Grandes Maestros del Arte Moderno y Contemporáneo

Francisco de Goya

Francisco de Goya y Lucientes fue un pintor español encuadrado en un período histórico convulso (inicios del siglo XIX) y artístico de transición (últimos ecos del Barroco y Rococó, y desarrollo del Neoclasicismo y Romanticismo). Su grandeza y genialidad estriban en que fue capaz de prescindir de las pautas artísticas y estéticas de su época para intuir e investigar problemas plásticos y encontrar nuevas soluciones pictóricas que le llevaron hasta los márgenes del arte moderno. Su obra se caracterizó por el empleo de diversas técnicas (pintura mural, óleo sobre lienzo, grabados, litografía…), la representación de temas variados (religiosos, costumbristas, históricos, retratos…), el predominio del color sobre el dibujo, la factura suelta de su pincelada, el enfoque naturalista y crítico de la realidad y su extraordinaria imaginación. Su vida le llevó de su etapa de formación en Zaragoza (los Frescos de la Cartuja de Zaragoza) a la corte madrileña. Primero realizó cartones para la Real Fábrica de Tapices (El Quitasol), pero poco a poco comenzó a codearse con la nobleza y los ilustrados, lo cual le facilitó su entrada en la Academia de Bellas Artes y le convirtió en pintor de cámara de Carlos IV (La Familia de Carlos IV). Sin embargo, su quebradiza salud y los problemas que acaecieron a España (La carga de los mamelucos / Levantamiento del 2 de mayo y Los fusilamientos de la Moncloa / del 3 de mayo), le llevaron a aislarse, alejarse de la corte (Pinturas Negras) y, finalmente, exiliarse en Francia (La lechera de Burdeos).

Eugène Delacroix

Pintor francés del siglo XIX, encuadrado estilísticamente en el Romanticismo, del cual fue el mejor exponente. Delacroix se caracterizó por el colorismo de su obra, marcado por colores cálidos y tonalidades fuertes (influencia de Rubens), así como por la aplicación de pinceladas sueltas, pastosas y abocetadas (influencia de Velázquez). Delacroix captó de forma prodigiosa escenas de gran intensidad dramática ligadas a temas revolucionarios y nacionalistas, como la Revolución Francesa de 1830 (La Libertad guiando al pueblo) o la independencia de Grecia (La matanza de Quíos), así como temas exóticos, influenciados por sus viajes por España y Marruecos (La muerte de Sardanápalo).

Édouard Manet

Pintor francés del siglo XIX, encuadrado estilísticamente como preimpresionista, pues su particular acercamiento al arte fue acogido por un joven grupo de artistas (los futuros impresionistas), que aplaudieron su ruptura con las normas que promovía la Academia, lo cual le obligó a exponer en el Salón de los Rechazados (Desayuno sobre la hierba / Almuerzo en el campo). Manet transgredió así en la propuesta de temas (apostó por temas triviales), el uso del color (empleo de colores puros), la luz (abandonó el uso de focos de luz), la perspectiva (no atendía con rigor a la perspectiva cónica clásica) y el volumen (fomentó figuras casi planas). En los últimos años de su vida, convivió con el grupo impresionista y realizó lienzos en dicho estilo.

Claude Monet

Pintor francés del siglo XIX, encuadrado estilísticamente en el Impresionismo, estilo del cual fue su principal protagonista. Claude Monet fue el más consecuente de los impresionistas, pues lo inicia con su obra Impresión: Sol naciente y nunca lo abandona. Se inclinó por el paisaje y la transmisión de sensaciones atmosféricas. La luz será la gran protagonista en su obra, prefiriendo, sobre todo, los reflejos en el agua. Realizará famosas series (Estación de San Lázaro o La Catedral de Rouen), en las cuales repite el mismo tema a diferentes horas del día, variando los efectos atmosféricos y la luz. Durante sus últimos años, su pincelada se vuelve más pastosa y comienza a desmaterializar el objeto representado (la serie de Ninfeas), influyendo así a gran parte de las futuras vanguardias.

