Simbolismo
Origen y Contexto
- Movimiento artístico y literario nacido en Francia (1880).
- Surge como reacción al Realismo y Naturalismo.
- Busca lo espiritual, subjetivo e inconsciente (influencia de Freud).
Pensamiento Simbolista
- Rechaza lo urbano y racional.
- Utiliza el símbolo para expresar lo intangible, lo irracional y lo onírico.
Características en el Arte
- Temas sobrenaturales y espirituales.
- La mujer como figura ambigua y fatal.
- Colores intensos y ornamentación.
- En pintura: subjetividad, abstracción, rechazo del naturalismo.
- Uso expresivo de línea y composición simbólica.
Literatura
Charles Baudelaire: musicalidad, ambigüedad y densidad poética.
Influencia en el Parnasianismo y Decadentismo.
Pintura
Precursores: Gustave Moreau, Puvis de Chavannes, Odilon Redon.
Gustav Klimt (1862–1918)
- Austriaco, símbolo de erotismo y sensualidad.
- Fase dorada: uso de oro inspirado en el arte bizantino.
- Influencias egipcias, micénicas, griegas y japonesas.
- La mujer como tema central (femme fatale).
- Obra clave: El Beso (1907–1908), representación del amor sagrado y sensualidad.
El Beso (1907-1908)
Realizada en la fase dorada.
Óleo y hoja de oro sobre lienzo. 180 x 180 cm.
- Montaje rodeado en un fondo de oro. La figura masculina rodea a la mujer con geometría, la mujer recibe el beso con los ojos cerrados.
- El uso del oro está inspirado en el arte bizantino. Refleja riqueza, influencia de los mosaicos italianos venecianos. Simboliza lo eterno.
Composición
La postura y los vestidos se funden en un plano con dos capas con texturas distintas: los rectángulos de él y las impresiones de Klimt colocan los límites del cuerpo.
Tema
El vínculo sagrado de las relaciones humanas, la sexualidad y las relaciones románticas.
Referencia mitológica: Apolo y Dafne.
Simbolismo
Recuerda a la naturaleza sagrada. El fondo de flores simboliza el amor y la fertilidad.
Edvard Munch – El Grito – 1893
Pintor noruego, esta obra es un icono de la angustia existencial humana.
Representa la angustia e inquietud al traspasar la frontera de la razón; el grito refleja una emoción humana universal.
La figura central que parece emitir el grito se encuentra en un puente, mientras el entorno parece alterarse o disolverse. La obra refleja la crisis emocional del hombre moderno, una angustia sobre el paisaje.
Munch creó 4 versiones de El Grito.
Se inspiró en una experiencia personal de angustia cuando observó el cielo rojizo al atardecer en la colina de Ekeberg en Oslo. La percepción del grito interno se convirtió en una imagen arquetípica del ser humano.
La obra evoluciona desde lo personal a lo narrativo que comunica la ansiedad contemporánea.
Características
- Uso de colores complementarios y líneas onduladas refuerzan dinamismo y vibración, creando distorsión visual y transmitiendo el desasosiego.
- Las figuras son esquemáticas.
- El cielo rojizo y el puente parecen vibrar.
- Uso de tonos fríos (azules y grises) en las colinas del fondo, el cielo y el agua.
- El fondo presenta contraste dramático.
Impacto y Legado
El impacto emocional de la obra la convirtió en una de las más reconocidas del arte moderno. Ha alcanzado cifras sorprendentes en subastas (una de sus versiones fue vendida en 2014 por más de 119,9 M de euros).
Marc Chagall (1887 – 1985) – La Crucifixión Blanca (1938)
Artista judío de origen ruso, mezcla tradición religiosa, elementos fantásticos y una carga emocional y espiritual. Cambia los elementos fantásticos por un enfoque visual con tintes históricos.
Descripción y Composición
La persecución de bolcheviques y nazis es representada en el centro iluminado por una luz blanca diagonal.
Alrededor, varios grupos de personas corren con elementos relacionados con la persecución del pueblo judío: crematorios y sinagogas en llamas.
Fuerte componente simbólico; el Cristo es también una figura simbólica, una representación del hombre hebreo mártir.
Chagall sintetiza una imagen para denunciar el sufrimiento del pueblo judío, destacando que Cristo también era judío.
El manto de Cristo es un tallit (un manto ceremonial judío).
Simbolismo y Contexto Histórico
Esta pintura está unida a la Kristallnacht (Noche de los Cristales Rotos) (1938), pogromo contra los judíos en Alemania y Austria.
Refleja la violencia sufrida por los judíos durante la Segunda Guerra Mundial.
Millones de comunistas y judíos murieron en campos de exterminio. Un rabino profeta a punto de escapar huyendo, la menorá de 7 brazos cancelada simboliza la persecución del pueblo judío.
Realismo
Segunda mitad del siglo XIX en Europa. Observación minuciosa de la realidad. Objetividad.
Características en Literatura
- Observación objetiva: análisis minucioso de la realidad.
- Ambientaciones contemporáneas: momentos precisos.
- Análisis psicológico de los personajes: los protagonistas son personajes normales, sin características heroicas.
- Los personajes suelen pertenecer a la burguesía.
- Realidad tal como es, objetiva, retratada fielmente; no acepta idealización ni ideas preconcebidas.
- Suelen representarse escenas de la vida cotidiana, como habitaciones o reuniones de personas populares.
