El Arte del Renacimiento: Un Viaje por el Quattrocento y Cinquecento

Contexto Histórico y Cultural del Renacimiento

La Italia renacentista era un mosaico político formado por pequeñas ciudades, como Florencia o Milán. En este contexto, en los Estados Pontificios, el papa Nicolás V (1447-1455) reformó la ciudad de Roma y mandó construir la Basílica de San Pedro.

En la Italia del Quattrocento, las dinastías de príncipes o tiranos, como los **Médicis** en Florencia, fueron capaces de mantenerse en el poder de algunas ciudades durante muchos años. En el resto de Europa, sobre todo a partir del siglo XVI, los monarcas gobernaban con el apoyo de la burguesía urbana, que, lentamente pero de manera progresiva, ganó influencia respecto a la nobleza.

En el terreno económico, a finales del siglo XV se produjo un crecimiento notable como consecuencia de la actividad manufacturera y comercial de Alemania y de los descubrimientos geográficos de España y Portugal. Esta nueva riqueza repercutió en el arte.

El Cinquecento: Conflictos, Reformas y Descubrimientos

A partir de comienzos del siglo XVI, Roma sustituirá a Florencia como capital del arte y la cultura. Es la época de los grandes genios, como **Leonardo** o **Miguel Ángel**, pero también la época de la aparición del capitalismo, del fortalecimiento de las monarquías, de las reformas religiosas y de los descubrimientos geográficos.

En el siglo XVI, las continuas luchas entre **Francisco I** de Francia y **Carlos V** convirtieron Europa en un campo de batalla. Este conflicto tuvo también grandes repercusiones en Italia, pues el apoyo del Papa al monarca francés provocó el asalto de la ciudad de Roma por las tropas imperiales en 1527 (*el Saco de Roma*, *il sacco di Roma*). Este hecho fue la principal causa de la decadencia del papado y de la posterior diáspora de pintores, escultores y arquitectos.

En el siglo XVI, la Reforma protestante de **Martín Lutero** cambió el mapa religioso europeo; el *Cisma de Inglaterra*. El **papa Pablo III** intentó la reforma de la Iglesia de Roma (*Contrarreforma*).

El Renacimiento en España: Recepción y Desarrollo

A partir de comienzos del siglo XVI, las formas renacentistas comienzan a introducirse en España. Los medios son los siguientes:

• Los artistas italianos que vienen a trabajar a la Península Ibérica.
• La educación de artistas españoles en Florencia, Roma y Nápoles.
• La importación de fuentes, sepulcros y portadas.
• La llegada de libros y estampas grabadas que muestran los monumentos de la antigua Roma.

Será la época de máximo esplendor del Imperio Español. **Carlos V** y **Felipe II** defenderán siempre el catolicismo.

La Pintura Renacentista

Pintura del Quattrocento: Orígenes y Características

Las raíces del arte pictórico renacentista del Quattrocento se encuentran en **GIOTTO**, aunque el verdadero renovador e introductor de la pintura renacentista es el florentino **MASACCIO**, con una actitud radicalmente opuesta a la tradición gótica.

La *Trinidad* de **MASACCIO** recoge las leyes de la perspectiva matemática.

Los pintores representan el cuerpo humano y los rostros de forma cada vez más realista, intentando reflejar fielmente los rasgos del retratado. Muestran también un gran interés por la naturaleza y el paisaje, pero sin el detallismo de la escuela flamenca. También se interesan por los volúmenes y por la perspectiva, así como por los vestidos, que interpretan con mayor elegancia.

Las composiciones empiezan a preocuparse por la armonía y a menudo se disponen de manera geométrica, especialmente en forma triangular.

Este nuevo estilo pictórico se aparta completamente de los principios del estilo gótico. Temáticamente, aunque se practica la pintura religiosa, se tratan con gran profusión los temas paganos (es decir, no cristianos). Se da mucha importancia al dibujo, y el pintor de esta centuria está obsesionado por la profundidad y el encuadre de las figuras. Las técnicas más utilizadas son el fresco y el temple y, hacia el final del periodo, se añade el óleo, lo que contribuye a la desaparición del retablo en favor de la tela.

La Escuela Florentina: Cuna del Nuevo Estilo

Aunque la escuela florentina se convirtió en la iniciadora del nuevo estilo, con artistas tan importantes como **MASACCIO**, **FRA ANGELICO** y **BOTTICELLI**, pronto aparecieron otras escuelas en las diferentes repúblicas de la península itálica.

Las Escuelas del Norte de Italia

Las escuelas del norte se ubicaron en Venecia, Padua, Mantua y Ferrara, ampliamente influidas por las corrientes nórdicas de **Rogier van der Weyden** y por la recuperación del lenguaje de las ruinas del mundo romano. Finalmente, a finales de siglo, la Roma papal se convirtió en centro de arte donde trabajaron diversos artistas, anteriores a las formas pictóricas del Cinquecento de **RAFAEL** y **MIGUEL ÁNGEL**.

