El Renacimiento: Arquitectura, Escultura y Pintura

El respeto a la proporción y a la armonía se complementa con la constante mirada hacia el pasado clásico. Vuelven a usar el arco de medio punto, las columnas, las
órdenes clásicas (dórico, jónico, corintio y compuesto). En las plantas de los edificios se buscan efectos de cálculo y matemática perfección. Se busca la amplitud de los
espacios frente a la coloreada penumbra de la iglesia gótica. En acuerdo a las proporciones, estas no serán tan esbeltas y apabullantes como las catedrales góticas, sino
más ajustadas al canon humano, es decir, se construyen edificios a la medida del hombre.
Se sigue utilizando la planta basilical, herencia del mundo romano, que se mantiene durante la Edad Media, pero aplicando el lenguaje clásico en su construcción (arcos de
medio punto, órdenes clásicas). Pero también se emplea la planta central, o se combinan ambos. Se utiliza mucho la cúpula. Aparte de los edificios religiosos, seguiremos
viendo palacios, hospitales…

Brunelleschi

Brunelleschi es considerado el primer arquitecto renacentista. Su aportación consiste en la utilización de un lenguaje tomado directamente de la arquitectura
clásica, rompiendo con la tradición gótica anterior.
Ejemplo: Cúpula de la catedral de Florencia (1418). La iglesia se había construido en estilo gótico, pero faltaba cubrir el amplio espacio de crucero. Inspirándose en la cúpula
del Panteón de Roma, ideó un sistema que arranca de un tambor octogonal en el que se abren grandes óculos. De aquí parten las cúpulas superpuestas, una dentro de otra, dejando una cámara de aire entre ambas. De este modo, el peso de los materiales disminuye y su altura creció mucho más. Ejemplo: Iglesia de San Lorenzo en Florencia. Se inició en 1420, con el patrocinio de varias familias florentinas, especialmente los Médici. La planta es de cruz latina, con
tres naves, capillas laterales y una cúpula en el crucero. En el interior se ve el uso que hace Brunelleschi de elementos de la antigua Roma: columnas corintias, arcos de medio
punto, techo plano con casetones… Estos elementos, en piedra gris, contrastan con el blanco. Esta bicromía es muy característica de todas sus obras. Todos los detalles están cuidadosamente calculados para contribuir a la armonía del conjunto. El resultado es un espacio muy ordenado. Ejemplo: Capilla Pazzi en Florencia. La capilla presenta una planta central, basada en un cuadrado abierto por una cúpula sobre pechinas. Se ve el uso del bicolor, blanco y gris. La decoración se sitúa en los medallones esculpidos, perfectamente integrados en el conjunto del edificio. Como en todas las obras de Brunelleschi, hay una búsqueda de la armonía a través del cálculo preciso de las proporciones. Ejemplo: Hospital de los Inocentes. En él destaca un pórtico abierto con arcos de medio punto y decorado con tondos y medallones de cerámica.

Alberti

Además de ser el primer gran teórico del Renacimiento, fue un arquitecto con obras en las que puso en práctica el resultado de sus investigaciones.
Ejemplo: San Andrés de Mantua. Su fachada es concebida como una estructura de gran arcuaria y presenta un gran arco de ingreso, prolongado hacia dentro en una bóveda de cañón que continúa en el interior. Ambos lados se superponen ventanas. Todo el conjunto se remata con un gran frontón triangular. En el interior vemos la nave central que se cubre con bóveda de cañón decorada con casetones y las naves laterales no existen, sino que han sido sustituidas por pequeñas capillas enmarcadas por pilastras corintias y cubiertas a su vez con bóvedas de cañón y casetones. Ejemplo: Palacio Rucellai en Florencia. Su fachada se divide en tres pisos y, gracias a los entablamentos y pilarcillos, se ordena y organiza la superficie. Superpone las diferentes órdenes y estudia cuidadosamente la proporción. Ejemplo: Templo de San Francisco de Rímini, también llamado Templo Malatestiano. Su tratamiento es el de un templo clásico, elevado sobre un podio. En la fachada se combinan arcos y dinteles, buscando el claroscuro en los volúmenes.