Paul Cézanne

Pintor francés de la segunda mitad del siglo XIX e inicios del XX, encuadrado estilísticamente en el Postimpresionismo. Cézanne evolucionó del impresionismo puro, pintando al aire libre y adoptando una pincelada breve, a una nueva etapa en la que iría experimentando con las formas, la perspectiva y el cromatismo, convirtiéndose en una influencia clave para múltiples generaciones posteriores. En esta búsqueda, tendrá gran importancia la simplificación de los elementos y objetos de la obra hacia sus formas geométricas elementales (cilindros, esferas, conos…), por lo que será alabado por los pintores cubistas. Al mismo tiempo, rechazó una perspectiva única, así como su paleta comenzó a reducirse (tonalidades naranjas, azuladas y verdosas). Entre sus obras más importantes cabría destacar sus bodegones (Manzanas y naranjas), retratos (Retrato de un campesino), paisajes (la serie de vistas de la Montaña de Santa Victoria) y escenas costumbristas (Los jugadores de cartas).

Vincent van Gogh

Pintor holandés de la segunda mitad del siglo XIX, encuadrado estilísticamente en el Postimpresionismo. Van Gogh evolucionó a lo largo de su obra y, aunque experimentó inicialmente de forma autodidacta en varias propuestas, su obra se volvió muy personal debido a su azarosa vida y sus problemas mentales, que le llevaron a estar recluido en sanatorios mentales y, finalmente, a quitarse la vida. Entre sus principales características, cabría destacar su pincelada rápida, gestual y muy expresiva (plasmaba aquí su estado de ánimo), el colorido vibrante y luminoso, incluso en obras nocturnas, y el uso de formas y composiciones serpenteantes e incluso flamígeras. Entre su abundante obra, destacan los autorretratos, los retratos (El doctor Gachet), los bodegones (series de Girasoles y Lirios), los paisajes (Campos de trigo, Noche estrellada, La iglesia de Auvers) y los interiores (La habitación del pintor). Por su visión subjetiva, por proyectar sus sentimientos (soledad, angustia, fracaso como artista…) y por su obsesión con la pintura, se considera a Van Gogh un claro antecedente del Expresionismo.

Paul Gauguin

Pintor francés de la segunda mitad del siglo XIX e inicios del XX, encuadrado estilísticamente en el Postimpresionismo. Su formación autodidacta y su obsesión por el arte le llevaron a abandonar su trabajo, casa y familia, así como a buscar la inspiración en lugares ajenos. Primeramente fue a Bretaña (Pont-Aven), donde experimentó con el color (colores planos, vibrantes y luminosos) y las formas (sencillas, estáticas y remarcadas por líneas), desarrollando nuevas propuestas como el cloisonismo (El Cristo amarillo, Visión después del Sermón). No obstante, en una búsqueda del primitivismo, una vuelta a la naturaleza y renegando del mundo occidental, viajó a Tahití, donde desarrolló su obra más característica y personal (Mujeres tahitianas, ¿Cuándo te casas?, En el mercado). Será aquí donde Gauguin se libere de los colores reales de la naturaleza y ligue su elección a su poder creador, siendo así el antecedente del Fauvismo/Fovismo.

Vasili Kandinsky

Pintor y teórico del arte ruso de finales del siglo XIX y primera mitad del siglo XX, precursor de la abstracción en pintura, ya sea en la rama lírica o geométrica. A lo largo de su vida, Kandinsky pasó por diferentes etapas que le llevaron desde la dirección del grupo Der Blaue Reiter (El Jinete Azul) del expresionismo alemán (Múnich, 1911), caracterizado por su carácter cromático y simbólico, a su faceta como profesor de teoría del arte en la escuela de la Bauhaus, donde propone la ruptura con el arte figurativo, dando lugar a algo nuevo: la abstracción. Kandinsky entiende la abstracción como la ruptura del arte imitativo y las referencias concretas a los objetos, al espacio y al tiempo. Con su arte, trata de transmitir sensaciones, ritmos, movimientos del alma e incluso musicalidad. Algunas de sus obras más representativas son Lírica sobre blanco, Composición VIII o Puntas en arco. Fueron múltiples sus series de composiciones, improvisaciones e impresiones.

