Versalles

Es el prototipo de residencia aulica del príncipe absoluto. Luis 16 eligió este palacio como expresión de la monarquía y de su propia persona el Dios Sol, asociado al Dios Apolo en el decorado de la arquitectura y en las esculturas de los jardines. La impresión de estupor que recibían los embajadores extranjeros al ser recibidos en audiencia era que solo la administración de un poder organizado podía tener edificios tan espectaculares. La transformación de Versalles barroca va a seguir un proceso escalonado que coincide con cuando Luis 16 lo convirtió en marco escenográfico de sus fiestas. Versalles se transforma así en una ciudad con mansiones para los cortesanos, ministerios para los empleados de la administración, cuarteles para la guardia y viviendas para los criados, todo simétricamente articulado a la cámara del rey. Los artistas que presentaron su ingenio al servicio del estado fueron el arquitecto Jules Hardouin-Mansart, el pintor Charles Le Brun y el jardinero-paisajista André Le Nôtre. Mansart diseñó una monumental fachada, por cuyo interior corría la galería de los espejos, flanqueada por el Salón de la Guerra y de la Paz. Le Brun decoró sus espacios con mármoles policromos y trofeos dorados. Después, Mansart añadió dos alas en escuadra y nuevas dependencias como L’Orangerie. Le Nôtre diseñó las 3 avenidas de jardines que confluyen en el palacio, y las calles radiales que se abren en la puerta posterior en torno a un gran canal. Aquí dispuso glorietas, fuentes y pérgolas emparadas entre parterres y unidades boscosas.

Pintura en Italia

En la arquitectura barroca vuelve a reflejarse el marco de la pintura. El arte oficial de los Carracci ha sido relacionado con la plástica de Bernini y la reacción violenta de Caravaggio se ha identificado con la locura de Borromini. Los Carracci y Caravaggio reaccionaron frente al manierismo desde posiciones distintas. Los Carracci se inspiraron en la escultura grecolatina, recuperaron las proporciones ideales del cuerpo humano y dieron origen al clasicismo academicista. Caravaggio retrata a la gente corriente inaugurando el naturalismo, por ejemplo, el cuadro ‘La Buenaventura’. En cuanto al procedimiento técnico y al uso de la luz, los Carracci pintaron grandes frescos para decorar los techos y las paredes de los palacios que aparecen iluminados con tonos claros, mientras que Caravaggio impone en sus lienzos de caballete el tenebrismo buscando efectos claroscuristas.

Carracci

Los Carracci fueron una familia de pintores boloñeses integrada por los hermanos Agostino y Annibale y su primo Ludovico, que recuperaron para el arte italiano la concepción poderosa y sensual del mundo mitológico. Annibale fue encargado para una decoración pictórica del palacio en la ciudad eterna, que acometió en dos fases: el camerino y la gran galería. En el camerino desarrolló 15 historias sobre Hércules y Ulises que escondían una intención moralizante, aludiendo al triunfo de la virtud y el esfuerzo frente al peligro y la tentación. En la galería también guardaba un propósito alegórico, ilustrada en la poderosa fuerza del amor. Annibale fingió en el techo una arquitectura ilusionista. El asunto central es el triunfo de Baco y Ariadna, que resume las claves del clasicismo: un estilo solemne, inspirado en los modelos antiguos y en el canon de belleza que aplicaron los griegos al cuerpo humano.

