La arquitectura italiana: – El edificio: Orden y proporción entre las partes y simetría. El espacio interior es unitario y organizado según las leyes de la perspectiva geométrica. El espacio exterior es cuidado y proporcionado. – Tendencia de la horizontalidad que refuerza cornisas y molduras. – Recuperación de los órdenes (toscano, jónico, dórico, corintio y compuesto). Vitrubio sirve de inspiración. – Materiales: Piedra y mármol preferiblemente. – Los elementos arquitectónicos: Los soportes son las columnas con fuste liso y capiteles corintios, y muros con pilastras adosadas. – Los elementos decorativos son importantes y variados: Arquitectónicos u ornamentales de inspiración clásica, destacando el grutesco en torno a un eje. – Gran variedad de tipos de edificios. Importancia de la arquitectura civil.

Escultura: – Reinterpretación de las obras clásicas. – Interés por el bulto redondo. – Materiales: preferencia por el mármol y bronce, barro cocido y esmaltado, madera, etc. – Se busca la perfección técnica del cuerpo humano y en las superficies pulidas y tersas. – Contraposto y canon. – Naturalismo idealizado e interés por la belleza formal. – Iluminación homogénea. – Perspectiva. – Temas religiosos y profanos en los que se refleja el interés por el hombre y la naturaleza. Importancia del retrato y del cuerpo humano desnudo.

QUATTROCENTO: – Preocupación por el volumen, la proporción y la perspectiva. El detallismo anecdótico, lo curvilíneo y lo delicado procedente del gótico se mantiene en algunos casos, pero en otros (Donatello) aparece la monumentalidad y severidad. Ghiberti, Donatello.

CINQUECENTO: – Naturalismo más idealizado. Simplicidad y monumentalidad. Mayor preocupación por el modelo clásico. – Búsqueda de la belleza ideal. El relieve pierde importancia. Miguel Ángel Buonarroti.

Pinturas renacentistas italianas:

1) Influencias Clásicas

No hay modelos directos en la pintura antigua. Inspiración en: Escultura clásica → Influencia indirecta. Arquitectura clásica → En composiciones pictóricas. Proporciones armónicas → Equilibrio, belleza, representación del cuerpo humano.

2) Continuidad con la Tradición Medieval

Influencia del Trecento y Giotto → Ruptura con la pintura gótica. Predominio inicial del mural con técnica del fresco y luego temple. Innovaciones técnicas: Desaparición del retablo → Uso del caballete y lienzo. Mejora del fresco y paso del temple de huevo. Uso del óleo → Influencia flamenca.

3) Secularización y Antropocentrismo

Temática profana comienza a aparecer. Humanización de personajes religiosos.

4) Representación de la Naturaleza

Búsqueda del realismo en el espacio tridimensional. Perspectiva: Lineal: Pirámide visual, monofocal e invariable. Aérea: Difuminación de contornos y colores para marcar distancia. Desaparición de fondos planos y dorados → Incorporación de paisajes. Uso del color y la luz: Colores dejan de ser simbólicos, se vuelven reales. Siglo XVI: Luz intensa en primeros planos, disminuye en los fondos. Cuerpo humano: Uso del escorzo.

5) Composición y Expresión

Composiciones simétricas → Basadas en formas geométricas, crean profundidad. Expresión figurativa naturalista e idealizada → Belleza y proporción. Uso del desnudo → Demostración del conocimiento anatómico. Ideal de belleza e individualización → Reflejado en retratos.

6) Figura del Artista y Mecenazgo

Relación con el mecenas fundamental. Formación intelectual del artista → Influenciado por humanismo y neoplatonismo.

ARQUITECTURA ESPAÑOLA:

a) PLATERESCO primera mitad del siglo XVI: – Sobre los edificios de estructura gótica se introducen elementos decorativos renacentistas como columnas clásicas, medallones o grutescos. Se añaden blasones o escudos que imprimen un sello de majestad. También perviven elementos mudéjares como las yeserías y las techumbres de madera. Es un estilo ornamental con fachadas decoradas a semejanza del trabajo de los plateros que actúan a modo de retablos o pantallas en forma de tapiz ocultando la estructura del edificio.

b) PURISMO. Se desarrolla paralelamente al plateresco y triunfa en el reinado de Carlos V. El purismo representa la adopción tardía del clasicismo renacentista. – Los elementos decorativos se reducen, se valoran los espacios lisos. – El aspecto es severo, monumental y equilibrado. – Emplea bóvedas de cañón, vaídas, cúpulas y arcos de medio punto. – El concepto del espacio es unitario. – El purismo tiene un gran desarrollo en Andalucía, aquí trabajan: Diego de Siloé que termina la catedral de Granada – un conjunto híbrido gótico-renacentista. Pedro Machuca, un arquitecto y pintor que había residido en Italia, donde estudió las obras de Miguel Ángel y Bramante, regresó a España en 1520 y se instaló en Granada. Ocho años después, el emperador decide construir un palacio en los jardines de la Alhambra.

