El Barroco es el período artístico que comprende el Siglo XVII y la primera mitad del Siglo XVIII; el término “Barroco”, que significa en portugués “perla irregular”, es más bien peyorativo, y lo divulgó la generación posterior (Clasicismo), pues consideraban que el Barroco era un estilo recargado, ostentoso y poco natural.
Por todo esto, el hombre Barroco vive una época de crisis, tanto económica como política, social y espiritual, y esto tiene su reflejo en todas las artes; por eso, hay una fuerte tendencia a la expresión y dramatización, que no es más que una manera de expresar la realidad exagerándola; el resultado es la falta de claridad del Barroco.
Musicalmente delimitamos la cronología del Barroco marcando el inicio en el año 1600 con el estreno de la primera ópera conservada (fecha del primer “Dramma in Música” en Florencia), y el final del Barroco en el año 1750, año de la muerte de J.S.Bach, el más famoso representante del Barroco musical.
El Barroco es una de las épocas musicales más destacadas de la Historia de la Música y a pesar de ser un estilo internacional con rasgos comunes en toda Europa, se pueden distinguir estilos nacionales con rasgos propios (Italia, Francia, Alemania, España, Inglaterra). Destacan músicos de gran importancia como Bach, Vivaldi, Haendel, Purcell, Lully, Corelli, el padre Soler, Scarlatti…
La Música Barroca se sirve de técnicas nuevas buscando efectos de dramatización;
La música barroca es el lenguaje de una época agitada y dramática, y ese dramatismo se consigue musicalmente a través del contraste.
La música estará al servicio de las grandes Monarquías europeas, la Aristocracia y la Iglesia, que la utilizarán como una manifestación más de su poder. El papel del músico se reduce al de un sirviente de su protector.
En el Barroco se formula la llamada “Teoría de los Afectos”, que establece que la Música puede transmitir sentimientos y afectar al alma del oyente, con efectos de alegría o tristeza: para expresar alegría se utiliza el modo Mayor, la consonancia, el tempo rápido…, y para expresar tristeza se utiliza el modo menor, la disonancia, el tempo lento… Además, hay figuras retórico-musicales para poder expresar los afectos o pasiones del alma.
¿Cómo reconocer la música barroca?
La carácterística más determinante es el Contraste:
De movimientos: rápido-lento.
De dinámica: forte-piano.
De carácter: enérgico-calmado/ luminoso-tenebroso.
De ritmo: binario-ternario/ valores largos-cortos.
De timbre: viento madera-viento metal/ violín-oboe.
De planos sonoros: solista-tutti/ concertino-tutti, típico del estilo concertado.
Ritmos extremos:
El ritmo de la Música Barroca es mecánico, y desprende una gran energía rítmica, por ejemplos en los movimientos rápidos de la música instrumental.
También hay una gran flexibilidad en las obras de estilo recitativo de la música vocal.
Melodíasdiatónicas y cromáticas de ámbito grande.
Contrastes dinámicos forte-piano a modo de eco
Nueva textura de Monodia acompañada, que consiste en una melodía sostenida sobre un soporte armónico realizado por el bajo continuo, el cual es la base o motor de toda la música barroca, realizado habitualmente por un instrumento de tecla como el clavicémbalo o el órgano, más un instrumento grave como el violoncello.
La Monodia Acompañada convive con la textura contrapuntística y la homofonía.
En Armónía, se pasa de una tonalidad rudimentaria a principios del Barroco a una tonalidadplenamente establecida en el tercer Barroco; la tonalidad es un sistema musical basado en una nota importante o “tónica” a partir de la cual se organizan los demás sonidos, y cada tono puede ser de dos modos: Mayor y menor.
En el plano tímbrico, hay una continuación de los instrumentos del Renacimiento que se perfeccionan.
Surge la Orquesta Barroca, que es variada y distingue entre cuerda, viento y percusión, y la base es la familia del violín.
En la Orquesta Barroca se distinguen dos tipos de instrumentos: los instrumentos melódicos que realizan las partes superiores, y los instrumentos acompañantes que ejecutan el bajo continuo.
En las obras se busca la oposición tímbrica o contraste entre grupos instrumentales y el diálogo entre instrumentos.
Proliferan las formas, tanto vocales (Ópera, Cantata, Misa, Oratorio, Pasión) como instrumentales (Concierto, Suite, Sonata, Fuga, Tocata, Preludio…)
GRANDES FORMAS INSTRUMENTALES
BARROCAS.