- Origen de la pintura realista.
En Francia, a mediados del siglo XIX, surge como reacción estética contra la fantasía, el exotismo y el simbolismo romántico. Busca reflejar la realidad con objetividad y fuerza; son los inicios del Realismo.
Honoré de Balzac
Padre de la pintura realista: Gustave Courbet con la obra El taller del pintor.
Características en Pintura Realista
- Reflejo objetivo e íntegro de la realidad que rodea al pintor, con ausencia de idealización.
- Reacción contra la subjetividad y el exotismo románticos.
- El presente es el tiempo lógico que vive el pintor.
- Intención de crítica social, representando clases populares y escenas cercanas a la vida cotidiana de la época.
- Paralelamente, otros artistas reaccionan al Realismo.
- Surgen otros estilos reaccionando al Realismo (vanguardias).
Autores Destacados
- Gustave Courbet
- Honoré Daumier
- Jean-François Millet
- Édouard Manet
Obras destacadas: Entierro en Ornans (Courbet), Le Déjeuner sur l’herbe (Manet), Olympia (Manet)
Romanticismo – Origen de la Modernidad
Movimiento cultural: Alemania y Reino Unido, finales del siglo XVIII.
Revolución contra el racionalismo (Ilustración) y el Neoclasicismo.
Da prioridad a los sentimientos.
Características
- Ruptura con la tradición clasicista basada en reglas estereotipadas.
- Libertad auténtica como búsqueda constante. Carácter revolucionario.
- Paradigma de la corriente romántica: espíritu irracional y crítica.
- Conciencia del YO como entidad autónoma.
- Fantasía y sentimiento.
- Poeta como demiurgo. Valoración de lo diferente. Fuerte tendencia nacionalista. Liberalismo frente al despotismo ilustrado. Originalidad frente a la tradición clasicista. Angustia frente a la idealización clásica. Nostalgia del pasado. Obra imperfecta e inacabada frente a la perfecta.
Influencia Barroca en Pintura Romántica
Composición con tonos oscuros (azul, blanco, rojo, ocres, negros), cuerpos desnudos amputados por el encuadre (escenas de batalla, acumulación de figuras), pincelada suelta, uso del movimiento y el horror (ej. Los horrores de la guerra de Rubens).
Romanticismo en Alemania
Uso del paisaje como reflejo del sentimiento interior.
Caspar David Friedrich (1774–1840)
Pintor romántico, representante del Romanticismo alemán.
Paisajes: ruinas góticas, noches, cementerios, árboles muertos, niebla, soledad, sensación de lo inalcanzable y angustia. Descubre la “espiritualidad del paisaje”.
Caminante sobre el mar de nubes (1818)
94 x 74.8 óleo sobre lienzo.
Escena en la que un hombre con bastón de paseo sube una montaña (el personaje está de espaldas).
La escena se interpreta como una metáfora de la vida y el pensamiento. Su propio ser bajo una perspectiva amplia y externa. Composición dinámica: el sujeto protagonista, de espaldas, domina el punto de fuga.
Composición
- Estructura triangular vertical. El viento se representa en el pelo y la chaqueta.
- El eje vertical converge con las líneas del horizonte y la profundidad de las montañas.
- Uso del claroscuro y colores fríos. Paleta: ocres, verdes, azules, negros y algún marrón.
- En el segundo plano predominan montañas nubladas.
Los autores románticos creen que el paisaje es una visión interpretativa de la naturaleza.
Simbolismo
Simbolismo religioso y filosófico.
El pintor de paisajes representa la subjetividad y la emoción.
Romanticismo en Inglaterra
(1826–1850) Descubrimiento de la naturaleza. El paisaje urbano es menos representativo.
Joseph Mallord William Turner (1775–1851)
Dimensión artística, composiciones elaboradas, elabora el dibujo, otras características:
El Barco de Esclavos (1840): una de las muchas obras con causas sociales.
Composición en vertical, atmósfera oscura, representa el mal en medio de la naturaleza.
Contrasta luz y sombras.
Lluvia, vapor y velocidad (1844), navegan entre luces. Esta obra combina un uso atmosférico de la luz con elementos técnicos, como las locomotoras, lo que refleja la modernidad y la velocidad de la época.
Enfatiza una enorme expresividad, fusión con el aire, movimiento dramático.
Romanticismo en Francia
Representan luchas históricas. Influencia del Barroco.
Composiciones de figuras, pincelada suelta y uso de recursos compositivos y biográficos.
Autor Destacado
Eugène Delacroix – La libertad guiando al pueblo (1830)
Óleo sobre lienzo (260 cm x 325 cm).
Esta obra refleja la insurrección popular de 1830. La mujer representa la Libertad con la bandera y el fusil. Composición en pirámide y uso de colores luminosos que exaltan sus cuadros.
Contrastes y tensión, movimiento y claroscuros.
Otros Autores
- Eugène Delacroix
- Théodore Géricault
- Jean-Baptiste-Camille Corot
Significado emocional, intentando plasmar sobre el lienzo el sentimiento y ánimo de las personas. A favor del tono tenebroso (característica romántica), colores profundos con pinceladas sueltas, destacando el azul, rojo y blanco.
La bandera de Francia.
