiento subjetivo.