Escultura: Ghiberti y Donatello

Al igual que sucedió con la arquitectura, la abundancia de los restos arqueológicos del pasado clásico permitió la reinterpretación e inspiración de la escultura con los valores propios del Renacimiento.
Materiales y técnicas: la escultura se practica con obras de bulto redondo o en relieve. Además de la madera, el mármol y el bronce.
Temas: la escultura religiosa sigue siendo la más aclamada. Los personajes sagrados adquieren la dignidad de los tres dioses clásicos y se representan con rasgos físicos totalmente humanizados. El tema mitológico, inspirado en los modelos clásicos y en el uso del desnudo, empieza a ser muy frecuente. En este periodo tiene un gran auge el retrato y los monumentos públicos. Además del retrato, destaca la escultura funeraria como imagen de la inmortalidad de la persona.

Ghiberti

Escultor y orfebre, es una de las primeras figuras que plasma en sus obras la inquietud plástica del nuevo estilo. Ejemplo: Las puertas del baptisterio de la catedral de Florencia. En 1402 se convoca un concurso entre los artistas para realizar las dos puertas del baptisterio. Se presentan, entre otros, el propio Ghiberti y también Brunelleschi. Se pidió que los participantes realizaran como prueba una representación del sacrificio de Isaac. El vencedor fue Ghiberti, que introdujo novedades como el uso de paisaje, el desnudo y los motivos clásicos. En 1425 se le encargan a Ghiberti las últimas puertas del baptisterio, también reconocidas como «Las fuerzas del paraíso», en los que los hermosos relieves ocupan diez espacios cuadrados. En estos relieves se trabaja con una técnica llamada «Schiacciato», que consiste en rebajar el volumen en los distintos planos de la composición, desde un relieve muy alto hasta la ejecución de marcos casi imperceptibles en los planos más alejados. Con ellos se consigue una mayor sensación de realidad y espacio. Ghiberti consigue en estos relieves volumen en sus elementos (figuras, paisajes, edificios…) y perspectiva.

Donatello

Este escultor rompe con la tradición gótica, volviendo la mirada al pasado grecorromano. Emplea el bronce, el mármol y la madera con igual maestría. Conoce la perfección, la anatomía y domina el contraste de luces y sombras a través del trabajo de los volúmenes. Estudia las proporciones del cuerpo humano y está muy influenciado por la escultura clásica, aunque no esculpe ningún tema mitológico. Busca la individualidad en cada obra y le interesa captar la evolución de la edad del hombre (desde la infancia hasta la vejez) y los sentimientos del ser humano. Ejemplo: El David. El joven aparece desnudo con un sombrero, sobre la cabeza del gigante Goliat. Su postura describe una ligera aura. El retrato se elabora con realismo y la actitud del personaje muestra serenidad y reposo después de la victoria. Ejemplo: San José. En pie y armado, es la representación de la plenitud viril. Ejemplo: El Gattamelata. El artista conjuga el naturalismo del caballo, sus arreos y armadura clásica, con la expresión del jinete, que refleja un gran carácter y noble orgullo. Ejemplo: El profeta «Habbac». Ejemplo: La Magdalena Penitente. En su búsqueda de la realidad, Donatello se permite incluso tratar el tema de la fealdad, buscando el contenido expresivo y dramático, como vemos en esta obra, que parece la negación de la belleza renacentista.

Pintura: Fra Angélico, Masaccio, Piero della Francesca y Botticelli

Los pintores se sienten inspirados por el lenguaje del clasicismo, buscan la representación de la naturaleza y dejan a un lado el carácter simbólico y distante de la pintura medieval. La perspectiva se utiliza cada vez con más maestría. A ello se une el estudio del cuerpo humano, del movimiento y de la luz.

Fra Angélico

Su pintura representa el nexo con el estilo gótico. Sus composiciones se caracterizan por la dulzura de los modelos, de belleza idealizada y actitudes serenas. Recuerdos de la pintura goticista son el dorado en los nimbos de las figuras sagradas y la minuciosidad en los paisajes. En cambio, en las arquitecturas, que son ya clásicas, incorpora el uso de la perspectiva. Ejemplo: La Anunciación.

Masaccio

Protagoniza la ruptura con el periodo anterior. Su forma de pintar adopta todas las novedades de su época. Le preocupa el calor y el volumen; y el resultado son cuerpos casi escultóricos, con unos ropajes muy llamativos. Sus escenarios tienen una lograda profundidad y captación del ambiente atmosférico. En sus obras, lo psicológico también constituye un tema primordial. Ejemplo: La Trinidad. Es un fresco que está en la iglesia de Santa María Novella en Florencia. Se trata de una recreación ilusoria de un espacio arquitectónico característico del Renacimiento, como un auténtico de perspectiva. Sobre la pared del templo se creaba una pretendida capilla en profundidad. Los elementos arquitectónicos que vemos en esta pintura responden al lenguaje característico de su templo: columnas jónicas y bóveda de cañón con casetones.