La Balsa de la Medusa
Tratamiento de los muertos
Théodore Géricault: estilo recargado y expresionista, influido por Rubens, con claro/oscuro, diagonal y realismo. Representa el naufragio de la fragata francesa Méduse y el sufrimiento de los náufragos; solo sobrevivieron 15 personas, obligadas al canibalismo para sobrevivir. Sentimiento asociado de duelo y muerte.
Muestra los sufrimientos de los náufragos, la desesperación y la esperanza.
Se refuerzan los detalles de los músculos, las lágrimas, la tez, los cuerpos.
Realizada en 1819. Es un lienzo luminoso en la lejanía, pintura heroica para “llevar el arte al pueblo”, con espacio teatral y paleta ocre-negro con tonos profundos, claros y oscuros.
Impacta por su dramatismo y su composición piramidal, suelta y con contrastes (características del Romanticismo). Se distancia de la estética regia del antiguo academicismo.
Romanticismo en España
El Romanticismo se gesta alrededor de los sucesos históricos.
Goya representa el uso de la pincelada suelta, la deformación expresiva y rasgos del subconsciente y el terror infernal, anticipando el Expresionismo.
Saturno devorando a un hijo
1819–1823, 143.5 x 81.5 cm
Goya y las Pinturas Negras
Romanticismo expresionista. Pintura mural al óleo sobre una de las paredes de la Quinta del Sordo. La pintura muestra el momento en que Saturno devora a su hijo con una mirada salvaje y gesto de desesperación.
Esta pintura pertenece a la serie de 14 pinturas de la finca de Goya. Es una de sus Pinturas Negras (fantasmales y pesadillescas).
Del fondo negro emerge la figura desdibujada y violenta de Saturno, con ojos desorbitados. Fealdad y locura, borde externo por el claroscuro.
Cruel escena caníbal, destrucción, fuerza emocional bruta sobre el espectador.
Gesto real, color negro predominante (se prioriza sobre el dibujo).
Pincelada rápida y suelta, como si el tema fuera tan intenso que el pintor no pudiera detenerse a cuidar los detalles. Manchas que remiten a definir la forma, pero plasman el desbordamiento.
Uso del rojo que resalta la sangre y el horror.
Los brazos parecen mármoles.
La composición muestra la figura incompleta (piernas cortadas).
El espectador siente que está más cerca del cuadro que el propio Saturno.
Color apagado que destaca más la figura central.
Composiciones cerradas, sensaciones de desequilibrio y tensión; la luz ilumina de forma brusca, no hay perspectiva.
Interpretaciones
Parte de la obra de Goya convierte las pinturas en el verdadero cauce del subconsciente, lo incontrolable, el paso del tiempo y su cruel usanza. Saturno asiste aterrado y emocionado con la expresión facial y el descontrol de la representación.
Refleja el pesimismo de la vida ante el tiempo que nos consume.
Reflejo de los sufrimientos de los hombres que renuncian a la vida. Otra interpretación: la lectura histórica y política, lo que Goya pensaba del país (gobierno represor).
Visión expresionista, instantánea, visión deformada (sin idealización ni perfección).
Las Pinturas Negras son la recreación de visiones interiores y repetitivas.
Escenas grotescas, intuición del pincel y muerte, con un simbolismo personal.
Pinturas que apelan a la fealdad, lo sombrío, lo sucio y lo oculto.
Relevancia de Saturno: cruel, ambivalente.
Esta obra se encuentra en el Prado. Goya murió solo y sordo, tras vivencias de exilio.
Goya: Obras, Aportaciones e Influencias
Francisco de Goya (1746–1828), pintor y grabador español clave en la transición del arte clásico al contemporáneo. Su obra abarca pintura de caballete y mural, grabado y dibujo. Pionero del Romanticismo en España y precursor de las vanguardias del siglo XX.
Etapas y Evolución
- Formación inicial con el Barroco tardío. Viaja a Italia (1770) y absorbe influencias del Neoclasicismo.
- Cambio tras su enfermedad (1793). Pasa a temas más sombríos y personales.
- Surgen sus primeras obras románticas y expresionistas.
Obras Destacadas
- Asalto a los Corderos (1794), frescos de la Ermita de San Antonio de la Florida (1798).
- El 2 de mayo de 1808 y El 3 de mayo de 1808 en Madrid (cuadros históricos).
- Los desastres de la guerra (grabados).
- Las Pinturas Negras (1819–1823): escenas surrealistas y oscuras, realizadas en la Quinta del Sordo.
Características de las Pinturas Negras
Técnicamente vanguardistas, abiertamente pesimistas.
Dominio del negro y de escenas íntimas, creando un ambiente de pesimismo y misterio.
Belleza escondida, cargadas de simbolismo crítico hacia la locura y la muerte.
Goya se libera de las normas académicas y representa lo feo de la condición humana.
Aportaciones e Influencias
A la pintura contemporánea: anticipa el Expresionismo, el Surrealismo y otras vanguardias del siglo XX.
Influencias en el Expresionismo alemán: similitudes con artistas como Emil Nolde.
Énfasis en la emoción.
Exageración de las formas y rechazo a la belleza académica.
Goya no se centra en el color como los neoclásicos ni en la composición, sino en la expresión.
Conclusión
Goya no fue un artista de su tiempo, sino un visionario que rompió con los cánones clásicos. Su obra es testimonio de una época convulsa y al mismo tiempo una ventana hacia la modernidad artística.