Caravaggio

Michelangelo Merisi, llamado Il Caravaggio, es el creador del naturalismo y tenebrismo pictórico. Su vida está marcada por la bohemia y su arte por la incomprensión. Murió por la malaria con 37 años. Sus sinceras representaciones populares dominadas por un aspero verismo fueron rechazadas por el pueblo que querían las decorosas imágenes concebidas por el arte de los Carracci. Su carrera ha sido dividida en 3 etapas: la fase inicial corresponde a sus primeros años romanos. Se caracteriza por cuadros pequeños de medias figuras que el pintor vendía en los mercadillos para subsistir. En este periodo inventa el bodegón moderno con la cesta de frutas y representa a jóvenes bajo la apariencia mitológica de Baco o disfrazados de músicos como el tocador de laúd. Las interpretaciones religiosas también encuentran cabida en su paleta, como la bellísima ‘Cena de Emaús’. Todos estos cuadros están construidos con figuras sólidas recortadas con fondo neutro y de rico colorido. Su estilo maduro, en el que funde el naturalismo con su visión revolucionaria de la luz, creando el tenebrismo caravaggiesco. En esta fase intermedia de su producción se dan cita los grandes encargos para las iglesias romanas, el cuadro más interesante es la ‘Vocación de San Mateo’. Otras obras de esta época que muestran la polémica que desató el naturalismo tenebrista son ‘La Virgen de Loreto’. Peor suerte corrió ‘La Muerte de la Virgen’, que fue retirada de la iglesia de La Scala porque imitaba con demasiada exactitud el cadáver hinchado de una prostituta ahogada en el Tíber. La etapa final coincide con su exilio, pintando cuadros religiosos para las iglesias mientras huía de la justicia. Un ejemplo es las 7 obras de la misericordia o la decapitación de San Juan Bautista.

Pintura en Flandes y Holanda

La pintura barroca alcanza un desarrollo en los antiguos Países Bajos, divididos en Flandes y las Provincias Unidas Holandesas. En Flandes, la temática religiosa es evangélica, hagiográfica y sacramental, plasmándose en grandes cuadros de altar. Holanda cultiva asuntos bíblicos de formato pequeño para ser contemplados en la intimidad del dormitorio doméstico, ya que luteranos y calvinistas han suprimido el culto a las imágenes. El retrato en Flandes es individual y se concibe bajo paradigmas solemnes con el propósito de mostrar el elevado rango social del personaje, mientras que en Holanda tiene carácter corporativo, ofreciendo sus artistas una espléndida galería de grupos por los que desfilan los oficiales de las guardias cívicas, los administradores…

Escultura flamenca: Rubens

Es mucho más que un pintor de tipos masculinos atléticos y mujeres de carnes generosas, sonrosadas y sensuales. Fue un mago del color y está considerado como el artista más culto de su tiempo, hablaba y escribía seis lenguas modernas aparte del latín. Con un año quedó huérfano, estudió humanidades y cursó el aprendizaje artístico con Otto Venius. Hizo escala en Roma, donde admiró a Miguel Ángel, Caravaggio y a los Carracci, y en Mantua copió a Mantegna y emprendió su célebre colección de monedas. En Valladolid aprovechó para pintar el retrato ecuestre del Duque de Lerma. Abandonó Italia por la muerte de su madre, fue nombrado pintor por los archiduques e inició las gestiones inmobiliarias para edificar la casa taller más emblemática del barroco europeo, un palacio con gabinetes de antigüedades y amplio jardín. En uno de los frentes del taller mandó elevar una tribuna desde la que vigilaba a sus aprendices. Otro detalle expresivo del obrador es su elevada puerta de 7 metros, por la que salían de costado los gigantescos lienzos. Cerca de 3000 cuadros llevan el sello de Rubens. Rubens firmaba los contratos, daba el boceto preparatorio, supervisaba el trabajo y cobraba. Su participación en el cuadro dependía del dinero que le pagaban, si el precio era alto intervenía directamente. Rubens dominó todos los procedimientos de la técnica pictórica, desde lienzos al óleo hasta murales al fresco, pasando por los cartones para tapices, el diseño de arcos triunfales para honrar los recibimientos regios y la ilustración de libros y misales que los grabadores de la famosa editorial flamenca de Plantin trasladaron a planchas. Pintó asuntos religiosos históricos y mitológicos. La pintura no tuvo secretos para él. Su trayectoria se inicia con los trípticos de la Elevación de la Cruz y el Descendimiento, y San Ignacio y San Francisco Javier, pero su obra cumbre fue el Triunfo de la Eucaristía. Junto al heraldo de la Contrarreforma católica emerge el Rubens de los grandes palacios europeos de la monarquía absoluta: la Galería de la María de Médici, el Salón de Banquetes de Carlos I en Inglaterra y la Torre de la Parada de Felipe IV. De estas vastas empresas, el ciclo más exultante fue el de la María de los Médici. Más tarde, cuadros en los que aparece su esposa: el Juicio de París, el Jardín de Amor y la esplendorosa tabla de las Tres Gracias.