Salvador Dalí

Artista español que desarrolló su obra a lo largo del siglo XX. Se le considera uno de los máximos representantes del Surrealismo, aunque inicialmente también se acercó al futurismo y al cubismo. A pesar de que Dalí trabajó la pintura, la escultura, el cine y la literatura, su faceta más importante fue la de pintor, donde destacó por realizar obras plenamente figurativas a través de su característico método paranoico-crítico. A través de él, Dalí se manifestaba consciente de la diferencia entre el mundo de las visiones y el mundo real, pero podía transitar de uno a otro, plasmando así sus fantasías en el lienzo, convirtiéndolas en realidad. Su pintura se caracterizó por un asombroso dibujo, detallismo y una luz clara y transparente, gracias a una técnica minuciosa que recuerda a pintores clásicos (renacentistas y barrocos). De entre sus obras surrealistas, habría que destacar La persistencia de la memoria (relojes blandos), Premonición de la Guerra Civil y El gran masturbador. No obstante, su vena clasicista quedó patente en Muchacha en la ventana y el Cristo de San Juan de la Cruz. En cuanto a su vida, fue muy agitada (vivió en Francia, EE. UU. y España) y estuvo marcada, al igual que su obra, por su gran amor y musa, Gala.

Pablo Picasso

Pintor español del siglo XX. Picasso es considerado uno de los artistas más trascendentales de toda la historia universal del arte, debido tanto a su papel relevante en el proceso de vanguardias artísticas como a las diferentes propuestas y obras clave que realizó a lo largo de las fases que componen su vida (período de formación, período azul, período rosa, fase cubista, propuestas surrealistas y expresionistas…). Picasso encarnó el arquetipo de artista del siglo XX, pues además de ser considerado un genio por sus propios coetáneos, fue un personaje social y políticamente comprometido con el tiempo en que vivió, así como un buscador incansable de caminos y soluciones artísticas. Muchas de sus obras clave se ligan con su etapa cubista, en la cual trató de crear un movimiento artístico intelectual y racional, que redujera formas y volúmenes a sus formas básicas, multiplicara los puntos de vista e introdujera el «tiempo» en sus obras (Las señoritas de Aviñón, Retrato de Ambroise Vollard). Asimismo, desde esta propuesta, saltó al collage introduciendo elementos externos a la obra (Naturaleza muerta con silla de rejilla de caña) o promoviendo la síntesis con otras vanguardias como el Expresionismo (El Guernica).

Joan Miró

Artista español del siglo XX, encuadrado estilísticamente en el Surrealismo. Miró recorrió un largo camino a lo largo de su obra, que le llevó a experimentar con diversas vanguardias (fauvismo, cubismo…) y propuestas (pintura, escultura, cerámica…), aunque su obra giraría siempre en torno a una pintura surrealista que terminó bordeando la abstracción. Miró sustituyó desde el inicio las imágenes reales por un mundo metafísico y de apariencia biomórfica, que a través de colores intensos y puros (rojo, azul, amarillo y negro), poseía formas estilizadas, vigorosos contornos y un original tono infantil y poético que hacía sus trabajos muy reconocibles. Sus obras más importantes son El Carnaval de Arlequín, Mujeres y pájaros a la luz de la luna, Perro ladrando a la luna o Mujer, pájaro, estrella.

Movimientos y Conceptos Artísticos Clave

• Arte Abstracto

  Estilo artístico que surgió alrededor de 1910 y cuyas consecuencias múltiples han hecho de él una de las manifestaciones más significativas del espíritu del siglo XX. El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones. Este lenguaje se ha elaborado a partir de las experiencias fauvistas y expresionistas, que exaltan la fuerza del color y desembocan en la llamada abstracción lírica o informalismo, o bien a partir de la estructuración cubista, que da lugar a las diferentes abstracciones geométricas y constructivas. Ejemplos: Arco negro de Kandinsky y Composición 4 de Mondrian.