Influencia de la Revolución Industrial en el Arte: Arts and Crafts y Bauhaus
William Morris y el Movimiento Arts and Crafts (1850–1900)
Énfasis en la moral, la estética y la conexión entre arte y vida cotidiana.
Rechazo de la maquinaria y vuelta a la manufactura artesanal.
Características del Arts and Crafts
William Morris fue diseñador, arquitecto y líder del movimiento.
Rechazaba la producción industrial y defendía las artes decorativas y la arquitectura, promoviendo un regreso a la artesanía medieval.
Morris fundó en 1861 una empresa para reutilizar técnicas tradicionales y apostaba por una reacción contra la producción en masa de la Revolución Industrial.
Su papel fue clave en el desarrollo del diseño moderno frente a la mecanización, con una fuerte influencia del estilo gótico.
Bauhaus
Fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar, Alemania.
La Bauhaus fue una escuela que revolucionó el diseño industrial, gráfico y la arquitectura moderna.
Integraba arte, tecnología y artesanía.
Su lema: “La forma sigue la función”.
Su lema reflejaba la búsqueda de una estética funcional adaptada a la producción industrial.
Características de la Bauhaus
- Innovadora en el diseño industrial y gráfico; sentó las bases de estas disciplinas.
- Arquitectura funcionalista y racionalista, usando materiales industriales como acero y vidrio.
- El estilo Bauhaus se expandió a EE.UU., evolucionando hacia el Estilo Internacional.
- Fundada por Walter Gropius, quien defendía la relación entre estética y producción en serie.
La Bauhaus influyó profundamente en la arquitectura moderna y sus edificios fueron declarados Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en 1996.
Este movimiento marcó una transición hacia la industrialización del arte, pero con el enfoque en mantener en la producción en serie la calidad estética y funcional de los objetos.
Impresionismo
Édouard Manet
Aunque no es considerado un impresionista puro, dos obras suyas son esenciales para entender su influencia: Almuerzo sobre la hierba y Olympia, que presentan figuras humanas, rompiendo con la naturalización visual. La falta de relación entre los personajes, por la diferencia de vestuario y el desnudo.
La disposición compositiva es elemental, y su pintura se distancia de la narrativa tradicional, influenciando a los impresionistas, que rechazaron la narración y el modelo academicista.
El bar de las Folies-Bergère destaca por el tratamiento de los fenómenos lumínicos, reflejados en un espejo al fondo que muestra la profundidad de la sala. El difuso foco en las primeras figuras que usaba inspiró a los impresionistas en su intento de capturar la luz.
La invención de la fotografía por Niépce en 1826 ayudó a los artistas a desarrollar conocimientos perceptivos relacionados con el color. Para estos artistas, la experiencia visual (no el tema) era lo más importante que representar. Ejemplo: variaciones de Monet sobre la Catedral de Rouen.
Entre 1885 y 1890 se desarrolla la técnica divisionista (uso de colores puros yuxtapuestos), permitiendo a los artistas captar percepciones tal y como la pintura al aire libre lo permitía. La producción en exteriores ofrecía, de nuevo, la posibilidad de representar lo efímero.
La palabra “Impresionismo” aparece en 1874 cuando un grupo de artistas, encabezado por Claude Monet, Renoir, Degas y Morisot, crea una cooperativa en París, cuyo trabajo fue rechazado en los salones oficiales y expusieron su obra fuera de ellos. Un artículo crítico en una revista tituló la exposición como “Exposición de los impresionistas”, y de ahí en adelante el término Impresionismo quedó asociado a ese estilo artístico.
La fotografía también influyó por la búsqueda de capturar la temporalidad, como los cambios en la luz, la atmósfera y los gestos, centrándose en la percepción subjetiva en lugar de seguir un enfoque narrativo o moralista.
La pintura al aire libre fue fundamental, y la forma quedó subordinada a la luz y el color. Ellos se convirtieron en los protagonistas de la obra, mientras las líneas y formas se diluían.
Autores Destacados
Pissarro → Uno de los “padres” del Impresionismo. Pinta principalmente la vida rural francesa en paisajes y escenas con campesinas trabajando. También escenas urbanas en Montmartre. Fue un teórico de la vanguardia y un gran influyente, con discípulos como Paul Gauguin y Henri Martin Lamotte.
Monet → Francés, considerado creador del Impresionismo. Su obra Impresión, sol naciente se exhibe en el Salón de los Rechazados en 1874. Desarrolla la técnica de las “series”: un mismo motivo representado con distintas condiciones de luz. Su jardín en Giverny, con estanques y nenúfares, se convirtió en un tema recurrente en sus pinturas. Nenúfares (1916-1923).
Renoir → Cuerpos femeninos y paisajes inspirados por los pintores clásicos renacentistas y barrocos. Sus obras van hacia un Impresionismo más ornamental y se centra en mostrar la belleza y la alegría de vivir. Incluso cuando se acercó al Postimpresionismo, nunca abandonó la figura humana. Obras: El columpio y Baile en el Moulin de la Galette. Renoir captó escenas alegres y naturales usando una paleta vibrante y luminosa que lo distingue en el movimiento. El columpio es una escena escenificada con un lenguaje visual donde no se delimitan las formas, sino que se integran en los volúmenes. Su técnica, que hace vibrar sombras, luces y colores que se superponen, muestra la mezcla óptica, manchas de color y la alegría de vivir. 1876, obra sobre juventud y naturaleza.