La escuela holandesa: Rembrandt

Fue el gran intérprete de la sociedad burguesa holandesa y el primer artista que no depende del mecenazgo de la corte, sino que vende sus productos en el mercado. Sus orígenes son modestos, cursó su formación con Pieter, que le enseñó los secretos del tenebrismo caravaggiesco. Acuñó un estilo propio en el que los contrastes de luz y sombra nunca serán tajantes, sino que envuelve sus figuras en penumbras graduadas, misteriosas y doradas. Se estableció en Ámsterdam, donde la sociedad civil necesita grandes retratos colectivos para decorar las salas de sus respectivas corporaciones, y Rembrandt realizó 3 obras memorables. Los cirujanos le encargaron ‘La Lección de Anatomía del Doctor Nicolaes Tulp’ para rememorar una clase magistral impartida por este célebre médico. Más tarde pintó para la Guardia Cívica ‘La Ronda de Noche’, por la aparente atmósfera nocturna que invade el cuadro fruto de la sociedad acumulada. 20 años después pintó ‘Los Síndicos de los Pañeros’. El dominio y la evolución que Rembrandt alcanzó en este campo se sustancia en la galería de autorretratos que realizó. Tuvo una crisis financiera y muchas deudas que le llevaron a la quiebra y a vender sus bienes en subasta pública. Ingresó en la secta menonita y ante estas circunstancias buscó la expresividad interior, la sustancia espiritual y moral e intentó retratar el alma de los personajes. El claroscuro sigue siendo idéntico, pero la pincelada se hace más suelta y el color más vibrante, y surgen cuadros melancólicos como ‘Aristóteles contemplando el busto de Homero’.

La arquitectura barroca en España

Las ciudades españolas del barroco son conventuales. Las fundaciones monásticas masculinas y los cenobios de clausura femeninos ubicados en el interior del casco urbano ocupan un tercio del suelo edificable. Muchos arquitectos del siglo XVII van a ser frailes profesos de las órdenes, los carmelitas cuentan con Fray Alberto de la Madre de Dios, los agustinos con Fray Lorenzo de San Nicolás y los jesuitas con los discípulos del Padre Bartolomé de Bustamante. Las plantas que conciben estos para favorecer el culto, la predicación y la administración de los sacramentos no son originales, procedían del siglo anterior y se acomodan a los modelos de salón y de cajón por su estructura regular, carente de alabeos de muros que Ber y Borromini habían impuesto a sus creaciones romanas. La sobriedad escurialense de estos edificios de proporciones cúbicas y escasa altura se proyecta también en fachadas, como la del Convento de San José de Ávila y la del Monasterio de la Encarnación por Fray Alberto. La tónica general de la arquitectura es la pobreza constructiva, visible en la utilización casi exclusiva del ladrillo y en las falsas cúpulas de la meseta castellana. La sencillez externa dejará paso a una deslumbrante decoración interior, hasta el punto de convertirlas en espejeantes curvas doradas. Las iglesias aparecen brillante y teatralmente revestidas de espumosas yeserías, coloristas cuadros de altar y retablos dorados que impactaban a los fieles. Surge una nómina excepcional de arquitectos y entalladores clasicistas: Pedro de Ribera, Fernando de Casas, Jaime Bort… Todos fueron dueños de un repertorio ornamental traducido en las portadas que se conciben como retablos en piedra, los cuales rivalizan con las grandes obras de madera dorada y policromada que se alzan en los presbiterios. Complemento van a ser las transformaciones urbanísticas que experimentan las ciudades españolas. Pero el ennoblecimiento urbano solo alcanzará su plenitud con la apertura en el corazón del caserío, de la Plaza Mayor, un espacio público de estructura rectangular con soportales para resguardar de las inclemencias a comerciantes.