c) HERRERIANO. Se desarrolla en la segunda mitad del siglo XVI y se encuadra dentro del manierismo: Juan de Herrera fue un gran humanista que viajó a Italia. Es el creador de un estilo propio que se basa en la total ausencia de decoración en los muros, la proporción matemática entre los elementos constructivos y el empleo del orden gigante en las columnas. – Su edificio más representativo es el Monasterio del Escorial que Felipe II mandó construir para conmemorar la victoria de San Quintín.

LA ESCULTURA ESPAÑOLA: 1) Características Generales

Predominio absoluto de temas religiosos. Búsqueda del realismo para provocar devoción. Material principal: Madera policromada. Técnicas: “Estofado” → Para las partes cubiertas. “Encarnado” → Para las partes descubiertas.

2) Primer Tercio del Siglo XVI

Transición del estilo hispano-flamenco a las formas renacentistas. Escultores destacados: Diego de Siloé → Fusión de elementos góticos, renacentistas y mudéjares. Obras: Retablo de la Capilla del Condestable (Catedral de Burgos). Escalera Dorada (Catedral de Burgos)./ Damián Forment → Retablo mayor de la Basílica del Pilar (Zaragoza). Retablo del Monasterio de Poblet. / Felipe Vigarny → Trabajó con Siloé. Retablo mayor de la Capilla Real de Granada. Retablo de la Catedral de Toledo.

3) Segundo Tercio del Siglo XVI – Apogeo de la Escultura

Influencia italiana fusionada con el espíritu religioso español. / Alonso de Berruguete Influencia de Miguel Ángel y Donatello. Dramatismo sobre armonía y serenidad. Figuras huesudas, gesticulantes y nerviosas. Obra destacada: Retablo de San Benito (Museo de Valladolid). / Juan de Juni Búsqueda de la perfección técnica. Influencias: Miguel Ángel (fuerza escultórica). Claus Sluter (realismo dramático). Ambiente castellano (acentúa la expresión). Obras destacadas: Retablo del Santo Entierro. Entierro de Cristo (Museo de Escultura de Valladolid). Virgen de las Angustias.

4) Último Tercio del Siglo XVI – Introducción del Manierismo

Escultura regia influida por Italia. Destacan los escultores italianos León y Pompeyo Leoni. León Leoni (trabajó para Carlos V): Estatua en bronce de tamaño natural de Carlos V y el Furor (Museo del Prado).

3 LA PINTURA ESPAÑOLA: 1) Influencia Italiana y Características Generales Introducción tardía en España. / Difusión a través de: Importación de pinturas y grabados italianos. Presencia de pintores italianos en España. Viajes de artistas españoles a Italia. / Predominio de temas religiosos → Imágenes como propaganda de la fe católica. / Escasez de temas mitológicos y profanos. / Técnica principal: Óleo sobre tabla y, posteriormente, sobre lienzo. / El fresco apenas se desarrolla, a diferencia de Italia.

2) Primer Tercio del Siglo XVI

Convivencia de dos influencias: Flamenca. Italiana del Quattrocento → Introducción progresiva del dibujo, la figura humana y la profundidad espacial. / Pedro Berruguete: Fusión de la influencia flamenca e italiana. Obras destacadas: Retablo del convento de Santo Tomás (Ávila). Retablo de la iglesia de Paredes de Nava (Palencia). / Fernando Yáñez de la Almedina y Hernando Llanos (Valencia): Influencia de Leonardo da Vinci → Ejemplo: Santa Catalina (Museo del Prado).

3) Segundo Tercio del Siglo XVI

Grupo de pintores valencianos que copian a los italianos del Cinquecento. Juan de Juanes: Fusión del sfumato de Leonardo con el color y dulzura de Rafael. Obras: Última Cena → Piedad dulzona. Martirio de San Sebastián → Brusquedad en la representación.

4) Segunda Mitad del Siglo XVI – Introducción del Manierismo

Estilo anticlásico, minoritario e intelectual. Características: Colores fríos. Desproporción y movimiento exagerado. Formas helicoidales y alargadas. Composiciones confusas. / Luis de Morales: Temas religiosos con hondo misticismo. Características de su obra: Figuras alargadas. Colores fríos. Expresividad intensa (Virgen con el Niño). Preludio del tenebrismo y sentimentalismo del Barroco. / Pintores en la corte de Felipe II (decoración del Escorial): Alonso Sánchez Coello. Antonio Moro. Juan Pantoja de la Cruz.