FUGA
Es una de las formas instrumentales más importantes para instrumentos de teclado, especialmente el órgano o el clavicémbalo.
Es una forma simple, de un solo movimiento, en estilo contrapuntístico y se realiza a partir de un solo tema mediante el uso sistemático de la imitación. El tema principal llamado “sujeto” se va alternando con temas secundarios o “contrasujetos”, y con partes de imitación más libres llamados “episodios”.
Son muy importantes las fugas para instrumentos de tecla de Bach, por ejemplo “El clave bien temperado”, nombre de dos ciclos de preludios y fugas compuestos por Johann Sebastián Bach en todas las tonalidades mayores y menores.
SUITE:
es una forma compleja compuesta por la sucesión de danzas de distinto carácter, con lo que se consigue dar el sentido dramático de contraposición típico del Barroco. La Suite es el resultado de la evolución de la música de danza renacentista, que ya asociaba parejas de bailes de distinto ritmo y movimiento, y suelen tener forma binaria. El número de danzas de que consta una suite puede ser muy variable, y todas se escriben en la misma tonalidad:
Allemande, Courante, Zarabanda y Giga
La suite puede estar escrita para un solo instrumento o para orquesta, como las Suites para orquesta de J.S.Bach.SONATA
es una forma compleja que se desarrolla en varios movimientos contrapuestos, normalmente cuatro. El significado de la palabra sonata es el de “música para ser sonada”, tocada o interpretada por instrumentos (la cantata es “música para ser cantada”).
Arcangelo Corelli (1653-1713) establecíó su estructura en cuatro movimientos que van contrastando tiempos lentos y rápidos, y con diferentes texturas y ritmos: 1. Grave/lento 2. Allegro en estilo fugado 3. Moderato 4. Vivo en estilo fugado u homofónico
La sonata puede ser, según el número de instrumentos:
Sonata a solo
Pieza para instrumento solista (flauta, violín…) más el continuo.
Sonata a dúo
Pieza para dos instrumentos solistas más el continuo.
Sonata a trío
Pieza para tres instrumentos solistas más el continuo.
Además, se distinguen dos prototipos de sonata:
Sonata da chiesa
Se interpreta en la Iglesia, el continuo lo suele realizar un órgano.
Sonata da cámara
Se interpreta en la sala, el continuo lo realiza el clave.
Los principales compositores de esta forma son: Cazzati, Vitali, Corelli y Albinoni.
CONCIERTO
Es una forma orquestal barroca que refleja a la perfección el concepto de “contraste” tan típico de todo el Barroco.
El término concierto deriva de la palabra “concertare (oponerse), que expresa la idea de ordenar y juntar cosas distintas, es decir, tocar varios instrumentos al mismo tiempo:
Un solista o varios solistas enfrentados a la orquesta (tutti)
El Concierto suele constar de tres movimientos contrapuestos (contraste movimientos): 1. Allegro 2. Lento 3. Allegro
El Concierto está integrado por las siguientes partes:
Ritornello
: es la música que toca el “tutti” (orquesta), y que se repite a modo de estribillo.
Solo
Es el material nuevo que toca el “solista” o “concertino” (grupo de solistas). Por tanto, la forma del Concierto es: Ritornello-Solo-Ritornello-Solo-Ritornello
Según cómo intervengan los instrumentos, el Concierto puede ser:
Concertó Grosso
Contraste entre un “concertino” o grupo de solistas, y el “tutti” o resto de la orquesta, que se alternan en la interpretación de Ritornellos (tutti) y Solos (concertino).
Corelli fija las carácterísticas de este género con sus “Doce Concerti Grossi” (1714), y también destacan los “Conciertos de Brandemburgo” de J.S.Bach.
Concertó Solo
Compuesto para un solo instrumento solista que interpreta los “Solos”, y el resto de la orquesta o “tutti” que interpreta los “Ritornellos”.
El compositor más destacado de este género es A. Vivaldi, al que se le atribuyen más de 300 Conciertos para solista, la mayoría para violín, y también para flauta, violoncello, fagot, trompeta, oboe, mandolina…
“Las cuatro estaciones” de Vivaldi es un grupo de cuatro conciertos para violín y orquesta, cada uno está dedicado a una estación: La primavera, El verano, El otoño y El invierno.