Berthe Morisot → Una de las figuras femeninas más importantes del Impresionismo. Discípula de Camille Corot, se integra en el grupo de impresionistas, adoptando su técnica de pintar al aire libre. Participa en el Salón de París y tuvo una relación cercana con Manet. Morisot, como otras mujeres impresionistas, representaba escenas de intimidad, vida cotidiana y maternidad.
Mary Cassatt → Pintora y grabadora estadounidense, se traslada a Francia donde se unió al Impresionismo. Sus obras retratan la vida social y privada de las mujeres, especialmente niños y madres en la intimidad. Cassatt recibió lecciones de Degas, quien le enseñó técnicas de pastel y grabado, y ayudó a promover el movimiento impresionista en Estados Unidos.
Edgar Degas → Uno de los fundadores del Impresionismo. Fue conocido por sus magistrales dibujos y su habilidad para capturar la vida en movimiento. Su pintura se centra en bailarinas, carreras de caballos y escenas cotidianas. A pesar de su relación con el Impresionismo, su estilo académico y estructurado lo diferenció. En la década de 1880 evoluciona su técnica con esculturas y pastel. Su obra Bailarina en una fotografía (1875) es ejemplo de su habilidad para captar la esencia humana.
Impresión, sol naciente (1872)
Esta obra de Claude Monet representa un instante del amanecer. Trata de representar la luz y transmitir la reverberación del agua.
El movimiento principal nace justamente en el contexto de la naturaleza.
Técnica
Pinceladas cortas, toques de color. Luz difusa. Composición equilibrada. La estética aplicada rompe con la tradición. Uso de colores primarios. No se delimitan los contornos.
Rasgos Característicos del Impresionismo
Busca capturar la energía y fugacidad de la naturaleza al aire libre.
Interés en capturar la luz y el instante preciso.
Uso de luz natural que varía a lo largo del día.
Renuncia al negro en las sombras y se emplean colores complementarios.
No usan el negro en la sombra (influencia de las fotografías).
Renuncian a la perspectiva lineal y a cualquier composición académica.
Rechazo a la narración y al modelo tradicional.
Se plasma la percepción subjetiva, lo que el ojo capta.
Aplicación directa del color en la obra sin mezclas previas en la paleta.
Apuesta por el automatismo y la espontaneidad. Es una respuesta a la revolución del arte académico y al Realismo del siglo XIX. Influirá en autores posteriores como Van Gogh.
Postimpresionismo
Término histórico-artístico que designa los estilos pictóricos surgidos a finales del siglo XIX y comienzos del XX posteriores al Impresionismo, acuñado por Roger Fry (británico) en una exposición en Londres en 1910 (reunión de obras de Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh). Este término agrupa distintas estéticas, manteniendo continuidad con el Impresionismo, pero como reacción contra sus limitaciones.
Los postimpresionistas mantuvieron el uso de colores vivos, la aplicación densa de la pintura y pinceladas visibles, pero abandonaron la intención de captar solo la luz y la atmósfera, buscando otorgar mayor carga emocional y expresiva a las obras.
Las creaciones de Cézanne, Gauguin y Van Gogh se distancian principalmente en el uso del color, la simbología y la representación de la forma.
Paul Cézanne
Se enfoca en destacar las cualidades materiales de la pintura, representando paisajes, retratos y naturalezas muertas (especialmente manzanas) mediante formas geométricas.
Pintó figuras femeninas en el baño sin idealización, tratándolas como símbolos. Las figuras no son mitológicas, sino reales.
Cézanne anticipa el Cubismo con su representación de la naturaleza a través de planos, estructuras geométricas y simplificación de la forma.
Técnica
Usa planos simplificados, contornos definidos por geometría y luz prismática, reflejando la percepción natural más que el realismo fiel del Impresionismo.
Obras Destacadas
Los jugadores de cartas: serie de 5 cuadros sobre el tema (1893–1895).
Cézanne repite la composición con variaciones. En las últimas versiones, los rostros son hieráticos, sin gestos.
En las obras iniciales aparecen 3 jugadores y otras figuras observando; en las finales, la escena se reduce a 2 jugadores y 1 botella en el centro. Predomina la geometría y la simplicidad compositiva.
Colores
Primarios (azul, amarillo, rojo), pinceladas muy sueltas y síntesis del volumen que Cézanne logra con luz y color.
Este estilo sigue una búsqueda entre el dibujo y el color.
En los paisajes busca una síntesis entre la representación naturalista y la observación subjetiva, tratando de lograr una observación fiel del mundo visible, organizada en formas geométricas simples y depuradas.
Frase célebre: “Quiero hacer del Impresionismo algo sólido y perdurable como el arte de los museos”.
En los retratos y los cuadros de jugadores, evidencia su intención de unir la observación natural con la composición clásica.
Impacto en el Arte Posterior
Es un puente entre el Impresionismo del siglo XIX y el Cubismo del siglo XX.
La perspectiva en su obra (a partir de 1907) es el punto de partida para la representación moderna, consolidándose como uno de los artistas más influyentes del siglo XIX y del Cubismo.
Inspiró a Picasso y Braque. Frase célebre de Picasso: “Cézanne es el padre de todos nosotros”.