• Bauhaus

  El término Bauhaus, que significa en alemán «Casa de la construcción», fue utilizado para denominar la escuela de diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania). Sus propuestas y declaraciones de intenciones participaban de la idea de una necesaria reforma de las enseñanzas artísticas como base para una consiguiente transformación de la sociedad de la época, de acuerdo con la ideología socialista de su fundador. La primera fase (1919-1923) fue idealista y romántica, la segunda (1923-1925) mucho más racionalista y en la tercera (1925-1929) alcanzó su mayor reconocimiento, coincidiendo con su traslado de Weimar a Dessau. En 1930, bajo la dirección de Mies van der Rohe, se trasladó a Berlín donde cambió por completo la orientación de su programa de enseñanza. La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían como tal y fueron concebidas dentro de esta escuela. Sin duda, la escuela estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran medida una de las tendencias más predominantes de la nueva arquitectura moderna, incorporando una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana. Ejemplo: la Bauhaus de Dessau de W. Gropius.

• Cubismo

  Movimiento estético que se desarrolló entre 1907 y 1914, teniendo como principales fundadores a Pablo Picasso y Georges Braque. Así, Picasso, en su obra Las señoritas de Aviñón (1906-1907), presumiblemente iniciadora del estilo, presentó el espacio de forma pluridimensional, con perspectivas superpuestas e imágenes simultáneas en el tiempo. El Cubismo fue determinante para otras corrientes coetáneas: el Constructivismo, el Abstractismo y el Futurismo. El cubismo trataba las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, representando todas las partes de un objeto en un mismo plano. La representación del mundo pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia real de las cosas. Picasso creó dos tendencias del cubismo: la primera es la analítica, en donde la pintura es monocroma (sin colores, para él eran un estorbo en ese momento) y utilizaba la multiplicidad de vistas, creando una nueva forma de un objeto real; y la segunda es el cubismo sintético, en donde implanta partes de la realidad en el cuadro, creando el collage, y aquí Picasso retoma el color como recurso plástico, y en este tipo de obras la multiplicidad de vistas disminuye.

• Expresionismo

  Movimiento artístico de finales del siglo XIX y principios del XX. Van Gogh fue el precursor y Edvard Munch su principal exponente. Pretendían expresar las emociones interiores del artista mediante la deformación violenta, la exageración y la utilización de colores intensos. Aunque, más precisamente, habría que definirlo como un movimiento artístico surgido en Alemania a principios del siglo XX, en concordancia con el fauvismo francés. Recibió su nombre en 1911 con ocasión de la exposición de la Secesión berlinesa, en la que se expusieron los cuadros fauvistas de Matisse y sus compañeros franceses, además de algunas de las obras precubistas de Pablo Picasso. En 1914 fueron también etiquetados como expresionistas el grupo de los pintores alemanes en Dresde y Berlín a partir de 1911, y Der Blaue Reiter (El Jinete Azul), formado en 1912 en Múnich, alrededor de un almanaque, dirigido por Kandinsky y Marc. Ejemplo: El grito de Munch.

• Modernismo

  La arquitectura modernista se desarrolló en Europa entre 1890 y 1910 allí donde existía una burguesía enriquecida y refinada que necesitaba un arte más elegante y de mayor calidad que el ofrecido por los historicistas o por los ingenieros del hierro y del cristal. Esto va unido a una revitalización de cierto espíritu romántico que defiende la fantasía creadora, reivindica la subjetividad y recupera la idea de que las artes deben proporcionar goce y placer. Sus antecedentes más claros los encontramos en el Movimiento Arts and Crafts de William Morris, partiendo del cual el Modernismo se convertirá en una tendencia totalizadora que pretende la unificación de todas las artes, integrándolas en la arquitectura. El lenguaje modernista pretende imitar las formas de la naturaleza, con un claro predominio de las formas curvas en las plantas y fachadas y una abundante decoración inspirada en formas de seres vivos, desplegada por muros, techos y puertas; se impuso, además, la llamada construcción «honesta» que permitía vislumbrar vigas y estructuras de hierro combinadas con cristal. Dentro de la arquitectura modernista existieron dos tendencias: las formas sinuosas, ondulantes y orgánicas, por un lado; y las geométricas y abstractas, precursoras de la futura arquitectura racionalista, por otro. Ejemplo: la Iglesia de la Sagrada Familia de Barcelona de Gaudí.