Formas vocales profanas
MADRIGAL
Es una de las formas vocales más representativas del cambio estilístico del Renacimiento al Barroco. Claudio Monteverdi compone nueve “Libros de Madrigales” y es posible apreciar la evolución de la música desde el estilo polifónico de la música del Renacimiento hasta la utilización de la monodia acompañada carácterística del Barroco. Los cuatro primeros libros de madrigales se sitúan dentro de la Prima pratica, el estilo polifónico tradicional para cinco voces a capella, aunque Monteverdi utiliza un lenguaje armónico cada vez más innovador.
Pero a partir del 5ª Libro, publicado en el año 1605, los madrigales son barrocos, evoolucionan hacia la Seconda pratica, y presentan la nueva textura de la Monodía acompañada con una marcada expresión emocional del texto. Monteverdi fue uno de los maestros en el arte de expresar los sentimientos a través de la música.
“Lamento Della Ninfa” es uno de los más célebres madrigales del compositor Claudio Monteverdi. Forma parte del octavo libro de madrigales, denominado “Madrigales guerreros y amorosos”, y está compuesto para soprano, dos tenores, un bajo y bajo continuo, con texto de Ottavio Rinuccini.
ÓPERA
Es una forma vocal profana que surge en la llamada “Camerata Bardi”, círculo cultural del Conde Bardi en Florencia. Este será el punto de partida del género operístico, que asumirá plenamente la Monodia Acompañada. El objeto de la música es subrayar y reforzar la expresión de la palabra (inteligibilidad del texto).
La primera ópera conservada es “Eurídice” de Peri, a la que seguirá otra con el mismo título compuesta de Caccini, ambas representadas en el año 1600.
La ópera es una forma musical profana, de carácter narrativo, que utiliza la representación escénica. Precisa de un escenario, orquesta, coro y solistas.
La considerada como primera gran ópera barroca es “La favola d´Orfeo” de Claudio
Monteverdi, estrenado en el año 1607, y que presenta un rico desarrollo instrumental y vocal. Esta ópera está compuesta por un prólogo y cinco actos con música de Claudio Monteverdi y libreto en italiano de Alessandro Striggio el Joven.
La ópera se desarrolla en varias partes:
Obertura
Es una sección instrumental que da comienzo a la obra.
Aria:
parte más importante de la ópera cantada por un solista en forma de monodia acompañada. La acción se para y el cantante expresa sus sentimientos por medio del lucimiento de su voz.
Recitativo
Partes cantadas por solistas en forma declamada en las que se desarrolla la acción. Puede ser recitativo secco (bajo continuo) o acompañado (orquesta).
Arioso
Forma de cantar más adornada que el Recitativo.
Coros
Fragmentos en los que canta un grupo de personajes.
Interludios instrumentales
: son las partes instrumentales que se intercalan en la obra (también se llaman Ritornellos).Aria “Vi ricorda boschi ombrosi” cantada por Orfeo (castrati) en la ópera de Monteverdi.
Los dos tipos más importantes de ópera barroca son los siguientes:
Ópera Seria
: es de carácter aristocrático y los argumentos están basados en temas mitológicos y heroicos. Es el tipo de ópera preferido por la aristocracia. “Orfeo”, “La coronación de Popea” y “El retorno de Ulises” de Monteverdi pertenecen a este tipo. Otro compositor destacado de este género es G.F.Haendel.
Ópera Bufa
Es de carácter popular y los argumentos reflejan la vida cotidiana del pueblo, presentando con frecuencia una crítica social a las clases altas. Es el tipo de ópera preferido por las clases populares, más fácil de entender, la música es sencilla y no hay castrati. Una de las obras más representativas es “La Serva Padrona” de G.B.Pergolesi, estrenada en el año 1733.
La ópera se convertirá en uno de los géneros más importantes del Barroco, e irá adoptando carácterísticas peculiares en cada nacíón: En Francia, la ópera seria se conoce con el nombre de “Tragédie Lyrique”, y su máximo representante es Lully y a la ópera bufa se le llama “Opera Comique”. En Inglaterra, la ópera sienta sus bases con la obra de Purcell “Dido y Eneas”. En Alemania, la adaptación de la ópera bufa dará lugar al “Singspiel” (en alemán). En España, la ópera se llamará “Zarzuela”, y consistirá en la sucesión de partes habladas y cantadas (en castellano).