Eugène Henri Gauguin (1848–1903)
Pintor postimpresionista recordado por su alejamiento del realismo. Se centró en superficies planas y decorativas con abundante simbolismo.
Estancia en Bretaña. En 1894, pasó por la École des Beaux-Arts (Bellas Artes) en Bruselas.
Su uso experimental del color y su estilo sintético lo diferencian del Impresionismo. Su trabajo influyó profundamente en la vanguardia, inspirando a artistas modernos como Picasso y Matisse.
Su producción más destacada la vivió en Tahití, donde encontró una conexión espiritual y cultural, y usó recursos simbólicos y coloridos intensos, en contraste con las estéticas de Europa.
Su legado pictórico lo posiciona como uno de los más importantes pintores del siglo XX y un gran contribuyente al Simbolismo.
Vincent Van Gogh
Aborda la naturaleza con pinceladas enérgicas y colores vibrantes. Su enfoque subjetivo —como en Noche estrellada (1889)— marca el inicio del Expresionismo.
Alrededor de 800 pinturas y 6000 dibujos en solo 10 años (1880–1890).
Fue influenciado por los grabados japoneses y el intento de reflejar la vida en sus obras.
Etapas de su Obra
Etapa en Países Bajos (1880–1886):
Influida por la pintura tradicional holandesa, colores oscuros y escenas de campesinos.
Ejemplo: Los comedores de patatas, influido por el pintor realista Millet.
Etapa en París (1886–1887):
Se relaciona con impresionistas que querían romper con el academicismo.
Descubre los colores vivos de los impresionistas.
Comienza a copiar estampas japonesas.
Etapa Postimpresionista (1888):
Una de las más representativas. Se muda al sur de Francia (Arlés), donde plasma escenas de la vida cotidiana con una interpretación más subjetiva del entorno.
Obra destacada: Los girasoles (1888).
Etapa Precursora del Expresionismo y Fauvismo:
Su obra se destaca por el uso intenso del color y técnicas precursoras del Expresionismo.
Su temperamento apasionado se reflejaba en el color. El Expresionismo empezó a gestarse en las últimas décadas del siglo XIX, encarnado con fuerza a partir de 1887.
Cuando se instala en Arlés, vive crisis emocionales. Destaca su relación con Gauguin y eventos dramáticos como cuando se corta la oreja.
Obra: La entrada de Cristo en Bruselas (influencia de Ensor).
En Arlés, la luz del sur lo inspiró a explorar un uso más audaz del color.
Sus paisajes de Saint-Rémy de Provence —con espirales y remolinos— evidencian una mente agitada.
Desde aquella época, Van Gogh dejó una profunda obra visual que anticipó el Expresionismo (simplificación extrema), hasta 1911, cuando el crítico Wilhelm Worringer lo introdujo.
La Noche Estrellada
Van Gogh (1889), óleo sobre lienzo, 73 x 92 cm, Museo MoMA (Nueva York)
Fue pintada mientras Van Gogh estaba internado en el hospital psiquiátrico de Saint-Rémy de Provence, en el sur de Francia. Refleja un momento de gran intensidad emocional en su vida.
La obra muestra una visión desde la ventana de su habitación. Es una representación de una noche estrellada que combina elementos reales con una profunda carga simbólica y emocional.
Los colores son intensos y puros, con pinceladas postimpresionistas cargadas de movimiento y energía. Transmite una sensación de agitación interna. La pintura está llena de espirales, torres, cipreses, estrellas vibrantes y una luna brillante.
Van Gogh no tenía intención de reflejar la realidad de manera fiel, sino expresar su mundo interior. El uso de líneas curvas, colores contrastantes y la fuerte presencia del cielo frente a la tierra dan a la obra un aire de abstracción.
Se destaca por la influencia del Simbolismo y el uso personal del color. También se pueden notar rasgos del Fauvismo, que surgiría años después.
El cuadro expresa el contraste entre el cielo estrellado y la calma del pueblo con la torre de la iglesia. Este elemento gótico refleja la espiritualidad de Van Gogh, en tensión con su lucha emocional.
Esta obra anticipa el Expresionismo y es una de las más representativas del Postimpresionismo.
La Abstracción
Precursor
Turner es uno de los mejores paisajistas de la historia. Es el responsable de que el paisaje sea considerado hoy en día un género mayor. Tanto en óleo como en acuarela fue un maestro que se adelantó medio siglo al Impresionismo, siendo considerado como el pintor de la luz. Usó en el óleo técnicas propias de la acuarela, y se acercó al Impresionismo e incluso al arte abstracto, pudiéndose ver sus huellas en pintores como Kandinsky.
Pionera
La artista sueca Hilma af Klint (1862–1944) es considerada la autora de la primera obra completamente abstracta en 1906. Creó una serie de pinturas para el templo en las que abordaba la espiritualidad, la evolución del ser humano y las religiones del mundo. La obra de la artista no se hizo pública hasta 1986, cuarenta y dos años después de su muerte, por su expreso deseo, ya que consideraba que su obra no sería comprendida por el público. Hilma af Klint pertenece a la primera generación de mujeres europeas que se formó académicamente en arte. Realizó estas obras entre 1913 y 1915. Cada imagen está acompañada de símbolos, esferas, espirales y formas que sugieren estructuras celulares. Los pájaros y las flores, delicadamente representados, recuerdan tanto los motivos decorativos del Art Nouveau como la filigrana de los manuscritos iluminados.