5) El Grecoco Nació en Creta. 1560: Viaje a Venecia → Influencia del colorido y movimiento. 1570: En Roma → Influencia de Miguel Ángel (figuras musculosas y expresivas). Presenta La Adoración del Nombre de Dios para Felipe II. 1580: Martirio de San Mauricio, rechazado por el rey. Se instala en Toledo, donde desarrolla su estilo más original. Etapas de su Obra

Primera etapa (Italia y primeras obras en España): Influencia de Miguel Ángel (figuras monumentales). Influencia veneciana (colorido brillante). Paisajes y marcos arquitectónicos. Obras: Expulsión de los mercaderes del templo. La Anunciación. El Expolio → Destaca la mancha roja de la túnica de Jesús.

Segunda etapa (Toledo – Estilo propio): Alejamiento de la realidad. Expresión mística: Figuras alargadas y etéreas. Fondos irreales con luces y sombras. Colores fríos. Composiciones con figuras amontonadas y planos superpuestos. / Rechazo de lo normal y realista: Martirio de San Mauricio. El Caballero de la mano en el pecho (elimina anécdotas realistas). Expresión del espíritu místico español: Refugio en la fe y lo irreal.

Brunelleschi: Arquitecto y escultor renacentista italiano del Quattrocento, pionero en el uso de la perspectiva cónica. Su obra más famosa es la Cúpula de la Catedral de Santa María del Fiore en Florencia, una innovadora estructura de doble cúpula inspirada en el Panteón de Agripa. También diseñó el Hospital de los Inocentes y las basílicas de San Lorenzo y Santo Spirito.

Leon Battista Alberti: Humanista y arquitecto teórico del Renacimiento. Su tratado De Re Aedificatoria estableció la importancia de la proporción matemática en la arquitectura. Destacan la Santa María Novella en Florencia, con su fachada equilibrada, y el Palacio Rucellai, que refinó el diseño de los palacios renacentistas.

Donato Bramante: Arquitecto del Cinquecento y máximo exponente del clasicismo del siglo XVI. Su obra se caracteriza por la simetría, proporción y el uso de plantas centralizadas, como en el Templete de San Pietro in Montorio. Fue el encargado del primer proyecto de la Basílica de San Pedro del Vaticano, donde propuso una planta de cruz griega con una gran cúpula central.

Miguel Ángel: Artista renacentista del Cinquecento, maestro en arquitectura, pintura y escultura. En arquitectura, destacó por su monumentalidad (Cúpula de San Pedro). En pintura, creó las icónicas obras de la Capilla Sixtina. En escultura, plasmó su fuerza expresiva en el David, Moisés y La Piedad, evolucionando hacia el Manierismo en su madurez.

Andrea Palladio: Arquitecto manierista del siglo XVI, conocido por su arquitectura monumental y el uso innovador del lenguaje clásico. Sus obras combinan funcionalidad y elegancia, con elementos repetitivos como frontones y serlianas. Destacan la Villa Rotonda, de planta centralizada con cuatro fachadas simétricas, y el Teatro Olímpico, el primer teatro cerrado moderno.

Lorenzo Ghiberti: Escultor renacentista del Quattrocento, célebre por sus puertas del Baptisterio de Florencia. Su obra maestra, las Puertas del Paraíso, destaca por sus relieves en bronce dorado, donde aplicó la perspectiva en el stiacciato. Venció a Brunelleschi en el concurso para las segundas puertas, consolidando su prestigio.

Donatello: Escultor renacentista del Quattrocento, pionero en la representación naturalista del cuerpo humano. Creó el primer desnudo a tamaño natural desde la Antigüedad (David) y la primera estatua ecuestre renacentista (Gattamelata). Maestro del stiacciato, influyó en la evolución de la escultura con obras como San Jorge y Moisés.

Juan de Herrera: Arquitecto español del siglo XVI y creador del estilo herreriano. Su obra se caracteriza por la geometría simple, la sobriedad decorativa y la monumentalidad. Su creación más importante es el Monasterio de El Escorial, símbolo del poder de Felipe II.

Alonso Berruguete: Escultor castellano renacentista, influenciado por Miguel Ángel y el manierismo. Sus figuras se caracterizan por la tensión, el dramatismo y la musculatura alargada. Destacan el Retablo de San Benito y la sillería del coro de la catedral de Toledo.