La escuela castellana: Gregorio Fernández

Es el maestro del barroco castellano. En su producción se advierten 2 etapas: una fase manierista y un periodo de madurez. Sus obras de talla completa y bulto redondo están teñidas de patetismo, caracterizándose en su etapa de esplendor por el modelado blando del desnudo y la rigidez metálica de los ropajes. Son telas pesadas que se quiebran en pliegues geométricos, recordando el arte hispanoflamenco. Trabajó para las iglesias diocesanas, las cofradías y el rey. Sus mejores clientes fueron las órdenes religiosas, construyendo retablos para los cartujos, cistercienses, franciscanos, como creador de tipos iconográficos dio forma al modelo de la Inmaculada y al de la Virgen de la Piedad. Aunque las novedades que le reportaron fama fueron el Flagelado y el Yacente. Concluyó el Cristo Atado a la Columna. En cuanto a su famoso Yacente, su belleza puso en circulación otra leyenda como la del Cristo Atado a la Columna. De sus célebres pasos procesionales, ninguno se conserva íntegro, el más alabado es el del Descendimiento.

Montañés

Es el imaginero español que gozó de más fama y respeto popular entre sus contemporáneos. Se formó en Granada en el taller de Pablo de Rojas, pasando a Sevilla donde adquiere el título de maestro escultor, ya no abandonará esta ciudad solo para modelar el retrato de Felipe IV. Como retablista se muestra un ferviente partidario de las estructuras arquitectónicas claras, gobernadas por el orden corintio y decoradas con ángeles y elementos vegetales. Tres tipos destacan en su repertorio: retablos mayores de composición rectangular como el de San Isidoro del Campo, San Miguel. En el campo de la escultura definió los modelos del Niño Jesús y la Inmaculada. El Niño Jesús fue su éxito más clamoroso, el que le marcaría el resto de su vida. El orgullo de Montañés llega cuando labra las imágenes de la Pasión.

Juan de Mesa

:introduo el naturalismo en los ambientes clasicos donde se formo.consultaba el natural y estudiaba los caderes imprimiendo asis crucificados los signos de la muerte.mesa agregaba pocas existencias en el precio.quizas su fama de barato contribuyo tb a k se convirtiera en el arttista predilecto de las cofradias sevillanas.la serie de cricificados k labro se abrecon el cristo del amor el mas patetico de su catalogo artistico cuyo expresismo ira atemperando en obras como:el cristo de la conversion del buen ladron y el cristo de la buena muerte,esta ultima obra causo una impresion de serenidaden losmmedios artisticos de sevilla fue tan favorable k la tomaron de modelo para encargarle futuras replicas.su obra mas personal es el cristo de la agonia.y su mas famosa jesus del gran poder y su ultimo ntrabajo nuestra señora d elas angustias.MURCIA,SALZILLO:es el mejor imaginero levantino y el artista mas fervorosode to el s 18 español.de su padre adquiere el encanto del sur de italia k funde en sus tallas con el naturalismo de los imagineros andaluces del abrroco.el rsultado son figuras movidas y expresivas dotadas de infinita gracia con carnes aporcelandas y brillantemente estofadas k pregonan la estetica rococo.toco tolos generos pero su exito descansa en la esplendida serie de pasos porcesionales y en si castizo Belen.como autor de conjuntos procesionales se mustra un habil escenografo en la composicion,agrupando imagenes de talla con otras de vestir.su obra mas fmaosa la caida y la oracion en el huerto.y el san juan de talla completa y gallarda postura es su mejor logro.