• Neoclasicismo

  La burguesía ilustrada responde a las ideas del racionalismo enciclopedista inspirándose en los modelos antiguos. El Neoclasicismo, a finales del siglo XVIII y primera parte del XIX, se basa en los conceptos estéticos del arte grecolatino, a cuyos cánones y normas deben someterse los artistas, tanto arquitectos como escultores. En pintura se siguen las directrices de los neoclásicos David (El juramento de los Horacios) e Ingres, de superioridad de la línea, el idealismo y las composiciones estáticas.

• Plein Air

  O plenairismo. La mayor parte de la historia de la pintura se ha desarrollado en estudios, entre cuatro paredes. Sin embargo, hay un momento en que los artistas tienen la idea de pintar al natural para poder captar los efectos de la luz y la atmósfera que rodea a las cosas y así representar la naturaleza de un modo realista. Pintar al aire libre significa que el pintor rechaza los patrones convencionales e ideales de la belleza (una belleza artificiosa, digamos) que se enseña en las academias. El artista deja de estar «encerrado» en su estudio (algo que podemos tomar como algo bastante simbólico) para buscar la «experiencia directa» con el mundo. En la segunda mitad del siglo XIX también se pueden transportar con facilidad los óleos, ya que empiezan a venderse en tubos y el artista no tiene que preparar los colores (a Renoir se le atribuye la frase «sin los tubos de pintura, no existirían los impresionistas»).

• Pop Art

  El arte pop (Pop Art o Arte Popular) fue un movimiento artístico surgido a finales de los años cincuenta del siglo XX en Inglaterra y en los Estados Unidos; sus características son el empleo de imágenes y temas tomados del mundo de la comunicación de masas aplicados a las artes visuales. Se puede decir que subraya el valor iconográfico de la sociedad de consumo. Puede afirmarse que el arte pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de la cultura pop, caracterizada por la tecnología, el capitalismo, la moda y el consumismo, donde los objetos dejan de ser únicos para ser pensados como productos en serie. Ejemplo: Lata de sopa Campbell de Andy Warhol.

• Postimpresionismo

  El término postimpresionismo se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del XX (tras el impresionismo). El postimpresionismo era tanto una extensión del impresionismo como un rechazo a sus limitaciones. Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura. Aunque a menudo exponían juntos Toulouse-Lautrec, Van Gogh, Gauguin o Cézanne, no se trataba de un movimiento cohesionado. Sus formas más exageradas y el uso del color y las líneas prepararon el terreno para los estilos que seguirían más adelante en el siglo XX, como el fauvismo o el cubismo. Ejemplo: La noche estrellada de Van Gogh.

• Puntillismo

  El Neoimpresionismo fue un movimiento que intentaba renovar el Impresionismo desde dentro; entre sus características destaca su intento de realizar un «Impresionismo científico», consistente en la separación cromática no por instinto, sino siguiendo los códigos y reglamentos de las leyes de la óptica, según la división científica del color. En sus obras, los pintores neoimpresionistas emplean la técnica del «puntillismo», consistente en la aplicación sobre el lienzo de pequeñísimas pinceladas, puntos de color, que se funden entre sí en la retina del espectador. Entre los pintores puntillistas destacan Seurat y Signac. Ejemplo: Un baño en Asnières, de Seurat.

• Realismo

  El Realismo, cuyas principales figuras son Millet (El Ángelus) y Courbet, convierte en protagonistas de la pintura los temas «realistas» en los que, con cierta intención de denuncia social, se refleja la vida cotidiana de campesinos y obreros, tratados siempre sin ningún tipo de idealización.