Pintura del Cinquecento: Consolidación y Maestros

En la pintura del Cinquecento se consolidaron algunas técnicas, como la pintura al óleo de origen flamenco, y nuevos soportes, como la tela. Se utiliza el claroscuro, que define el contorno de las figuras a través de zonas iluminadas y zonas sombreadas. Ello hizo que los artistas se cuestionaran el uso de la perspectiva lineal, y **Leonardo DA VINCI** introdujo el *sfumato* y la perspectiva aérea.

Otro genio del arte, **MIGUEL ÁNGEL**, acentuó el concepto de *terribilità* en la *Capilla Sixtina*.

Aparece la disputa entre el dibujo y el color.

Roma sustituye a Florencia como capital artística, pero el *Saco de Roma* (1527) provoca la marcha de muchos artistas, y resurge Florencia, con artistas manieristas.

La Escuela Veneciana: Color y Expresividad

Coincidiendo en el tiempo, en Venecia surge una escuela pictórica muy peculiar, cuyas características son:

• Pérdida de los contornos del dibujo, a favor de una mayor unidad cromática.
• Exaltación de la riqueza. Las pinturas se enmarcan en ambientes palaciegos, con personajes vestidos con grandes ropajes, joyas, etc.
• Valoración del paisaje y utilización de la arquitectura clasicista como marco.
• Distorsión de las figuras, situadas de manera forzada dentro de la composición.
• Ruptura de la simetría renacentista y utilización de perspectivas con el punto de fuga fuera del cuadro o con más de un punto de fuga.

El Renacimiento Nórdico: Escuelas Alemana y Flamenca

Por su singularidad, también cabe destacar las escuelas alemana y flamenca.

Pintura Renacentista en España

La pintura española introduce el nuevo lenguaje renacentista a partir de los primeros años del siglo XVI, y los artistas toman como modelo los estilos flamenco e italiano.

La pintura flamenca, más próxima a la pintura gótica, se introduce en la península con la llegada de artistas flamencos. El centro más importante es Valencia, con pintores que se apropian el estilo de **LEONARDO** y **RAFAEL**.

El Greco: Un Artista Singular

**EL GRECO**, nace en Candía (Creta) en el año 1541. Sus inicios se relacionan con la pintura de iconos dentro de la tradición bizantina. Después de su paso por Venecia, viaja a Roma, donde conoce y asimila la obra de **MIGUEL ÁNGEL**.

**EL GRECO** se instala en Toledo, después de haber intentado, sin éxito, entrar a formar parte del grupo de pintores de **Felipe II**. Aunque no se incorpora a este grupo, realiza una serie de obras para el rey, entre las que destacan *La Alegoría de la Liga Santa* o *Adoración del Nombre de Jesús*.

Fue en Toledo donde su obra se encumbró gracias al gran número de encargos que recibió de las instituciones religiosas, entre los cuales destacan el retablo de *Santo Domingo el Antiguo* y, por encima de todos, el impresionante *Entierro del Señor de Orgaz* para la iglesia de Santo Tomé.

Su obra pictórica se caracteriza por figuras de canon alargado y con formas helicoidales parecidas a una llama. Su tendencia a los colores fríos da lugar a unas composiciones muy personales.

Las temáticas de sus pinturas, contrariamente a las de otros pintores españoles, son variadas. Entre ellas destacan los retratos. Sus dos paisajes de la ciudad de Toledo, a medio camino entre la realidad y el sueño, son, junto con obras mitológicas como *Laocoonte*, raros ejemplos de paisaje en una España centrada casi exclusivamente en la temática religiosa.

La Escultura Renacentista

Escultura del Quattrocento: El Renacer Clásico

La escultura italiana evolucionó progresivamente, inspirándose en los modelos clásicos.

Durante el Quattrocento, la capital del arte fue Florencia.

El primer ejemplo de escultura renacentista es la *Puerta del Paraíso* del Baptisterio de Florencia, obra de **GHIBERTI**, en la que esculpe las escenas aplicando la misma perspectiva geométrica que utilizarían los pintores y jugando hábilmente con la gradación de los relieves.

Desde un punto de vista formal, la escultura renacentista se caracteriza por la proporcionalidad, retomando el canon de nueve cabezas utilizado al final del período clásico griego, así como el *contrapposto* y las piernas abiertas en compás. Quien mejor resume estas características es **DONATELLO** en su *David*. A finales de siglo, las representaciones escultóricas ganan movilidad y expresividad.

Las técnicas siguieron la tradición, con representaciones inspiradas en la hagiografía y en temas bíblicos; aunque se añadieron con fuerza los desnudos, los temas mitológicos, el retrato de busto y el retrato ecuestre. Esta última temática supone una recuperación de la tipología escultórica clásica, en clara referencia a la escultura ecuestre de *Marco Aurelio*, que significaba la permanencia en la historia y la inmortalidad del personaje. Ejemplos relevantes de escultura ecuestre son el monumento *Il Gattamelata* de **DONATELLO**, en Padua.

En escultura son importantes los monumentos funerarios y las cantorías. En cuanto a las cantorías, cabe citar las de **DONATELLO**.

Entre los materiales utilizados destaca sobre todo el mármol y, junto a él, el bronce, la madera, la piedra, el yeso y la terracota vidriada y policromada.