La Capilla Brancucci en Florencia

En ella destaca el episodio de «El tributo de la moneda», en la que se representan tres escenas a la vez. También hay que destacar las figuras de Adán y Eva expulsados del paraíso, llenos de dolor y dramatismo.

Piero della Francesca

Investiga en el campo de la perspectiva y escribe un tratado sobre el tema. El rasgo más notable de su pintura es el dominio de la luz y de la sombra, que utiliza con fines simbólicos.
Ejemplo: La Virgen con el niño, santos y Federico de Montefeltro. Fue encargada por Federico de Montefeltro, duque de Urbino, personaje característico del Renacimiento, pues además de soldado fue un gran mecenas o protector de los artistas. En la obra, se produce una diferenciación de planos en profundidad, fruto de los estudios previos de perspectiva: el duque, arrodillado y de perfil, está en el primer término, seguido por la virgen elevada sobre un pequeño estrado. La figura central está flanqueada por dos grupos de tres santos, y al fondo vemos un grupo de ángeles.
La luz lateral tiene mucha influencia en la construcción del cuadro y acentúa el volumen. Los elementos arquitectónicos son puramente clásicos (pilastras, bóvedas de cañón con casetones).

Ejemplos de Piero della Francesca

• Historia de la Verónica.
• Virgen de Senigallia.
• Sueño de Constantino.

Botticelli

Sus composiciones son dinámicas y con gran dominio del dibujo. Trata a menudo temas mitológicos, con una suave sensualidad. Su dibujo es exquisito, refinado y nervioso, de líneas ondulantes y contornos precisos.
Ejemplo: El nacimiento de Venus. Reproduce el pasaje de la mitología clásica donde la diosa nace de los testículos de Urano en contacto con el mar, cuando fue castrado por Zeus. Ejemplo: La primavera. La composición muestra una composición simétrica con una figura central (Venus). Las figuras tienen un canon alargado y sus actitudes son serenas y ensimismadas, intentando captar una belleza idealizada. Los colores de los vestidos son pálidos, con transparencias, a través de las cuales se puede observar la anatomía del desnudo. La luz impregna uniformemente la escena, sin contrastes violentos. Ejemplo: La calumnia. Incluye diez figuras: a la derecha del espectador, el rey Midas o juez malo, es entronizado entre la sospecha y la ignorancia, representadas como mujeres que están susurrándole malos consejos a sus orejas de asno. Ante este juez se encuentra una figura masculina, con hábito de monje, que representa el rencor. Este personaje conduce a una joven (la calumnia) a la que está adornando los cabellos la envidia y el fraude. La calumnia arrastra a la víctima, un hombre prácticamente desnudo, que junta las manos pidiendo clemencia. A la izquierda está la penitencia, vestida de negro, y tras ella la verdad.

El Cinquecento

Arquitectura: Bramante, Miguel Ángel y Palladio

El Cinquecento será una etapa de consolidación de las innovaciones del siglo anterior. El lenguaje es asimilado por todos los artistas. Aparecen figuras que practican todas las artes con gran dominio técnico. Alcanzando ese equilibrio, los grandes artistas, a partir de los principios del mundo clásico, evolucionarán hacia lo que se conoce como manierismo. En las obras manieristas se observan tensión y una ruptura de las reglas del arte clásico. Aparte de los edificios de índole religiosa, observamos otras tipologías:

• Palacios
• Villas de recreo, situadas en las proximidades de las ciudades como lugares de descanso
• Teatros
• Bibliotecas