(música vocal profana)CANTATA
: es una forma musical compuesta sobre un texto profano o religioso, y etimológicamente significa “música para cantar”, opuesto a la sonata “música para sonar”. Está compuesta para orquesta, coros y solistas, y formada por la sucesión de arias y recitativos. Además, es una forma donde la voz humana experimenta sus posibilidades y nace el gusto por el virtuosismo vocal. Entre los compositores más representativos de esta forma basada en textos de tipo amoroso destacan Rossi, Carissimi y Cesti.
MÚSICA VOCAL RELIGIOSA
CANTATA
Nace como forma vocal profana destinada a ser interpretada en los salones de la aristocracia, pero la Iglesia Protestante la convierte en una forma vocal religiosa usando textos del Evangelio y salmos.
Intervienen solistas, coro y orquesta, y formada por la sucesión de arias, recitativos y coros, pero a diferencia del Oratorio, no se canta una historia.
Bach es su máximo cultivador y compone más de 200 Cantatas. Compone para cada domingo y festividad del año. Destaca su Cantata nº 147 “Jesús, alegría de los hombres” (Coro).
ORATORIO
Es una forma vocal religiosa barroca, de carácter narrativo, sin representación escénica; esta forma puede considerarse como una ópera religiosa sin representación, es decir, es un drama musical de argumento religioso pero sin puesta en escena.
Está compuesto para orquesta, solistas y coro, y formada por la sucesión de arias, recitativos y coros. Al no ser una obra representada, introduce la figura de un “narrador”, y refuerza el papel del coro.
El Oratorio llega a su mejor momento con G.F.Haendel, compositor que comienza cultivando ópera, y luego se vuelve hacia temas ético-religiosos, como los Oratorios, basados en la Biblia. En ellos consigue sus mejores obras, una mezcla de coros fastuosos, acompañados de una orquestación magnífica, lo que nos lleva a una de las cumbres de toda la producción barroca.
Como en las cantatas y Pasiones, el coro es símbolo de la voz del pueblo, por lo que en él vierte una música de enorme emoción. Su Oratorio más famoso es “El Mesías”.
PASIÓN
Es una forma vocal religiosa barroca, de carácter narrativo, sin representación escénica, que trata el tema exclusivo de la Pasión y Muerte de Cristo.
No hay representación escénica, sólo se canta.
Se inspira en el Evangelio, y los personajes de la Pasión son los siguientes:
Un evangelista que hace de narrador y que relata los acontecimientos en estilo recitativo.
Los personajes del Evangelio interpretados por los solistas.
El pueblo alemán interpretado por el coro, y que interviene en el drama expresando sus sentimientos.
El compositor más destacado de este género es J.S.Bach y sus dos obras fundamentales son “Pasión según San Mateo” y “Pasión según San Juan”.
Otro compositor de Pasiones fue G.P.Telemann, que compone 44 Pasiones.
Instrumentos del Barroco
La música Instrumental conoce un gran desarrollo durante el Barroco, debido principalmente a dos factores:
1. La evolución técnica de los instrumentos: famosos luthiers son Stradivari, Amati y Guarnieri
2. El nacimiento de la orquesta como un grupo organizado, en el que se busca el perfeccionamiento de la interpretación y la riqueza tímbrica.
El compositor cuidará el colorido de sus obras detallando en la partitura la instrumentación, y el intérprete se irá especializando en su instrumento, de manera que surgen los primeros “virtuosos”.
En la orquesta aparecen todas las familias instrumentales, cuerda, viento y percusión. Tiene como base fundamental la cuerda frotada y el bajo continuo, base armónica grave que sustenta la melodía; el continuo generalmente lo realiza el clave o el órgano, más un instrumento grave como el violonchelo.
No obstante, la orquesta barroca es un conjunto variable de instrumentos cuya selección dependía de la cantidad de músicos disponibles en un momento y lugar, aunque hay un instrumental más o menos fijo en las obras orquestales de Bach y sus contemporáneos.
CUERDA
5 violines 1º, 5 violines 2º, 4 violas, 5 violonchelos, 2 contrabajos, guitarra, clavicémbalo (clave).
VIENTO
2 flautas, 2 oboes, 2 fagotes, 2 trompetas, trombón y órgano.
PERCUSIÓN
2 timbales (Lully introduce este instrumento en la orquesta y Haendel utilizó 16 en “Música para los reales fuegos de artificio”).