• Ready-made

  Describe el arte realizado mediante el uso de objetos que normalmente no se consideran artísticos, a menudo porque no cumplen una función artística en lo cotidiano, sin ocultar su origen, pero a menudo modificados. Marcel Duchamp fue uno de los pioneros de su establecimiento a inicios del siglo XX.

• Rococó

  El estilo Rococó nació en Francia a principios del siglo XVIII. El término rococó proviene de la palabra francesa rocaille (piedra) y coquille (concha), dada la preferencia por las formas onduladas e irregulares. El rococó se define por el gusto por los colores pastel, suaves y claros. Predominan las formas naturales y tiene en común con el barroco el gusto por lo recargado. Es un arte mundano, sin conexión con la religión, que trata temas de la vida diaria, de galanes y aristócratas, así como el gusto por lo exótico y oriental. Se reflejan paisajes luminosos y coloridos. No simbolizan nada social ni espiritual, solo superficialidad. Ejemplo: El columpio de Fragonard.

• Romanticismo

  El movimiento romántico en pintura surge como reacción contra los métodos académicos de la Escuela de Bellas Artes, que aún seguía las directrices de los neoclásicos David e Ingres, de superioridad de la línea, el idealismo y las composiciones estáticas. Ahora, pintores como Delacroix (La libertad guiando al pueblo) o Géricault imponen sus teorías sobre el predominio del color y el movimiento en sus composiciones pictóricas, en las que dominan los temas sobre revoluciones o desastres y se rinde culto al paisaje.

Términos Específicos en la Obra de Goya

• Los Caprichos

  Los Caprichos de Goya ejemplifican un mundo en crisis, entendida esta idea en el sentido de cambio. Conceptualmente revelan las fisuras de una estructura sociopolítica basada en una anquilosada estratificación estamental, y de un sistema de valores fundamentado en el inmovilismo de las costumbres y la tiránica opresión religiosa de las conciencias.

• Pinturas Negras

  Pinturas Negras (1819-1823) es el nombre que recibe una serie de catorce obras murales de Francisco de Goya, pintadas con la técnica de óleo al secco (sobre paredes recubiertas de yeso). Las creó como decoración de los muros de su casa, llamada la Quinta del Sordo, que había adquirido en febrero de 1819. Estos murales fueron trasladados a lienzo a partir de 1874, y actualmente se conservan en el Museo del Prado de Madrid. La serie, a cuyos óleos Goya no puso título, fue catalogada en 1828 por el amigo de Goya Antonio de Brugada y se compone de los siguientes lienzos: Átropos o Las Parcas, Dos viejos o Un viejo y un fraile, Dos viejos comiendo sopa, Duelo a garrotazos o La riña, El aquelarre…

Otros Conceptos Artísticos Relevantes

• Litografía

  La litografía es una técnica de impresión que consiste en la reproducción de lo grabado o lo dibujado previamente en una piedra caliza. Entonces, poniéndolo en términos más gráficos, la litografía es la estampación que resulta de una matriz de piedra.

• Cloisonismo

  Cloisonismo viene del francés cloisonner, que quiere decir «compartimentar». Es la técnica que consiste en pintar zonas lisas de color puro bien delimitadas por un borde nítido, por lo general dibujado con trazo negro. Pensemos en los vitrales de la Edad Media, que son inspiradores de la técnica junto con la estampa japonesa ukiyo-e. Cada color «compartimentado» suele contrastar con el de al lado. Y es característico en las pinturas que se pintan con esta técnica que no haya profundidad y la perspectiva no se respete. El cloisonismo nace en el momento de la historia en que el artista ya no siente la necesidad de copiar fielmente a la naturaleza, y pronto comenzará a expresar a través de cada objeto o figura que pinta sus propios sentimientos y emociones. Es así como el color comienza a jugar un papel crucial, potenciado por esta técnica que permite los contrastes violentos.