Bramante

Este artista recoge los avances teóricos y prácticos anteriores logrados en estilo armónico y equilibrado, con sentido del ritmo y la preparación. Participando en las obras de renovación de San Pedro del Vaticano, centro de la cristiandad. El Papa Julio II encarga el proyecto a Bramante, pero las enormes dimensiones del nuevo complejo y lo costoso de su realización obligan a que fueran varios artistas (arquitectos), en periodos distintos y con conceptos diferentes, los que intervinieran en su ejecución. Ejemplo: San Pedro del Vaticano. La planta que presentó Bramante era de cruz griega, insólita en un espacio rectangular, que representaba los cuatro puntos cardinales. El punto de encuentro de los cuatro brazos, bajo el que se encuentra la tumba del apóstol Pedro, se cubría con una enorme cúpula que representaba el firmamento. Tras la muerte de Bramante, las obras fueron continuadas por Rafael, que se limitó a seguir los planes dejados por Bramante y más tarde por Sangallo. Pero fue Miguel Ángel quien continuó la obra y le dio su aspecto actual, incluida la famosa cúpula. Ejemplo: San Pedro in Montorio, en Roma. Los Reyes Católicos encargaron a Bramante la realización de esta obra, destinada a conmemorar y señalar el lugar en el que, según la tradición, había sido crucificado San Pedro. La planta es centralizada, y todo el diseño repite la forma circular. Los distintos espacios (escalinata, cúpula…) se disponen en círculos concéntricos. El edificio es períptero (totalmente rodeado de columnas), dórico y coronado por una balaustrada. El cuerpo superior está formado por una cúpula sobre tambor rematada por una linterna.

Miguel Ángel

Considerado ante todo escultor, Miguel Ángel crea para el Vaticano la planta que tiene en la actualidad, planta central en forma de cruz griega, cuyos brazos se remataban con grandes absides. Todo estaba dominado por la enorme cúpula, en una escala gigante para resaltar el simbolismo de la construcción. Miguel Ángel no abandona los principios que caracterizan el lenguaje de su tiempo, pero sí crea un estilo personal adaptado a su fuerza creadora, las reglas de la tradición clásica.
Ejemplo: El proyecto de la plaza del Capitolio en Roma. Su intervención afectó a todo el conjunto, desde el pavimento estrellado hasta los elementos arquitectónicos de los edificios, donde aplicó el orden gigante. Este consistía en aumentar la proporción de los órdenes clásicos, dando un aspecto más monumental, más colosal a la arquitectura. El espacio tiene forma trapezoidal, centrado en la escultura ecuestre de Marco Aurelio, de la época romana. Ejemplo: La Biblioteca Laurenciana, en Florencia. En 1524, la familia Médici decide crear una biblioteca pública y se la encarga a Miguel Ángel. El acceso a la sala de lectura es un vestíbulo rodeado por elementos arquitectónicos (columnas, frontones, modillones…) que no poseen ninguna función constructiva, sino solo decorativa. Es un espacio de reducidas dimensiones en el que Miguel Ángel juega con la arquitectura para impactar al visitante antes de su acceso a la sala de lectura. Llama la atención la escalera, que es demasiado grande para ocupar un vestíbulo tan pequeño. Estos juegos de formaciones son típicos del manierismo. Miguel Ángel aporta volumen a la arquitectura, como si de una escultura se tratase.

Palladio

Su preocupación fue adaptar las formas de la antigüedad a las necesidades modernas y creó numerosas obras civiles. Ejemplo: Villa Rotonda. La Rotonda es una residencia situada a las afueras de la ciudad de Vicenza. La planta se organiza alrededor de una habitación central circular, cubierta por una cúpula y el cuadrado en el que está inserta. Hay cuatro pórticos, uno en cada fachada, a los que se accede por escalinatas. Palladio realiza las decoraciones recargadas y desarrolla un estilo sencillo, que huye del amontonamiento de motivos clásicos. Tiene en cuenta el aspecto práctico (materiales baratos), sin olvidar la grandeza y belleza que deseaban en sus mansiones las poderosas familias, que fueron sus principales clientes. Supo unir en esta obra funcionalidad, elegancia y comodidad.

Estructura: Miguel Ángel

Miguel Ángel Buonarroti destacó en todos los ámbitos artísticos, pero él se consideraba sobre todo escultor. Su obra representa la perfección en la escultura. Aunque empleó otros materiales, trabajaba fundamentalmente el mármol blanco de Carrara, para crear obras caracterizadas por la grandiosidad, el estudio perfecto de la anatomía y la fuerza interior de los personajes. Va desde la serenidad y el equilibrio, hasta la expresividad y «terribilitá» o transmisión de la fuerza espiritual de los personajes.
Ejemplo: La Piedad del Vaticano. Es uno de los conjuntos escultóricos con más éxito dentro de la producción de Miguel Ángel. La Virgen es una niña envuelta en un plegado abundante, que con dulzura y serenidad sostiene el cuerpo muerto de Cristo, tratando con gran perfección anatómica.