Juan de Juni: Escultor borgoñón del siglo XVI afincado en Castilla, maestro de la imaginería religiosa. Sus obras presentan expresividad exagerada y composiciones teatrales, con policromía brillante. Su obra maestra es El entierro de Cristo, de gran patetismo y simetría.

El Greco: Pintor renacentista nacido en Creta, se formó en Italia antes de establecerse en Toledo. Su estilo único se caracteriza por figuras alargadas, luz irreal y colores vivos. Rechazado por Felipe II, creó su taller en Toledo, donde desarrolló su obra. Aunque pintó mitología y retratos, destacó en temas religiosos. Entre sus obras más importantes están El expolio, La Trinidad y los apostolados. Su obra maestra, El entierro del Conde de Orgaz, sintetiza su visión mística. En ella retrató personalidades de la época con gran realismo.

Leonardo da Vinci: Fue un pintor renacentista italiano, máximo exponente del clasicismo y el ideal humanista. Viajó de Florencia a Milán, luego a Roma y terminó su vida en Francia. Innovó con la perspectiva aérea y el sfumato, logrando composiciones llenas de luz, sombra y volumen. Además de pintor, fue inventor, escultor e ingeniero. Entre sus obras más importantes destacan La Gioconda, La Última Cena y La Virgen de las Rocas.

Rafael: Fue un pintor renacentista italiano del siglo XVI, influenciado por Leonardo y Miguel Ángel. Su obra se caracteriza por la simetría, el dibujo preciso y la dulzura en sus figuras. Viajó de Perugia a Florencia y luego a Roma, donde trabajó para el Papa Julio II. Creó frescos monumentales como La Escuela de Atenas y retratos psicológicos como Baltasar de Castiglione y El Papa Julio II. Sus Madonnas reflejan belleza y armonía, siendo uno de los grandes del Cinquecento.

Tiziano: Fue un pintor renacentista italiano del siglo XVI, perteneciente a la escuela veneciana. Reconocido por su dominio del color y la luz dorada, trabajó para el Papado y la monarquía española. Su estilo evolucionó hacia una pincelada más suelta, anticipando el Barroco. Destacó en temas mitológicos (La Bacanal, La Venus de Urbino), religiosos (La Asunción de la Virgen) y en retratos, como Carlos V en la Batalla de Mühlberg y su Autorretrato.

• Perspectiva lineal: Técnica artística que crea la ilusión de profundidad mediante líneas convergentes.
• Escorzo: Representación de una figura en perspectiva con acortamiento para dar sensación de profundidad.
• Sfumato: Técnica pictórica que difumina los contornos para suavizar transiciones y crear profundidad.
• Almohadillado: Decoración arquitectónica con bloques en relieve en muros y fachadas.
• Grutesco: Ornamentación renacentista con formas fantásticas, vegetales y figuras híbridas.
• Plateresco: Estilo arquitectónico español con rica ornamentación inspirada en la orfebrería.
• Manierismo: Estilo artístico que exagera formas y colores, alejándose del equilibrio clásico.
• Herreriano: Estilo arquitectónico sobrio y geométrico, impulsado por Juan de Herrera en España.
• Linterna: Pequeña estructura sobre una cúpula que permite entrada de luz.
• Tambor: Base cilíndrica o poligonal sobre la que se apoya una cúpula.

Arbotante: Arco exterior que transfiere el peso de la bóveda hacia un contrafuerte o pilar exterior, muy usado en la arquitectura gótica para permitir paredes con grandes ventanales.

Retablo: Estructura que se coloca detrás del altar en una iglesia, habitualmente decorada con pinturas o esculturas religiosas.

Rosetón: Ventana circular de vidrio de colores, común en las iglesias góticas, sobre todo en las fachadas.

Cimborrio: Torre o estructura situada sobre el crucero de la iglesia, generalmente rematada con una cúpula o aguja.

Girola: Corredor que rodea el altar mayor, especialmente en el arte románico y gótico, que permite el acceso y circulación de los fieles.

Pantocrátor: Representación de Cristo como “El Todo Poderoso”, comúnmente ubicada en el ábside de las iglesias, de símbolos de los evangelistas.

Tímpano: Espacio sobre la puerta principal de una iglesia, frecuentemente decorado con escenas religiosas.

Deambulatorio: Pasillo semicircular que rodea el altar mayor de una iglesia, común en las iglesias románicas y góticas, utilizado por los peregrinos.

Arquivoltas: Arcos decorativos que rodean las puertas o ventanas de las iglesias, a menudo adornados con esculturas.