- Pinturas para el templo (1906)
- El árbol del conocimiento (1913–1915)
- El cisne (1915)
Wassily Kandinsky
Publicó De lo espiritual en el arte en 1912, donde critica a las instituciones académicas tradicionalistas y la idea de arte en general. Es el primer libro que describe la función teórica del movimiento abstracto y habla de una nueva época de gran espiritualidad y de la contribución de la pintura a ella.
Además de rechazar la imitación de la naturaleza y las pautas sobre las propiedades emocionales de los colores según el tono, la dirección o teorías antiguas sobre el color, él no se interesa por el espectro, sino por la forma.
El desarrollo de sus trabajos sobre el estudio de las formas, en particular los puntos y líneas, dio lugar a su segundo libro teórico: Punto y línea sobre el plano (1926). Los elementos geométricos adquieren una importancia creciente en sus enseñanzas y pintura: el círculo, el medio círculo, el ángulo, líneas rectas y curvas. Esta libertad se manifiesta en obras ricas en colores y matices, como Amarillo-rojo-azul (1925).
Entre 1926 y 1933 pintó 159 óleos y 300 acuarelas. Muchos de ellos se perdieron después de que los nazis declararan degeneradas sus pinturas.
Composición VIII (1923, Guggenheim Bilbao)
Es un testimonio de la creencia de Kandinsky en que el arte puede transmitir emociones e ideas a través de la abstracción pura. Consideraba esta obra el punto culminante de su producción de posguerra. Elementos circulares, triangulares y lineales crean una superficie dinámica y musical. La importancia de los círculos presagia su papel en obras posteriores. Es un ejemplo destacado de la abstracción lírica. La obra sugiere energía y vitalidad, sin una interpretación concreta, como expresión de emoción y pasión.
Suprematismo
Corriente de vanguardia que rechaza el arte convencional y busca apelar a la sensibilidad mediante imágenes visuales abstractas geométricas.
Kazimir Malevich
Buscó la simplicidad y la abstracción como máxima expresión del arte. Renunció a toda realidad visible, basando su obra en la fuerza del color y la geometría. Influido por Impresionismo, Simbolismo, Fauvismo, Futurismo y Cubismo, desarrolló un estilo propio.
Completó su primera obra suprematista en 1915: Cuadrado negro sobre fondo blanco, y en 1916 Blanco sobre blanco.
Otra miembro del grupo, Liubov Popova, creó Construcciones arquitectónicas y Construcciones de fuerza espacial (1916–1921).
1915 marca el nacimiento del Suprematismo: abstracción total, formas geométricas, austeridad absoluta (serie aérea), dinamismo constructivo y profundidad (hasta 1918).
Constructivismo
Movimiento de vanguardia surgido en Rusia en el contexto de la Revolución de 1917. Junto con el Suprematismo, fue una de las principales corrientes soviéticas del siglo XX.
Caracterizado por abstracción geométrica, colores vivos y atención a la funcionalidad. Los artistas usaron materiales industriales (metal, vidrio, plástico) y técnicas como soldadura, collage y ensamblaje.
La estética se basa en el principio de “construcción”, considerando las obras como elementos estructurales dentro de un marco arquitectónico o social.
- Vladimir Tatlin, Contrarrelieve de la esquina (1915; hierro, cobre, madera y cuerda, 71 x 118 cm; Museo Ruso, San Petersburgo)
Neoplasticismo – Piet Mondrian
Pintor vanguardista neerlandés, miembro de De Stijl (fundado en 1917 en Leiden, Países Bajos), y cofundador del movimiento junto con Theo van Doesburg.
Desde su interés por el Naturalismo y el Simbolismo hasta la abstracción. Buscó representar la estructura básica del universo a través de un lenguaje con lo mínimo: blanco (presencia de todos los colores), negro (ausencia) y colores primarios (elementales).
Ejes: líneas rectas, rectángulos y superficies. Abogó por un arte no figurativo que indague lo subyacente a la realidad.
Rechazó la textura, prohibió el color verde en su casa.
Buscó un “arte puro”, despojado de lo particular. Composición en rojo, amarillo, azul y negro (1921)
Jackson Pollock
Creador del dripping, un nuevo modo de pintura. Situaba el lienzo en el suelo y, moviéndose a su alrededor, dejaba caer pintura en hilos. Se interesó por el azar y lo incontrolable.
Influencias: Regionalismo, muralistas mexicanos y Surrealismo.
Desde los años 40, creó obras abstractas totémicas. A partir de 1947, desarrolló su estilo más famoso: manchas y dripping, en una técnica que denominó action painting (pintura de acción). En 1951 cambió de estilo: volvió a las formas totémicas, pero en negro.
Número 3 – Ritmo de otoño (1950, esmalte, 267 x 526 cm, Museo Metropolitano, NY)
Una de sus obras más características. Pintura caótica en negro, blanco y marrón, sin punto focal. Cada parte es igualmente significativa.
Pollock pintaba en trance, escuchando bebop (como Charlie Parker). Ambos artistas —jóvenes, innovadores y marcados por sus adicciones— son frecuentemente comparados.
Mark Rothko
Creador del Color Field Painting. Artista obsesivo y meticuloso. Alcanzó una técnica exquisita para fundir tonos y lograr colores expresivos.