Escultura del Cinquecento: Monumentalidad y Dinamismo

La escultura del siglo XVI continuó con la línea clásica del Quattrocento, interesada por el naturalismo y por el hombre y con tendencia clara al monumentalismo. Además, también se aprecia un predominio de las líneas curvas, que recuerdan la escultura griega, y la utilización de la forma *serpentinata*, que refuerza el dinamismo.

Para **MIGUEL ÁNGEL**, la escultura ya está en el bloque de piedra o mármol y lo único que debe hacer el escultor es quitarle la parte sobrante. **MIGUEL ÁNGEL** defiende, además, un único punto de vista óptimo, el frontal. Este concepto se visualiza en la *Piedad Rondanini*. Entre sus obras más destacadas cabe mencionar la *Piedad Vaticana* y el *David*.

Los manieristas, en cambio, utilizan diversos bloques, y lo que se ha llamado *multifacialidad*, es decir, el uso de múltiples puntos de vista óptimos. **CELLINI** afirmaba que la escultura es siete veces mejor que la pintura porque tiene ocho puntos de vista, mientras que la pintura sólo tiene uno. A ello se añade que en el canon manierista las figuras se alargan y se retuercen sobre sí mismas, creando una forma *serpentinata* o helicoidal.

La Influencia Italiana en la Escultura Española

En el siglo XVI, en España, los escultores tomaron como modelos a **DONATELLO** y **MIGUEL ÁNGEL**. **Bartolomé Ordóñez** fue seguidor del primero con obras como el coro y el trascoro de la Catedral de Barcelona. La influencia de **MIGUEL ÁNGEL** es evidente en **Alonso Berruguete**, autor de la sillería del coro de la Catedral de Toledo.

La Arquitectura Renacentista

Arquitectura del Quattrocento: Innovación y Proporción

Durante el Quattrocento (siglo XV) la región de la península itálica donde se experimentó una mayor atracción por la arquitectura clásica fue, sin duda, la Toscana, y en especial su capital, Florencia. El Renacimiento rompe con el estilo gótico, toma como modelo el arte de la antigua Roma y utiliza los mismos cánones clásicos.

Habitualmente se utilizan, como elementos de sostén, los tres órdenes griegos —dórico, jónico y corintio—, a los que se añaden los dos órdenes romanos —toscano y compuesto—, y, como elementos de cubierta, el arco de medio punto, la bóveda de cañón y la cúpula de *Santa Maria del Fiore* en Florencia, se convierte en el primer ejemplo de arquitectura renacentista.

Tipologías Arquitectónicas Renacentistas

Las tipologías arquitectónicas renacentistas más comunes son: la iglesia y el palacio, a las que debemos añadir las villas suburbanas. También se construyeron otros tipos de edificios de menor significación, como hospitales, teatros.

La Nueva Formulación de Edificios Religiosos

La forma de la planta de las iglesias renacentistas es principalmente de dos tipos: la basílica, en forma de cruz latina, con tres naves y cúpula en el crucero, que tiene el módulo como organizador del espacio, y la centralizada, en forma de cruz griega o en forma circular. El modelo de la planta de cruz latina es la basílica romana, y los de la planta centralizada son el Panteón de Roma y los templos bizantinos y tardorromanos.

Es **ALBERTI** quien mejor representa el nuevo estilo renacentista con las obras que realiza en Mantua, como las iglesias de *Sant’Andrea*.

Las fachadas están organizadas en tres cuerpos verticales, el central más alto que los laterales, que se unen a él mediante volutas. El conjunto está coronado por un gran frontón triangular. Ejemplo de esta solución es la fachada de la iglesia gótica de *Santa Maria Novella* en Florencia, obra de **ALBERTI**.

La Arquitectura Civil: Palacios y Villas

La *utilitas vitruviana* es la norma que se impuso en las nuevas formulaciones teóricas y prácticas de la arquitectura civil de los siglos XV y XVI. El palacio y la villa fueron, junto a otras tipologías de servicios y ocio, los receptores de las nuevas corrientes artísticas.

Los Palacios y las Villas

Los palacios tienen forma cúbica, coronada por una cornisa, y molduras horizontales que separan los tres pisos, estructurados en tres órdenes: toscano o dórico, jónico y corintio. La fachada, en la que destaca la poca importancia de la portada principal, presenta numerosas ventanas que aligeran la sensación maciza, aunque en conjunto conserva un carácter defensivo. Ello se refleja en el uso de un almohadillado grueso en la parte inferior y más ligero en las dos plantas superiores. Otra característica importante del palacio italiano es la organización interna del edificio alrededor del *cortile* o patio central.

Ejemplos claros de palacio renacentista son el *Palazzo Rucellai*, obra de **ALBERTI**.

En cuanto a las villas, son una recuperación de la antigua casa de campo romana. Su desarrollo alcanza el máximo esplendor en las villas suburbanas de **PALLADIO**.

Otras Tipologías Urbanas

Otras propuestas arquitectónicas civiles menos desarrolladas son los hospitales y los teatros.