Desde el Expresionismo de los años 30 y el Surrealismo de los 40, pasó en los años 50 a centrarse en el color. Este estilo se basa en grandes superficies de color, donde las manchas se superponen como veladuras.
Derivado de experimentos cubistas, busca representar el mundo interior del artista. El espectador debe meditar frente a la obra, guiado por la expresividad cromática.
Sin título (1950, óleo sobre lienzo, 176,9 x 101,6 cm, Museo Reina Sofía, Madrid)
Cubismo
Ruptura radical con la tradición artística occidental. Elimina la perspectiva tradicional, instaurando un nuevo modo de representar la realidad.
Descomposición de las formas naturales en figuras geométricas representadas mediante líneas y planos. La “perspectiva múltiple” muestra simultáneamente distintos lados del objeto en un solo plano. Desaparece el punto de vista único y la profundidad.
El Cubismo influye profundamente en otros movimientos como Futurismo, Constructivismo o Suprematismo. Busca la objetividad, no su veracidad. Géneros como retratos, bodegones y algo de paisajes.
Cubismo Analítico y Sintético
Analítico (1907-1911): descomposición minuciosa de los objetos hasta el punto que a menudo resulta difícil reconocer lo que se representa. Los colores son apagados: ocres, grises y marrones, con tendencia a una monocromía. Se representa la idea sobre el objeto.
Sintético (1912-1914): composiciones más simples y figurativas. Los objetos se descomponen en formas más reconocibles. Colores más vivos y variados. Incorporan materiales ajenos al cuadro como papel, cartón, tela o madera. Integran importantemente la técnica del collage (papier collé). Braque fue el primero en pegar por primera vez un fragmento de papel en una obra.
Georges Braque
Inició junto con Picasso el movimiento hacia el Cubismo.
1910: pinta El portugués y bodegones con instrumentos musicales.
Superficies superpuestas y formas geométricas simples, usando pocos colores y planos.
- Cubismo Analítico (1909-1912): descomposición extrema de las formas.
- Cubismo Sintético: más reconocible y legible, que impulsó con una técnica nueva: el collage.
Tras la Primera Guerra Mundial, desarrolla un estilo más propio con composiciones más figurativas, colores más expresivos, claridad en la forma y una producción centrada en bodegones y algunas figuras humanas.
Cubismo Hermético
Una tendencia hacia la abstracción sin abandonar del todo la referencia figurativa. Múltiples ángulos.
Mandora de Braque
Óleo sobre lienzo, 71 x 55 cm.
Es un instrumento, un bodegón cerrado, pero estos trazos resultan constantemente interrumpidos, con planos sombreados en fuerte luz clara, lo que contribuye a la sensación de movimiento y rigor.
Mujer con mandolina (1910, Museo Thyssen)
De Fernand Léger. El título nos indica que se trata de una mujer con mandolina, pero las formas tan fragmentadas parecen abstractas. Las líneas verticales y horizontales crean un volumen con sólida figura y fondo mezclado. El color ocre del fondo y los ocres grisáceos matizan el impacto óptico. Técnica que sigue en 1911, luminosa y cercana al Orfismo. Léger influyó en Braque introduciendo instrumentos musicales como elemento, ya que en la obra elige un enfoque casi escultórico. Sus composiciones geométricas y naturalezas muertas broncíneas vuelven en esta etapa a la figura humana.
Pablo Picasso (España, 1881–1973)
Desde pequeño mostró interés por el dibujo. Se formó en ciudades como A Coruña, Barcelona y Madrid. En 1900 viaja por primera vez a París, ciudad que influenció su obra.
Etapas
Época Azul (1901–1904): tonos fríos, temas tristes (pobreza, enfermedad, melancolía). Influido por el suicidio de un amigo.
Época Rosa (1904–1906): cambio de color y temas más serenos como arlequines y acróbatas.
En 1907 crea Las señoritas de Aviñón, obra clave que rompe con la perspectiva clásica y da origen al Cubismo. Planos angulosos y múltiples puntos de vista.
Círculo Vanguardista
Junto a Georges Braque desarrolló:
- Cubismo Analítico (1909–1912): descomposición de objetos.
- Cubismo Sintético (1912): planos más simples, colores apagados, incorporación de objetos reales como papel o tela.
También creó esculturas asociadas a estos estilos, influyendo en la escultura moderna.
Las señoritas de Aviñón (1907)
Obra sobre lienzo que representa cinco mujeres desnudas. Inspirada en un burdel de Barcelona. No hay perspectiva, figura equilibrada, dinámica y cerrada.
Composición influenciada por Cézanne y arte primitivo africano. Época de transición. Rostros asimétricos, planos angulosos, superposición de planos. Uso revolucionario del color sin sombras realistas. Obra que marca el inicio del Cubismo.
Juan Gris (España, 1887–1927)
Aporta una innovación clave: el uso del papier collé (papel pegado).
Técnica que pertenece al Cubismo Sintético.
A diferencia de Picasso, fue más constante y fiel al estilo cubista, con un enfoque más colorista y ordenado. Vuelta al orden.
El desayuno (1914)
Representación de un desayuno mediante formas geométricas simples.
Técnica de collage con papel, cartón y óleo. Uso de colores vivos.
Ejemplo claro del Cubismo Sintético y fusión con el realismo a través de objetos reales usados en la composición.
Introduce formas directamente (colores vivos, sombras, iluminación, colores primarios y negros).